Najnovšie - Výtvarné umenie strana 91 z 95

Už od samého počátku provází výtvarné umělce při jejich tvorbě žena, jejíž krásu opěvují a jejíž kráse se prostřednictvím svého umění klaní. Se ženou jako inspirací a zejména jako objektem zobrazení se setkáváme v antice prodchnuté erotikou, v cudném středověku, v klasických dílech renesance, smyslném baroku, v přelomovém impresionismu a poklonu ženské kráse samozřejmě skládali i výtvarní umělci ve 20. století. Kniha 100 slavných světových malířů nabízí 100 podobizen žen, jejichž krása by mohla odpovídat dnešnímu ideálu. Jsou mezi nimi obrazy známé a oceňované, ale i takové, vyznačující se jistou malířskou delikátností. U každé reprodukce je uvedena adresa muzea či galerie, v níž si lze prohlédnout originál.

Prvá časť trilógie zachytáva tvorivé obdobie výtvarníkov od rokov štyridsiatych do roku 1968.

Kreslení zvířat je tak jednoduché! Konečně je na trhu kniha, která ukazuje postupy a principy kreslení zvířat ve své nejjednodušší podobě. Pomocí postupů, které jsou v knize popsány, můžete nakreslit nejen ta zvířata, která jsou zde vyjmenována, ale i proniknout do tajů kreslení zvířecího světa obecně. Namísto pracného učení se anatomických podrobností získáte všeobecný přehled o principech, které se při kreslení zvířat uplatňují. V knize jsou popsány různé úhly pohledu na zvířata, různé postupy , ale i tajné finty a pomůcky, které vám umožní nakreslit zvířata v jejich typických pozicích. Najdete zde psy, kočky, koně, medvědy, lvy a jeleny, ale i některá velmi populární exotická zvířata jako žirafy, šimpanzy nebo medvídky panda. Samozřejmě n echybí ani ptáci. Zastoupeni jsou nejen dravci, ale i atypičtí a tolik oblíbení tučňáci. Ty všechny, a nejen je, budete umět nakreslit tak, že budou vypadat jako živí! Kniha je vhodná pro učitele kreslení a výtvarné výchovy všech stupňů vzdělávání, p ro každého zájemce o kreslení, ale je ideální pomůckou pro zábavu doma s dětmi, které se zajímají o kreslení a zvířátka.

Obsáhlá a obrazově bohatě vypravená kniha je vyvrcholením autorova mnohaletého zájmu o problematiku sběratelství, který se datuje od jeho vysokoškolských studií a který významně ovlivnilo jeho bezmála dvacetiletého působení v Národní galerii v Praze. Od publikace Sběratelství (Praha 1983) představuje první souhrnné zpravování poznatků o výsledcích a charakteru sběratelských aktiv v oblasti výtvarného umění na našem území v letech 1650–1939. Kniha je určena nejen odborné veřejnosti, ale všem zájemcům o výtvarné umění a kulturní historii, stejně jako současným sběratelům a obchodníkům s uměním.

Monografia Milana Paštéku je súbor úvah a štúdií o diele (maľby, kresby, plastiky a keramiky), osobnosti a živote tvorcu mimoriadneho významu nielen pre slovenské výtvarné umenie. Koncepciu textov a výber ôsmych autorov, kunhistorikov a filozofov, zostavil ešte samotný umelec. Kniha obsahuje 297 farebných a 72 čiernobielych fotografií

„U Roberta Bruna by o žiadnych grafických listoch vlastne nemala byť reč. Jeho princíp originálu celkom špecificky nesúvisí s podstatou grafických a maliarskych techník. Ako splnomocnený konateľ spoločnosti robinzonov bravúry pozná ostrovy, kde sa nikdy nestroskotalo, a preto niet dôvodu volať o pomoc.“ (Z úvodného textu Máriusa Matáka.)

Poprvé ve více než šedesátileté historii české animace vychází text zabývající se postupy tvorby a výroby animovaného filmu. Tato příručka začínajícího animátora je určena Středním odborným školám se zaměřením na výuku animace, nebo na výtvarnou vých ovu. Základní školy umění získají výchozí materiál pro výuku animace zájmových skupin a provedení animace dětmi. V neposledním i příznivci z řad veřejnosti dostanou do ruky knihu přibližující úskalí i radosti tvorby animovaného filmu. Nahlédneme do p roblematiky kresleného, loutkového, ploškového i virtuálního filmu. Seznámíme se s historií i momentálně probíhající praxí práce v stále atraktivním oboru filmu. Principy a postupy animace naznačí způsob práce animátora. Některým zájemcům poskytnou n ávod, nebo vodítko jak začít, jak vytvořit a jak dokončit svůj premiérový opus. Celkem 27 oddílů tématicky zaměřených na praktický postup tvorby a výroby animovaného filmu historické minimum českého a světového animovaného filmu technické prostředky a jejich vývoj tvůrci a filmy, kteří vývoj animaci ovlivnili.. Autor je profesním pracovníkem kresleného filmu, výtvarník a bývalý dlouholetý animátor studia Bratři v triku. Nyní ve svobodném povolání výtvarníka a animátora filmu a vyučujícím animace na VOŠG Jihlava.

