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Moralizovat je nemorální. Autor této divadelní trilogie je si plně vědom svého zbytečného kázání bez širšího dosahu, a proto ji schválně nazval « Amorality », přičemž obsahuje úspěšné hry jako « Na hře závislí », « Pokřivený charakter », « Mythomania » nebo satyrskou dohru « Komentariát ». Čtenář tak má šanci zakoupit si hry z autorova posledního období v akci 3+1 za neuvěřitelnou cenu.

Drama o dvou jednáních, jež se zabývá zálibou ve lžích, falešných snech a pokroucené fantazii. Autor hru napsal v řeckých Aténách. Řecká profesorka dějepisu je velmi cílevědomá a prostřednictvím cílené lži na základě překroucené historie to chce kvůli krizové situaci ve své zemi dotáhnout hodně vysoko až do politiky, k čemuž jí pomáhají demonstranti, osoby z lidu, které kolikrát nemají povědomí o základních věcech týkajících se jejich země, a proto jí slepě důvěřují a mylně považují za vyvolenou. Dva její kolegové jsou do sebe nešťastně zamilovaní, a protože nemohou mít děti, rozhodnou se ke konci hry rozejít, jelikož přišli na to, že jejich láska byla zbytečná a nenaplněná. Drama je velmi metaforické, a to zejména díky personifikovaným postavám, jako jsou Nenávist, Láska a Lež. Tyto zároveň vyplňují komické, někdy až drastické scény v druhé linii, blížící se prvkům epického divadla. Hlavní hrdinka to nakonec kvůli svým ambicím směřuje až do čela vlády pro účely převratu, za což je však mimo sebe samotnou obdivována jen svým kolegou, aby nahradila další zástupce klamů. Je otázkou, nakolik jí k tomu dopomohla lež a jak ona sama sebe vnímá před přírodou – symbolickými prvky v bodech zvratu jsou zde zemětřesení a moře, v dálce rozvášněný lid.

Text k úspěšné inscenaci ostravského Porubského divadla

Neexistuje žádný dobrý příběh bez dobré postavy. Jenže jak vytvořit takové postavy, které by byly schopné vtáhnout čtenáře či diváka do jejích dobrodružství a zároveň v nich vzbudit takové emoce, které budou natolik silné, že zůstanou vštípené do jejich pamětí? Od této knihy nečekejte odpověď založenou na pravidlech nebo předpisech, ale ani na radách nebo analýzách postav, jež byly úspěšně stvořeny jinými spisovateli. Ne, tak trochu sokratická odpověď od Egriho je jednoduchá: pozorovat sebe sama tak, abychom se pochopili a dokázali popisovat ostatní. A toto především nakonec způsobuje to, že si všímáme, nakolik si všichni protiřečí a jak jsou neustále a velmi často nevědomky přelétaví. Jedním slovem: složití. A od této počáteční domněnky kniha přechází od představení problému k jeho konfrontaci jakýmsi didaktickým způsobem – totiž k protimluvu jako takovému, který patří k nejplodnějším úkazům lidské osobitosti, přičemž čerpá z možných příkladů v užití vypravěčského jazykového talentu pro čtenáře, spisovatele, dramaturgy a scénáristy.

Dle kritiků se jedná o nejlepší a také nejobtížnější dramatický text papeže Jana Pavla II., který ve svém mládí byl aktivním talentovaným divadelníkem, hercem a dramatikem. Již jako biskup napsal několik her, které věnoval „svému“ Rapsodickému divadlu, ve kterém dříve aktivně působil. Filozoficky laděné drama o podstatě bytí a lidského duchovního zrození, otcovství a mateřství se svým obsahem dotýká stále diskutovaných antropologických a genderových témat. Dnešnímu čtenáři se může jevit jako zdánlivě neinscenovatelná, přesto se v zahraničí opakovaně vrací na jeviště.

Jediná, poměrně útlá kniha autorova, napsaná jen půl roku před jeho smrtí vypovídá o stavech, které neznámý a v podstatě anonymní stavební dělník a truhlář s láskou ke koním zažíval, a vznáší otázky nad ne/významností lidského údělu, nejednoznačném postoji k rodině, vztahům, drogám i sexualitě.

Marco y Rodolpho, dos hermanos sicilianos huidos de la miseria de su tierra natal, llegan a Nueva York como inmigrantes ilegales y se refugian en la humilde casa del estibador Eddie Carbone. Este, un ser impulsivo, de instintos tan bienintencionados como primarios, vive con su esposa Beatrice y una sobrina, Catherine, una muchacha a la que Eddie quiere proteger obsesivamente del hostil mundo exterior. Entre Catherine y Rodolpho no tarda en surgir una gran atracción, pero los celos y las sospechas comienzan a atormentar a Eddie y le impulsan a tomar un camino sin retorno.

Pieza en tres actos

Un mayordomo introduce a un hombre llamado Garcin en un cuarto, que el público pronto identifica como el infierno. El camarero sale y vuelve con una mujer, Inés, y posteriormente con otra, Estelle. El camarero sale por última vez y la puerta es cerrada con llave.

Ocho monólogos de Dario Fo en cooperación de su mujer Franca Rame

Edwards Albee's Pulitzer Prize-winning play A Delicate Balance reveals the emotional savagery of suburbia and the psychological terror of empty lives. First produced in 1966, this dark drawing room comedy may be Albee's masterpiece, as powerful in its 1996 revival as it was thirty years before. Its characters maintain a delicate balance between self-destruction and survival when a bitter 36-year-old daughter returns home to the family nest after the collapse of her fourth marriage. The much wed Julia shatters the uneasy peace of her long-married parents, Agnes and Tobias, and their permanent guest — acerbic, unpredictable, and witty alcoholic sister-in-law Claire. When two lifelong friends gate-crash this impromptu reunion, the masks of civility drop and raw feelings emerge. Filled with shades of meaning, subtleties, and whole paragraphs of brilliant dialogue, A Delicate Balance has become classic theater, a timeless mirror of the worst, and sometimes the best, aspects of modern life.

