Quadrom strana 2 z 4

El amante de mi madre es la historia de un amor secreto, de una traición, contada por un hijo, testigo involuntario e inocente de la destrucción de su propia madre a manos de una pasión enloquecida y callada durante toda una existencia. Pero es también la historia de los acontecimientos europeos más relevantes del siglo XX: los felices anos veinte, el ascenso de los totalitarismos, la guerra y, en un lugar destacado, la música contemporánea. Clara, una bella joven de la burguesía, entrega su vida a una única pasión: su amor por Edwin. Este joven sonador sin recursos, en cambio, está poseído por una única obsesión: la música. Quiere crear una orquesta que interprete la nueva y desconocida música que los jóvenes compositores de su época están haciendo, Béla Bartók entre ellos. Aunque Clara y Edwin se enamoren, pronto tendrán reservados destinos muy diferentes: de nada sirve a veces que un amor perdure a lo largo de toda una vida...

Final de partida (Endgame en inglés o Fin de partie en francés) es un drama en un acto para cuatro personajes, escrito por el dramaturgo y escritor irlandés Samuel Beckett. Fue redactado originalmente en francés, con el título Fin de partie, y, como era su costumbre, el propio Beckett lo tradujo al inglés, como "Endgame", al ano siguiente de su publicación. Fue publicado en 1957, y es comúnmente considerado, junto con obras como Esperando a Godot, entre los más importantes trabajos de su autor. La obra está dedicada a Roger Blin, el director que había estrenado Esperando a Godot en París, quien habría buscado sin éxito un teatro donde estrenarla en esa ciudad.1? Se estrenó en Londres, en el Royal Court Theatre, tras aceptar la invitación de George Devine, en abril de 1957. A posteriori, ese mismo mes, se estrenó en París, en el Studio des Champs Élysées. También en 1957, lo hizo en Berlín, con el título de Endspiel. En junio de ese mismo ano se estrenó en Espana, dirigida por Alberto González Vergel. Sus protagonistas son Hamm, un viejo amo que está ciego y no puede permanecer de pie, y su sirviente, llamado Clov, que no puede sentarse. Viven en una pequena casa junto al mar, aunque a veces el diálogo sugiere que no hay nada fuera de la casa, ni mar, ni sol, ni nubes. Los dos personajes, mutuamente dependientes, siempre se han llevado mal, y así se ve a lo largo de la obra. Clov a veces muestra una remota intención de librarse de su yugo, pero nunca es capaz de hacerlo. Los otros dos personajes que aparecen son los padres de Hamm, que no tienen piernas: Nagg y Nell, los cuales viven en sendos cubos de basura que aparecen en el escenario. De vez en cuando piden comida y hablan entre sí.

Esperando a Godot (en francés: En attendant Godot), a veces subtitulada Tragicomedia en dos actos, es una obra perteneciente al teatro del absurdo, escrita a finales de los anos 1940 por Samuel Beckett y publicada en 1952 por Éditions de Minuit. Beckett escribió la obra originalmente en francés, su segunda lengua. La traducción al inglés fue realizada por el mismo Beckett y publicada en 1955. La obra se divide en dos actos, y en ambos aparecen dos vagabundos llamados Vladimir y Estragon que esperan en vano junto a un camino a un tal Godot, con quien (quizás) tienen alguna cita. El público nunca llega a saber quién es Godot, o qué tipo de asunto han de tratar con él. En cada acto, aparecen el cruel Pozzo y su esclavo Lucky (en inglés, «afortunado»), seguidos de un muchacho que hace llegar el mensaje a Vladimir y Estragon de que Godot no vendrá hoy, "pero manana seguro que sí". Esta trama, que intencionalmente no tiene ningún hecho relevante y es altamente repetitiva, simboliza el tedio y la carencia de significado de la vida humana, tema recurrente del existencialismo. Una interpretación extendida del misteriosamente ausente Godot es que representa a Dios (en inglés: God), aunque Beckett siempre negó esto. Beckett afirmó que derivaba de godillot, que en jerga francesa significa bota. El título podría entonces sugerir que los personajes están esperando «a la bota».? Como nombre propio, Godot también puede ser un derivado de diferentes verbos franceses.

Los físicos (Die Physiker en su título original) es una obra de teatro en dos actos del escritor suizo Friedrich Dürrenmatt estrenada en 1962. Analiza el lugar de la ciencia en el mundo y la responsabilidad de los científicos por el uso de sus descubrimientos, para concienciar al lector o espectador de que un invento creado para el bien de la humanidad siempre puede caer en las manos equivocadas y volverse peligroso.