Katalog k výstavě obsahuje úvodní texty Václava Maliny, Václava Cílka a Karla Drhovského, biografii umělců Františka Hodonského, Vladimíra Gebauera, Pavla Mühlbauera, Jiřího Ptáčka, Václava Maliny a Igora Millera s deseti celostránkovými reprodukcemi každého z nich a dalšími repro v úvodních textech. Katalog je doplněný i výběrem literárních textů vztahujících se k tématu.

Miesto Gustáva Mallého (1879 - 1952) v dejinách nášho umenia vyznačuje jeho záujem o žánrovú figurálnu maľbu i o krajinárske motívy. Jeho práce vošli do povedomia kultúrnej obce po období nadvlády impresionizmu. Gustáv Mallý - v súvislostiach so stredoeurópskym vývinom - na začiatku dvadsiateho storočia, kedy európske maliarstvo stálo na križovatke mnohých umeleckých dobrodružstiev, poučene zdôraznil úlohu svetla v obraze. Znamenalo to, že ho vedel využiť ako symbolický i ako technický prvok maľby. V nezvyčajne presvetlených obrazoch zrejme uplatnil aj nové tvorivé myšlienky zo štúdií v Prahe i na Kráľovskej akadémií v Drážďanoch. Mallého dielo - a prínos slovenskej moderne - nepochybne najväčšie úspechy zaznamenalo v dvadsiatich a tridsiatich rokoch minulého storočia. Nesledujeme ich síce v rovine umeleckých výbojov, ale v presvedčivom rozprávaní príbehov hodového veselenia, trhovej trmy vrmy, i stíšených maliarskych epizód na širokých podtatranských lúkach. Hoci Gustáv Mallý svoj záujem o kvalitu svetla v žiadnom prípade nestlmil, určite ho podriadil výraznej tvarovej štylizácii a novej kompozičnej stavebnosti prác z tohto obdobia. Obrazová časť obsahuje všetky jeho významné diela zo zbierok slovenských galérií a múzeí, ako i súkromných zbierok.

Letos uplynulo 37 let od předčasného úmrtí výtvarníka Milana Mölzera (1937-1976). Mölzerovy zásadní výtvarné práce vznikly v sedmdesátých letech v Německu, kam se svou rodinou emigroval v roce 1968. Katalog zachycuje autorovy stěžejní práce, zapůjčené zejména Verou Röhm, která Mölzerova díla uchovávala, pečlivě dokumentovala a postupně jeho sbírku rozšiřovala, byly představeny Galerií Zdeňka Sklenáře v roce 2012. Řezané struktury, amphibolinové reliéfy a vizuální cestovní záznamy, které byly představeny na dvou desítkách samostatných i skupinových výstavách v Německu, Francii a Itálii je možné shlédnout v ilustrovaném katalogu tohoto výjimečného českého umělce. O autentičnost doby, ve které Milan Mölzer zazářil jako umělec, se podělilo šest kolegů a zejména jeho přátel.

Dílo Barbory Myslikovjanové upoutá na první pohled svou výraznou emotivní silou. Teprve v dalších vrstvách pronikáme do příběhu bolesti a zjišťujeme, co všechno se může skrývat ve slupce klišé nevinného dětství, které pro mnohé s odstupem času bývá spojováno se ztraceným rájem. Každý obraz mladé malířky (studující v ateliéru Vladimíra Kokolii na AVU) působí zvláštní subtilní atmosférou jakéhosi návodu na rodinné štěstí. Figurální kompozice s bravurně zvládnutou psychologií v nás vyvolávají zvědavost, protože každá souvisí s tou předchozí. Obrazy působí jako sekvence z neorealistického filmu. Operují s prudce kontrastní barevností a ne vždycky na nich vystupují děti v lichotivých souvislostech. Na současné umělecké scéně se Barbora Myslikovjanová zjevuje jako výrazný individuální solitér s autentickou hodnotou vlastního života odrážejícího se v jejím díle. Samostatnou uměleckou publikaci obsahující 155 reprodukcí obrazů a kreseb rytmizují ukázky z autorčiny silné literární tvorby.