Título original (en alemán, Die Dreigroschenoper) es una obra teatral en un prólogo y tres actos, con música de Kurt Weill y libreto en alemán de Bertolt Brecht, en colaboración con la traductora Elisabeth Hauptmann y el disenador de escena Caspar Neher. Fue adaptada de la ópera de baladas del siglo xviii inglés La ópera del mendigo de John Gay, La "pieza con música en un prólogo y ocho imágenes" fue la obra más exitosa en Alemania hasta la toma de poder del partido nazi el 30 de enero del ano 1933. Brecht y Weill se vieron obligados a abandonar Alemania, pero para entonces, la obra se había traducido a 18 idiomas e interpretado más de 10 000 veces en los escenarios europeos.? Algunas de sus canciones adquirieron gran éxito por sí mismas, como la Moritat de Mackie Messer.

Tragedia storica in cinque atti.

Después de muchos anos de ausencia, el protagonista, Louis, llega para anunciar a su familia su muerte cercana, rendir cuentas y arreglar asuntos pendientes antes de desaparecer. Demasiados malentendidos, frustraciones, celos y rencores surgieron durante su ausencia, apenas interrumpida por algunas tarjetas postales. La obra, que está estructurada como una partitura musical, subrayada en esta puesta en escena, tiene también un carácter autobiográfico. El teatro de Lagarce está centrado en el discurso, las intrigas de sus obras son relativamente sencillas. Su escritura procede por incisos, los personajes vuelven sin cesar sobre aquello que acaban de decir, modificándolo. Queriendo ser exactos con las cosas al máximo, el texto deviene paradójicamente en algo cada vez más impreciso. El teatro de Lagarce interroga la capacidad de poder decir verdaderamente las cosas.

Un encuentro imaginario entre Sigmund Freud y Carlos Marx en el Chile de Pinochet. ?Qué hacen allí, en una plaza de un barrio elegante de Santiago y, frente a un colegio de senoritas?. Un viaje apasionante al interior de las vicisitudes de estos dos máximos Íconos del mundo intelectual del Siglo XX, sin dejar de lado la oscuridad de la época de la represión chilena. Sinopsis La acción se desarrolla en el Chile de Pinochet, a principios de los anos '80. Un hombre vestido con el clásico atuendo del exhibicionista, llega a las cercanías de un colegio secundario de senoritas. Unos instantes después, aparece en escena otro hombre, vestido de igual manera y con las mismas intenciones de éste. Los dos se espían y husmean como dos perros de presa, sorprendidos. Cada uno quiere ser el único en ese lugar, ambos entran en una pugna sin fin con la búsqueda desesperada de alejar a su competidor. Luego de esta pelea sin sentido, estos dos hombres extranos comienzan a entablar otro tipo de diálogo, el cual ya no será tan ríspido. Inician un sin fin de juegos de identidades, en forma continúa, lo que imposibilitará al espectador hallar la verdad oculta de estos dos seres. Se convierten, en un determinado momento, en nada menos que en Sigmund Freud y Carlos Marx. Allí comienza un debate exquisito entre la teoría del psicoanálisis versus el materialismo dialéctico, buscando apasionadamente las causas de la maldad y la oscuridad de la sociedad actual. ?Por qué están allí, en realidad? La verdad se develará únicamente en el final de esta historia. Esta obra ha sido representada en casi todos los países latinoamericanos, Estados Unidos, Europa, India y Turquía. "La secreta obscenidad de cada día es una obra que me atrapó desde un primer momento. Se trata de un texto, sencillamente delicioso. El encuentro imaginario entre estos dos iconos del mundo intelectual del Siglo XX, contextualizado, además, en el Chile de Pinochet; hace de esta propuesta un texto cargado de una intensidad dramática inquebrantable y a, su vez, nos sirve como disparador para reflexionar sobre el oscuro pasado reciente de Latinoamérica. Una obra llena de juego, humor, vuelo y memoria", comenta su directora Elba Degrossi.

Esta obra, perteneciente a la corriente literaria llamada Teatro del absurdo, se estreno el 11 de mayo de 1950 en el Theatre des Noctambules, cabaret parisino, con puesta en escena de Nicolas Bataille. El libreto fue publicado por primera vez el 4 de septiembre de 1952 por el Colegio de Patafisica. Desde 1957 se ha representado de manera continua en el Theatre de la Huchette, convirtiendose asi en una de las obras mas representadas de Francia. Recibio el Premio Moliere honorifico (Moliere d'honneur) en 1989. La obra ha sido interpretada por la critica como un ataque satirico contra el modelo de familia burguesa de la epoca. Una de las caracteristicas del teatro del absurdo utilizada magistralmente por Ionesco en esta obra es el recurso de los dialogos inconexos, creando así una atmosfera donde los personajes están físicamente cerca pero no pueden llegar a comunicarse de forma efectiva. Con este recurso Ionesco nos muestra al ser humano del siglo xx como el incomprendido y el incomprensible. En este sentido, la obra puede considerarse como una tragedia del lenguaje en la que los diálogos se fragmentan tanto que en la ultima escena llegan a ser sílabas sueltas carentes de sentido. El tema principal es claro, y consiste en la comunicacion incorrecta como fuente de los problemas entre las personas.