Najnovšie - Výtvarné umenie - Maliarstvo, grafika strana 16 z 70
Maliarstvo, grafika 
Sochárstvo, plastika 
Street art, graffiti
zobraziť:
Siegfried Herz: Femme Fatale
Kniha - katalog k výstavě Femme Fatale obsahující 58 barevných reprodukcí obrazů z let 2018 - 2023 stejnojmenné výstavy.
The Drawings of Vincent van Gogh
The Drawings of Vincent van GoghArranging by theme, from drawings of humble harvesters to beautifully rendered depictions of landscapes, pensive life studies to memorable sketches of the famous Yellow House, eminent art historian Christopher Lloyd encourages readers to consider the artist’s drawings from a fresh viewpoint: documenting successes and failures, experiments, trials, and disappointments.
Primarily self-taught, Van Gogh’s approach to drawing was instinctual, but he soon recognized the importance of mastering the grammar of art, as well as materials and techniques, in order to expresshis emotional responses to a subject as vividly as possible. With examples from the artist’s voluminous and highly charged family correspondence, sketchbooks, and comparative artworks, this engaging study outlines why drawing is central to Van Gogh’s oeuvre, and equal to the intensity and reputation of his paintings.
Featuring works from the Van Gogh Museum, Amsterdam, and many other important collections in Europe and the United States, this beautifully illustrated volume offers an extensive interpretation of the artist’s drawings, beyond what has been published to date.
Jiří Lindovský
Prvním titulem knižní edice Muzea umění Olomouc – Středoevropského fóra, jejímž cílem je prezentovat, kriticky zhodnotit či do širšího kulturního i sociogeografického kontextu střední Evropy konce 20. a počátku 21. století včlenit místní autory, je monografie Jiřího Lindovského. Tvoří ji tři sousledné části – první zahrnuje statě historiků umění Ladislava Daňka a Barbory Kundračíkové, reflektující dílo autora jako celek; druhá část je obrazová, demonstrující hlavní okruhy a témata Lindovského tvorby; a třetí pak představuje vybrané archivní texty, přehled výstav a literatury.
Jiří Lindovský je skutečným mistrem kresby, kresebné vyjadřování je základem jeho uvažování. Zároveň je však v českém prostředí soustavně chápán jako grafik. Jeho vůbec první monografie naznačuje, jak zúžené toto uvažování je – a Lindovského představuje jako autora přirozeně intermediálního, s jasným povědomím o vývoji aktuálních tendencí i uměleckých strategií, jehož pozice v kontextu současného umění je zcela výjimečná. Vedle celoživotní vášně pro viditelný svět a jeho proměny je totiž druhým podstatným prvkem jeho tvorby technika a technologie. Lindovský čerpá z tradice západní kultury, reviduje renesanční postuláty kalokagathie, harmonie tělesného a mentálního, apeluje na hluboce duchovní principy umění. Činí tak věcně a racionálně, aniž by umění zbavil oné podstatné kvality, která přesahuje rozměr každodennosti, jež se ukazuje být ve své podstatě zázračná.
Michelangelo and Beyond
This exhibition catalog charts the evolution of figure drawing in the western world, starting with Michelangelo, and explores his enormous influence over his contemporaries and later generations.
Michelangelo’s nude drawings are celebrated for their depiction of the heroic figure. Emanating exceptional strength, monumentality, and vigorous emotions, his nudes became the standard bearers for centuries of figure drawing. This book examines the legacy of that ideal, through highly engaging texts and luminous reproductions of drawings, prints, and sculptures. In addition to key works by Michelangelo—including drawings for the Sistine Chapel, the unfinished fresco of the Battle of Cascina, and the tomb of Pope Julius II—readers will discover works by Raphael, Dürer, Rembrandt, Rubens, Klimt, and Schiele.
Each chapter highlights a significant aspect of Michelangelo’s ideal of the human body and investigates its influence and adaptation by his contemporaries and subsequent artists. Topics such as depictions of Adam and Eve, the Crucifixion and the Pieta, and motifs from mythology such as the Labors of Hercules; how Michelangelo’s methods were taught in art schools from the 17th to the 19th century; the emergence of woman as subject; and the decline of the idealized human figure during modernism. These side-by-side comparisons provide generous insights into how artists portrayed the human body—as a model of virtue and heroism, and as a conveyor of vice and fragility. Together these texts and examples provide the perfect resource for students of the human form and of the history of western art.