"Nakano Kenichi, a modern idők szamurája, a levegőben vibráló fények rezgésének megszállottja. Naiv szellemével, gyermeki ártatlansággal alkotott formái és színei teljes meztelenségükben maguk az "abszolút egyszerűség". A különböző kultúrák közötti "ingajárata" eredményezi a "mai Japán" és a "nyugati modernség" rendkívül egyéni szintéziséből születő színes, egzotikus, gondtalan gyermeki könnyedséggel telített világát. Képeinek atmoszférája az ellenállhatatlanul rezgő, állandó napfényesség. Ha ebben a mai embertelen világban elfelednénk ezt a vibráló örömöt, ezek a boldogságot sugárzó művek segítenek, hogy újraérezzük." ( Vörös Ilona)

This lavishly illustrated monograph of the great British landscapist John Constable (1776-1837) presents a definitive survey of the painter's life and works. Jonathan Clarkson offers a comprehensive assessment of Constable's oeuvre, from his earliest line drawings to his last masterpieces, including pencil drawings, quick outdoor oil sketches, painstakingly worked studio canvasses, and less well-known portraits. Born the son of miller, merchant and gentleman farmer in the small village of East Bergholt, in rural Suffolk, it was not immediately obvious that John Constable would pursue a career in the art world. However, the young Constable became a keen amateur landscape painter, inspired by the rural surroundings of his beloved Bergholt home. With the encouragement of local wealthy connoisseur Sir George Beaumont, whose collection introduced the artist to such masters of landscape such as Claude Lorrain, and an allowance from his father, Constable was admitted to the Royal Academy Schools, London, in 1799. There he studied the work of such masters as Lorrain, Gainsborough and Ruisdael and developed his own style of meticulous observation of natural detail combined with contemporary aesthetic theory. On leaving the Academy Constable rejected a financially rewarding position as a drawing master to sketch and paint in the English countryside for nearly ten years, in search of an honest yet coherent and dignified 'natural painture' style, and pioneered the revolutionary practice of making finished paintings in the outdoors, direct from nature. Commercial success came with Constable's decision to exhibit large works at the British Institution. These 'six-footers', which secured his position among the greatest British painters of his age, included such enduringly famous canvases as The Hay Wain. In this new monograph Jonathan Clarkson looks afresh at these great paintings and investigates what we actually can see in them. Set against the rapidly changing way of life in nineteenth-century Britain Constable's paintings are both portraits of a disappearing world and reflections of his belief that 'Painting is a science, and should be pursued as an inquiry into the laws of nature'. Since his death, Constable has been condemned for presenting a wilfully inauthentic vision of the early nineteenth-century English countryside, which was ravaged by unemployment, crime and intense poverty in the years following the Napoleonic wars. However, his importance for Realism and for painting as a practice in itself cannot be underestimated. Clarkson draws attention to Constable's direct influence, not only on landscape painters, but also on figurative artists in his own time and on to such twentieth-century painters as Lucien Freud and Frank Auerbach.

This new monograph examines the life and works of Auguste Rodin (1840-1917), whose compelling career and legacy continue to captivate audiences, artists and critics alike. As one of the greatest and most prolific sculptors of the nineteenth and twentieth centuries, Rodin transformed sculpture-making and reinvigorated what was considered to be a dying art form. Born into a working-class family, Rodin had little formal education in the fine arts and struggled against poverty throughout his career. At an early age, he attended the Petite Ecole, a school for drawing and mathematics, learning skills aimed at the commercial sector. Then, having failed the entrance examinations for the Ecole des Beaux-Arts three times, Rodin supported himself by working for several commercial studios as an assistant for a few years. In 1863, devasted by the death of his beloved sister, Maria, the artist joined a religious community, the Order of the Blessed Sacrament, which was under the direction of Father Pierre-Julien Eymard, who would become the subject of one of Rodin's first sculptures. Realizing that religion was not his calling, Rodin returned to Paris, where he began to work in the studios of Albert Carrier-Belleuse, a fashionable commercial sculptor, who was to have a considerable impact on the art and career of the young sculptor. At this time, Rodin also began to work on his own, creating portraits of his father and studying the works of Rubens. After a trip to Italy in 1875, Rodin also studied the works of Michelangelo, whose influence was crucial to his development and his determination to be a sculptor. Rodin's signature style of working directly from the model was formed early with his "Man with the Broken Nose", which was rejected for the Salon exhibition in 1865, although the marble version was accepted ten years later. Rodin then created "The Age of Bronze", the first work in which a sense of his true potential can be seen. The originality of this work was met with resistance, and critics accused Rodin of making a cast from a live model, suspicious as they were of the incredible realism of the statue. In spite of this, Rodin's "The Age of Bronze" was purchased in 1880 by the French state, who subsequently commissioned the sculptor for the large entrance portal for the Musee des Arts Decoratifs, soon to be called "The Gates of Hell". Drawing inspiration from Dante's "The Divine Comedy" and Baudelaire's "Les Fleurs du Mal", Rodin created such masterpieces as "The Kiss", "The Thinker" and "The Three Shades", originally parts of "The Gates of Hell". Another monumental project, "The Burghers of Calais", also demonstrates the sculptor's tendency to play with the relationship between volume and space through the technique of fragmentation and assemblage as Rodin studied every aspect of the work intensively, creating maquettes and sculptures for the heads, hands, feet and the lines of the burgher's robes. Other important works such as Rodin's "Monument to Balzac" and his portraits of Victor Hugo, among many others, are also examined in detail. In 1910 Rodin was named Grand Officer in the Legion of Honour and became one of the very few artists to achieve such a high status. This new monograph is a perfect introduction to the work of this original and influential sculptor. The book combines Jane Mayo Roos' scholarly yet accessible text with 200 beautiful photographic reproductions of Rodin's works, from his early drawings to his well-known sculptures. In relating the history of Rodin's sculpture, the author has set the artist's career in the context of the art world of the period and emphasized the ways in which his sculptures differed significantly from the works produced by his contemporaries. In addition, Roos also offers an analysis of the making of sculpture in the nineteenth century, explaining the role mechanical reproduction played in the processes by which marble and bronze sculptures were made at the time, thereby clarifying the existence of posthumous casts.