El extranjero (en francés: L'Étranger) es una novela publicada en 1942, la primera del escritor francés Albert Camus. El extranjero suele asociarse a la filosofía del absurdo y al existencialismo, aunque Camus siempre se distanció de esta última etiqueta. El protagonista, Meursault, es un francés argelino indiferente a la realidad que le rodea por resultarle absurda e inabordable, por lo cual se constituye en un «extranjero» dentro de lo que debería ser su propio entorno. El protagonista, el senor Meursault, jamás se manifestará contra su ajusticiamiento ni mostrará sentimiento alguno de injusticia, arrepentimiento o lástima. La pasividad y el escepticismo frente a todo y todos recorre el comportamiento del protagonista: un sentido apático de la existencia y aun de la propia muerte.

La vida de Galileo (Leben des Galilei en su título original) es una obra de teatro del dramaturgo alemán Bertolt Brecht escrita en 1939. En 1945-1947, el autor escribió una segunda versión en colaboración con Charles Laughton para adaptarla a los gustos de la audiencia estadounidense.? Una tercera versión data de 1955. Centrada en la vida del científico Galileo Galilei, la crítica ha subrayado el alejamiento con respecto a los hechos reales, ya que el autor pretendía usar la historia para hacer una crítica de las autoridades contemporáneas. Ambientada en 1609, la pieza se centra en los últimos anos de vida del investigador italiano. En su hogar en Florencia, que comparte con su hija Virginia, tiene ocasión de transmitir parte de sus conocimientos a Andrea, el hijo de su casera, la Senora Sarti. Cuando Galileo hace públicos sus descubrimientos sobre el sistema solar recibe la condena de la jeraraquía eclesiástica. Ni siquiera el acceso a la silla de San Pedro del cultivado Cardenal Barberini hace disminuir la presión. Bajo presión de la Inquisición, Galileo renuncia a propagar sus tesis. En su aislamiento, recibe la visita de Andrea, convertido ya en estudiante universitario, al que hace entrega de su documento Dos nuevas ciencias en el que resume sus descubrimientos, pidiéndole que lo difunda más allá de las fronteras de Italia. - - - Madre Coraje y sus hijos (Mutter Courage und ihre Kinder) es una pieza teatral fundamental en el teatro de Bertolt Brecht con música adicional de Paul Dessau para la versión berlinesa de 1949. Habiendo huido de la Alemania nazi en 1933, Brecht escribió la obra en cinco semanas durante su exilio en la isla de Lindingo en Suecia en 1939, previo a su escape a Finlandia y Estados Unidos vía Rusia. Estrenada en Zúrich en 1941, Brecht la revisó, produjo y dirigió en 1949 para el Berliner Ensemble. El personaje central está extraído de una novela picaresca de Grimmelshausen, del siglo xvii: La pícara Coraje (Título completo en alemán: Trutz Simplex oder Ausführliche und wunderseltzame Lebensbeschreibung der Ertzbetrügerin und Landstörtzerin Courasche). El drama se sitúa durante la Guerra de los treinta anos donde Anna Fierling (Madre Coraje) es una astuta vendedora ambulante que para sobrevivir sortea hábilmente las diferencias entre católicos y protestantes siguiendo con su carromato al ejército sueco, sacando partido de la guerra y del dolor humano. Obtiene beneficios pero el precio que ha de pagar son sus tres hijos: Eilif, Schweizerkas y Catalina. Al final los tres mueren acribillados y madre coraje queda sola a pesar de que la guerra aún no había terminado.

Quién teme a Virginia Woolf? (Who's Afraid of Virginia Woolf?? en su título original) es una obra de teatro en tres actos del dramaturgo estadounidense Edward Albee estrenada en 1962. Martha y George son un matrimonio maduro, que llevan juntos 20 anos. Ella es hija de un rector universitario. Es una mujer fuerte que aun conserva su belleza, pero con reacciones en ocasiones violentas. Él es algo mas joven, igualmente apuesto, y dotado de una inteligencia inquietante. El matrimonio invita a una velada en casa a un joven profesor de la Universidad y su esposa. Ante la mirada de sus invitados Martha y George caen en un huracán de rinas, reproches mutuos y odios ocultos. Tras la marcha de Nick y Honey, los anfitriones vuelven a enfrentarse con su soledad.