Vladimír Kordoš: Performancie - maľba zo zbierok galérie A-R - mucha
Publikácia je samostatným výstupom z výstavy výtvarníka Vladimíra Kordoša v Galérii umenia Ernesta Zmetáka v Nových Zámkoch. Pristúpil k nej netradične, ako umelec a kurátor v jednej osobe. Okrem prezentácie vlastnej tvorby, videoperformancií od 80. rokov, súčasných malieb, kolekcie diel kolegov zo Skupiny A-R a Rudolfa Filu, vybral obrazy z depozitára galérie, ktoré slovne komentoval. Katalóg je tak prehliadkou rôznych spôsobov, akými sa dá výtvarné dielo prezentovať a vnímať. Vedie nás k zastaveniu sa a zážitku pomalého vnímania v zrýchlenej dobe.
Nemecká grafika do roku 1900 zo zbierky Ernesta Zmetáka a Danice Zmetákovej
Nemecká grafika do roku 1900 : z daru Ernesta Zmetáka a Danice Zmetákovej : katalóg zbierky = Deutsch Grafik bis 1900 : aus der Schenkung von Ernest Zmeták und Danica Zmetáková
Monets Minutes
A stunning exploration of the vital links between Claude Monet’s Impressionism and the time technologies that helped define modernity in the nineteenth century.
Monet’s Minutes is a revelatory account charting the relationship between the works of Claude Monet (1840–1926)?founder of French Impressionism and one of the world’s best-known painters?and the modern experience of time. André Dombrowski illuminates Monet’s celebration of instantaneity in the context of the late nineteenth-century time technologies that underwrote it.
Monet’s version of Impressionism demonstrated an acute awareness of the particularly modern pressures of time, but until now scholars have not examined the histories and technologies of time and timekeeping that informed Impressionism’s major stylistic shifts. Arguing that the fascination with instantaneity rejected the dulling cultures of newly routinized and standardized time, Monet’s Minutes traces the evolution of Monet’s art to what were then seismic shifts in the shape of time itself.
In each chapter, Dombrowski focuses on the connections between a set of Monet’s works and a specific technology or experience of time, while providing the voices of period critics responding to Impressionism. Grounded in exceptional research and analyses, this book offers new interpretations of key paintings by Monet and a fresh perspective on late nineteenth-century art, society, and modern temporality.
Frans Hals
An illuminating study of the singularly gifted Dutch artist Frans Hals, a true revolutionary in the field of portraiture and one of the most sought-after painters of his generation
This beautifully illustrated book offers a fresh scholarly appraisal of Frans Hals, more than 30 years since the last large exhibition devoted to his work. Essays cover all the important aspects of Hals’s oeuvre, including his militia paintings, his spectacular family portraits and his depictions of laughter: he was one of very few artists throughout the history of Western painting who successfully managed to paint people smiling and laughing. The texts also provide an overview of the artist’s life, and examine his extraordinarily virtuoso technique, which involved painting extremely fast straight on to the canvas.
The authors set out to place Hals and his work firmly in the context of his time, employing new previously unpublished archival research and technical findings. For the first time, an overview is given of all the apprentices who worked for Hals. Other themes, such as the design for portrait prints or the humour seen in the works of Frans Hals, have never before been treated separately.
Published by National Gallery Global/Distributed by Yale University Press
Exhibition Schedule:
The National Gallery, London
(September 30, 2023–January 21, 2024)
The Rijksmuseum, Amsterdam
(February 15–June 9, 2024)
Looking at Picasso
A major new survey that offers fresh insights on artworks by one of the greatest artists of the twentieth century, Pablo Picasso, written by a leading authority on the master.
As one of the greatest artists of the twentieth century, Pablo Picasso’s (1881–1973) artistic achievements are unparalleled. This important new introductory monograph, released to coincide with the fiftieth anniversary of the artist’s death, presents the beauty, power, and multiplicity of Picasso’s work across his paintings, sculptures, drawings, and prints, and offers fresh analysis of the work of this great master for a twenty-first-century audience.