Enkaustika, výtvarné využití horkých barevných vosků, je technika s tisíciletou tradicí. Její evropské (moderní) pojetí doznává v posledních několika letech velké obliby zejména díky novým pomůckám, které se objevily na trhu. Enkaustika je oblíbená pro svou jednoduchost, zájemce nemusí mít předchozí výtvarné zkušenosti. Dá se využít pro malování obrázků a přáníček i pro zdobení prostorových objektů (kraslic, krabiček, ozdob…). Kniha je určena zájemcům o zajímavé výtvarné techniky, využijí ji i lektoři výtvarných kurzů a učitelé výtvarné výchovy.

Přínosem tohoto přehledu vývoje malířství od starověku až po současnost je především hledání vzájemných souvislostí mezi díly jednotlivých období dějin umění. Čtenář je seznámen s fakty ze života malířů a zároveň jsou mu srozumitelným způsobem vysvět leny také důvody, které vedly ke konkrétní podobě uměleckého díla. Český čtenář jistě ocení u nás ještě stále málo známé nové přístupy k rozboru a interpretaci obrazů. Autor knihy se snaží pomocí přehledných časových os zasadit vznik malířských děl do historických souvislostí, čímž usnadňuje porozumění souvislého textu. Ten je doplněn nejen kvalitními reprodukcemi probíraných děl, ale také vysvětlením různých malířských technik. Čtenáři s hlubším zájmem v knize naleznou rovněž komentáře ke slav ným pracím z oboru dějin umění a kultury. Malá encyklopedie malířství je vhodná jak pro laiky z řad zájemců o výtvarné umění, tak pro profesionály, kteří zde rychle naleznou potřebnou informaci.

Autor – historik umění, profesor na univerzitě v Chicagu – se v knize zabývá tím, jak výtvarné umění působí na naše city. Vychází z výpovědí současných návštěvníků muzeí a galerií – laiků i odborníků –, sleduje jejich přístup k uměleckým dílům z různých historických období a z rozboru získaných poznatků vyvozuje obecnější závěry o tom, jakou roli hrají emoce v dnešní době nejen v přístupu k umění, ale i v mezilidských vztazích. Autor postihuje také historický vývoj citového vnímání uměleckých děl, který samozřejmě výrazně ovlivňuje i skutečnost, že někteří umělci upadají časem v zapomnění a jiní, jejichž dílo v době svého vzniku nedosáhlo většího ohlasu, jsou naopak mnohem více oceňováni s odstupem třeba několika století.

Monografia bohato vybavená obrazovým materiálom sleduje medzníky vývoja celého diela i tragického života tohto významného maliara.

Rembrandtov maliarsky rukopis prešiel počas štyridsiatich štyroch rokov tvorivého obdobia mimoriadnymi zmenami. Z takmer neohrabaných začiatkov vyrástol bohatý register neporovnateľnej maliarskej virtuozity a obrazová forma, ktorej tajomstvo zostáva dodnes nevyriešené. Rembrandtove dielo hovorí o umelcovom večnom hľadaní.