Since the 1980s, most books and exhibitions on Picasso have focused on the artist’s personal relationships, specifically on the representation of his wives and mistresses. Art historian and curator Pepe Karmel shifts the debate by considering Picasso’s works first and foremost as art, explaining how the artist’s style has evolved over the course of seven decades, introducing visual languages and narratives that have transformed modern art.
Arranged chronologically by themes and movements, Looking at Picasso is profusely illustrated with renowned paintings, such as the provocative Les Demoiselles d’Avignon and the monumental war piece Guernica, as well as lesser-known works, including Picasso’s animal sculptures and his animated reinterpretation of Velázquez’s seventeenth-century masterpiece Las Meninas.
Numerous exhibitions planned for 2023 will coincide with this important and accessible volume.
124 color illustrations
Zdena Šafka
Publikace vyšla u příležitosti výstavy v galerii Villa Pellé.
Zdena Šafka * 17. února 1953 Praha
Malířka, textilní a kostýmní výtvarnice, scénografka, pedagožka, restaurátorka
1971–1973 Školský ústav umělecké výroby Praha
1974–1981 Vysoká škola uměleckoprůmyslová Praha (Bohuslav Felcman) V letech 1983–1989 byla kostýmní výtvarnicí v Divadle F. X. Šaldy v Liberci. Pak začala podnikat jako oděvní návrhářka pod logem Zdena Šafka (1989–1998). Přišlo několik ocenění i zakázka na slavnostní uniformy pro olympijské hry v Lillehammeru (1994), ale podnik se nepodařilo udržet. Následovalo pětileté období, kdy autorka působila jako odborná asistentka na Katedře designu Technické univerzity v Liberci. Teprve potom šla na volnou nohu a věnovala se plně volné tvorbě. Vedle práce na tapiseriích začala také malovat. Od figurální tvorby postupně přecházela ke krajinám a přírodě. Když získala dům v Kryštofově Údolí, začala pracovat na sérii Nejkrásnější viadukt, která byla poprvé vystavena v místním Muzeu betlémů (2014). Pak přišlo další zjednodušování forem až téměř na plošný obrys. I přesto je zejména z obrazů „lesních interiérů“ cítit, že jsou inspirovány Jizerskými horami. V roce 2017 jí vyšla monografie. Působí ve Vraném nad Vltavou a Kryštofově Údolí.
Vidieť neviditeľné. O Kandinskom
„… ak milujete maľbu, zaujímate sa o všetky jej formy, o všetky jej školy. Keď som však uvidel niektoré Kandinského obrazy, tie najťažšie, posledné, tie z parížskeho obdobia, bol som úplne fascinovaný a chcel som svoju skúsenosť pochopiť. Bolo vecou náhody, že som sa ponoril do Kandinského spisov, ktorý nielenže absolútne brilantným spôsobom teoretizoval vlastnú maľbu, ale vytvoril aj všeobecnú estetickú teóriu. Vtedy som objavil základy estetiky, ktoré by zodpovedali tézam, ktoré obhajujem vo filozofii. Kandinského demonštrácia bola oslnivá a relatívne prístupná, pretože ťažila z podpory maliarskej tvorby, ktorá bola schopná podoprieť tézy, ktoré zjavne odporovali každému existujúcemu maliarstvu. Západné maliarstvo bolo totiž vo svojom projekte maľbou sveta, pokiaľ si z neho požičiavalo figúry, formy a farby. (…) Nikdy v žiadnej inej oblasti mi nikto nedal kľúč k odpovediam na moje otázky tak ako Kandinský.”
Michel Henry v rozhovore s Olivierom Salazar-Ferrerom,
Montpellier, december 1990
Frida Kahlo. 40th Ed.
Among the few women artists who have transcended art history, none had a meteoric rise quite like Mexican painter Frida Kahlo (1907–1954). Her unmistakable face, depicted in over fifty extraordinary self-portraits, has been admired by generations; along with hundreds of photographs taken by notable artists such as Manuel and Lola Álvarez Bravo, Nickolas Muray, and Martin Munkácsi, they made Frida Kahlo an iconic image of 20th century art.
After an accident in her early youth, Frida became a painter of her own free will. Her marriage to Diego Rivera in 1929 placed her at the forefront of an artistic scene not only in the cultural Renaissance of Mexico, but also in the United States. Her work garnered praise from the poet André Breton, who added the Mexican painter to the ranks of international surrealism and exhibited her work in Paris in 1939 to the admiration of Picasso, Kandinsky, and Duchamp.
We access the intimacy of Frida’s affections and passions through a selection of drawings, pages from her personal diary, and an extensive illustrated biography featuring photos of Frida, Diego, and the Casa Azul, Frida’s home and the center of her universe.
This book allows readers to admire Frida Kahlo’s paintings like never before, including unprecedented detail shots and famous photographs. It presents pieces in private collections and reproduces works that were previously lost or have not been exhibited for more than 80 years.
About the series
TASCHEN is 40! Since we started our work as cultural archaeologists in 1980, TASCHEN has become synonymous with accessible publishing, helping bookworms around the world curate their own library of art, anthropology, and aphrodisia at an unbeatable price. Today we celebrate 40 years of incredible books by staying true to our company credo. The 40 series presents new editions of some of the stars of our program - now more compact, friendly in price, and still realized with the same commitment to impeccable production.
Modern Painting
This new concise history of modern painting offers an indispensable reference to the complexities and characteristics of this medium, which now exists alongside many other contemporary practices that embrace radically expanded ideas about art.
While acknowledging the legacy of Herbert Read’s classic 1959 study A Concise History of Modern Painting in the World of Art series, academic and artist Simon Morley places the foundation of modern art much earlier than Read, at the emergence of Romanticism and the dawn of the industrial age. Structured loosely chronologically by period, the focus is as much on individual artists as movements, with works discussed within a broader context - stylistic, historical, geographic, and gender and ethnic frames - themes which recur throughout the chapters. Generously illustrated, the global and diverse range of artists featured include William Blake, Édouard Manet, Hilma af Klint, Kazimir Malevich, Willem de Kooning, Amrita Sher-Gil, Faith Ringgold, and Kehinde Wiley.
This guide also includes an appendix in the form of questions the reader might like to ask about the artists and ideas discussed - in order to reconsider the works from a contemporary perspective.
173 color illustrations
Picasso in Fontainebleau
This publication and the accompanying exhibition are the first to reunite major works from Picasso’s studio in Fontainebleau, France, in over 100 years.
Between July and September of 1921, in a rented villa in the town of Fontainebleau, France, Pablo Picasso created an astonishingly varied body of work. Published to accompany an exhibition at The Museum of Modern Art, New York, that reunites these works for the first time since they left the artist’s studio, Picasso in Fontainebleau presents both monumental versions of Three Musicians and Three Women at the Spring alongside other major works on canvas, small preparatory paintings, line drawings, etchings, and pastels he created in Fontainebleau. Encompassing both Cubist and classic academic styles, these works are complemented by never-before-seen photographs and archival documents. An introductory essay by curator Anne Umland examines the critical issues that distinguish Picasso's Fontainebleau oeuvre, and is followed by 15 short essays co-authored by curators and conservators that offer art historical analysis of groups of closely related works and object-based insights into materials, structures, and processes. By investigating Picasso’s decision to paint simultaneously in seemingly opposite styles, Picasso in Fontainebleau emphasizes the interconnectedness of his process and practice, and his ability to disrupt expectations of artistic evolution and stylistic consistency.
Ed Ruscha / Now Then
A sweeping cross-media survey of Ruscha’s six-decade career, from paintings and works on paper to photographs and artist's books, with essays by leading scholars
Spanning 65 years of Ed Ruscha’s remarkable career and mirroring his own cross-disciplinary approach, Ed Ruscha / Now Then features over 250 objects, produced from 1958 to the present, including paintings, drawings, prints, films, photographs, artist’s books and installations. Published to accompany the most comprehensive presentation of the artist’s work to date, and his first solo exhibition at the Museum of Modern Art, New York, this richly illustrated catalog highlights Ruscha’s most acclaimed works alongside lesser-known aspects of his practice.
Essays by an interdisciplinary group of contributors examine Ruscha’s work under a new light, beyond the categories of Pop and Conceptual art with which he has traditionally been associated, to present fresh perspectives on one of the most influential figures in postwar American art. Taken together, they underscore Ruscha’s singular contributions, including his material exploration of language, experiments with unconventional mediums?such as gunpowder, chocolate or chewing tobacco?and his groundbreaking self-published books. Supplemented by an illustrated chronology and exhibition history, this publication captures the ceaseless reinvention that has defined his prolific, six-decade career.
Ed Ruscha (born 1937) was raised in Oklahoma City and moved to Los Angeles in 1956, where he attended the Chouinard Art Institute (now CalArts). First showing with the Ferus Gallery in the early 1960s, Ruscha was included in Walter Hopps' landmark Pop art show New Painting of Common Objects at the Pasadena Art Museum in 1962. He has since shown his work extensively, most recently in several medium-specific museum surveys, including the 2004 exhibition Cotton Puffs, Q-Tips®, Smoke and Mirrors: The Drawings of Ed Ruscha at the Whitney Museum of American Art, New York, which traveled to the Museum of Contemporary Art, Los Angeles, and the National Gallery of Art, Washington, DC, and the 2009 exhibition Ed Ruscha: Fifty Years of Painting at the Hayward Gallery, London, which traveled to the Haus der Kunst, Munich, and Moderna Museet, Stockholm. In 2005, he represented the United States at the 51st Venice Biennale. Ruscha lives and works in Los Angeles.
Takashi Murakami
This fresh look at artist Takashi Murakami takes on the “monstrous” themes of rampant consumerism, human fallibility, and the perils of life in the digital fast lane, in works from the past decade.
One of Japan’s leading contemporary artists, Takashi Murakami (b. 1962) is known for a wide-ranging practice that encompasses not only fine art but fashion, consumer products, curation, and entertainment. Founder of the Superflat movement, Murakami makes art that is larger than life, boldly colored, and buoyant, with a Pop sensibility that draws inspiration from anime and manga.
But beyond the happy flowers and kawaii characters that have defined Murakami’s career lurk darker manifestations: the sharp-toothed, multi-eyed monsters that have increasingly become the artist’s vehicle for expressing the effects of rampant consumerism, human fallibility, and the perils of life in the digital fast lane. This book explores these themes in works from the last decade, presenting a disquieting vision of monsterized beings born in an era of unprecedented environmental, political, and social turmoil.
Conversations with Murakami and essays by Laura W. Allen, Hiroko Ikegami, and Masako Shiba deconstruct what monsters mean to the artist and reflect on new directions in Murakami’s sculpture and the genesis of his recent NFT projects. The book features lavish color illustrations, a plastic jacket, dyed edges, and four gatefolds.
Apokalypsy a vize/ Apocalypses and visions
Vstoupíme-li do imaginárního světa Jaroslava Róny a odhalíme jeho niterné výtvarné sny, pomůže nám to pochopit cíle umělcovy tvorby a dešifrovat široký námětový rejstřík a repertoár motivů jeho díla. Malířovo dílo vědomě reflektuje společenský, kulturní a politický kontext a živě reaguje na klíčové umělecké osobnosti, dobové proudy a tendence nebo současnou výtvarnou scénu. Jeho obrazy je možné vnímat jako kritickou sondu vedoucí k existenciální reflexi smyslu i cílů lidského života a proměn společnosti. Do celého malířského díla se promítá pestrá životní zkušenost, nevyčerpatelná tvůrčí představivost, osobitý výtvarný styl a technická i výrazová virtuozita. Zvláště naléhavé jsou obrazové kompozice, apokalypsy a vize, připomínající potenciální i reálné problémy současného světa, které hrozí vyústit v zánik lidské civilizace.
Entering Jaroslav Róna’s imaginary world and discovering his inner artistic dreams will help us understand the artist’s goals and decipher the wide repertoire of motifs in his works. In his works, Róna intentionally reflects the social, cultural and political context and addresses to key artistic personalities, contemporary trends and tendencies as well as the current art scene. His paintings can be seen as critical inquiry leading to an existential reflection on the meaning and purpose of human life and social transformations. They are the product of his varied life experience, inexhaustible creative imagination, distinctive style and technical and expressive virtuosity. His pictorial compositions, apocalypses and visions are distinguished by extraordinary insistence, reminding us of potential and actual problems of our world, which may result in the extinction of human civilization.
Petr Veselý
Petr Veselý (1953) je výraznou osobností české malby posledních pěti desetiletí. Na scénu vstupoval v rozporném období vrcholné normalizace, a patří tak do okruhu umělců, kteří se na přelomu 70. a 80. let začali vymezovat vůči dosavadní praxi polooficiálního či přímo neoficiálního umění. Silné lokální i spirituální ukotvení vedlo Veselého k tomu, že svou práci vždy vědomě poměřoval tradicí, ať již tou, kterou zakládaly předcházející generace, nebo ještě podstatně starší, tradicí středověkého závěsného obrazu, francouzského realismu či kubištovského kubismu. Podstatnou roli sehrálo jeho intenzivní pobývání mimo centrum – v domovském Brně. S Vladimírem Kokoliou, Petrem Kvíčalou a Janem Steklíkem zde společně založili neformální umělecký spolek Tovaryšstvo malířské. Vedle postupujícího malířského abstrahování se ve Veselého tvorbě postupně ustavil podobně silný proud redukované, grafické či textové konceptuální skici. Jiný významný prvek představuje ustavení obrazu jakožto objektu ve třetím rozměru. Z pevného sepětí všech zmíněných poloh vzešlo pro Veselého typické uvažování v „otevřených cyklech“ jdoucích napříč časem i médii, odehrávajících se však zásadně na půdoryse obrazu. Tento souběžný postup „vzhledem ke“ světu, jeho hmotě, který soustavně rozvíjí rovněž Veselého básnická poloha, tvoří bezpečný rámec jeho uvažování a opírá se o něj také jeho kritická praxe zahrnující výstavní projekty, sborníkové či časopisecké texty, rozhlasové scénáře a pedagogickou činnost, jíž se Petr Veselý soustavně věnuje už od počátku 80. let.
Monografie Petra Veselého vychází k životnímu jubileu umělce. Výběr téměř dvou stovek jeho prací, tvořící obrazovou část publikace, je kontextualizován původními esejemi historičky umění Barbory Kundračíkové, umělce Václava Krůčka a filozofa Miroslava Petříčka. Doplněn je několika dalšími relevantními dříve publikovanými odbornými texty (Miroslava Hlaváčková, Petr Nedoma, Marek Pokorný, Alena Pomajzlová, Jiří Valoch ad.). Výběrový soupis díla Petra Veselého je koncipován tematicky a opatřen autorskými poznámkami osvětlujícími genezi a souvislosti jeho tvorby.
Magie kresby/ The Magic of Drawing
Technika, funkce, styl a kontext italské kresby vrcholné renesance a manýrismu podpořeného v letech 2020–2022 Grantovou agenturou České republiky, je katalogem stejnojmenné výstavy. Reprezentativní přehlídka italské kresby 16. století se koná v prostorách Arcibiskupského zámku v Kroměříži ve dnech 15. 6. - 17. 9. 2023. Výstavu připravilo Muzeum umění Olomouc a představuje díla z fondů Národní galerie v Praze, Moravské galerie v Brně, Regionálního muzea v Teplicích, Arcibiskupství olomouckého, Muzea a galerie v Prostějově, Národního památkového ústavu, Univerzity Karlovy a Památníku národního písemnictví (zde). Kniha je koncipována jako první část trojdílného katalogu italských kreseb z veřejných sbírek České republiky. Nyní zveřejňovanému svazku předcházejí dvě již dříve vydané publikace s názvy „Múza pod nebesy – italská raně barokní kresba z českých a moravských sbírek" (vydáno k výstavě v Moravské galerii v Brně) a „Rozmanitosti kresby – italská kresba vrcholného a pozdního baroku v českých a moravských veřejných sbírkách“.