Tambores en la noche (en alemán, Trommeln in der Nacht) es una obra de teatro escrita por el poeta y dramaturgo alemán Bertolt Brecht en 1919 que fue puesta en escena por primera vez el 29 de septiembre de 1922 en el Teatro de Cámara de Múnich. La obra, además de senalar el inicio de la connotada carrera de Brecht, marcó también un hito en la historia de la literatura y el teatro alemán, desatando una gran polémica en la opinión pública debido a que su contenido giraba en torno a la problemática sociedad de la postguerra y a la insurrección en Alemania. Fue la primera obra de teatro que puso en escena los conflictos sociales no resueltos tras la primera guerra mundial. Inicialmente, Brecht había titulado esta obra como Spartakus («Espartaco») para referir así directamente al Levantamiento Espartaquista de comienzos de 1919 en Berlín. Sin embargo, finalmente aceptó el consejo de llevarla a escena con un título menos tenido políticamente y optó entonces por Trommeln in der Nacht.

Jan, joven rico y enamorado cuya vida transcurre con éxito, decide renovar los vínculos con su familia, a la que ha abandonado hace algunos muchos anos. Así que, junto a su esposa Maria, regresa a su ciudad natal y más concretamente a la pensión regentada por su madre y su hermana. Al no saber cómo desvelar su verdadera identidad, Jan se aloja en el albergue, esperando el momento oportuno para su declaración. Sin embargo un destino cruel le espera. Su madre y su hermana Martha tienen la costumbre de asesinar a los viajeros que pernoctan en el albergue para robarles y para obtener así los recursos necesarios para escapar de esos tristes páramos y encontrar tierras más soleadas. Jan, al no revelar su identidad, sufrirá el mismo destino que depara al resto de viajeros.

El alma buena de Sezuán o La buena persona de Sezuan (en alemán, Der gute Mensch von Sezuan; en inglés, The Good Person of Szechwan) es una obra dramática del autor alemán Bertolt Brecht. La historia narra la vida de una joven prostituta de buen corazón llamada Shen-Té. La obra se inició en 1938, pero no se terminó hasta 1943, mientras el autor estaba en el exilio en los Estados Unidos. Fue estrenada en 1943 en el Schauspielhaus de Zúrich en Suiza, con una partitura musical y canciones por el compositor suizo Ulrico Georg Früh. Esta obra está dividida en 10 actos, precedida por un Prólogo y que finaliza con un epílogo. Su tema principal es la incapacidad de ejercer la bondad en un mundo que gira en torno al dinero. A la protagonista Shen Te, no le es posible cambiar el mundo con la caridad individual.

Los días felices (Happy Days, en inglés) es una obra de teatro en dos actos, escrita en inglés por el dramaturgo y narrador irlandés Samuel Beckett. Empezó a escribirla el 8 de octubre de 1960 y fue terminada el 14 de mayo de 1961.? Beckett terminó la traducción de la misma al francés hacia noviembre de 1962, con una pequena variación en el título. «En un momento de inspiración tomó el título Oh les beaux jours del poema de Verlaine Colloque sentimental». En esta obra clásica del teatro del absurdo, la protagonista, Winnie, es una senora de mediana edad que aparece en escena semienterrada en un montículo calcinado, bajo una luz cegadora. Pese a ello, a través de un ritual de gestos cotidianos, encuentra siempre motivos, por insignificantes que sean, para considerar sus «días felices». Según Ma Antonia Rodríguez-Gago, traductora al castellano de la obra, su tema central es el deterioro físico y mental. El rebuscado lenguaje de la protagonista, por ejemplo, refleja especialmente su pérdida de memoria. Otra característica llamativa, única en el teatro de Beckett, es que el personaje recurre constantemente a las citas literarias, las cuales aparecen distorsionadas, al presentarse en fragmentos mal recordados. El otro personaje de la obra, su esposo Willie, vive obsesionado por el sexo y una postal pornográfica que guarda. Hallándose totalmente separado de su esposa, detrás de su montículo, refleja la ironía situacional de la pieza, pues su deterioro anadido pone de manifiesto la futilidad de los apetitos físicos a los que se aferra. La obra fue traducida y estrenada por primera vez en Espana en 1963.

La obra recrea las relaciones personales entre tres mujeres, referidas como A, B y C. La primera es una anciana que ronda los 90 anos, acaudalada, despótica y con síntomas leves de enfermedad de Alzheimer. La segunda, en la cincuentena, en su cuidadora, cínica y despegada. C tiene 26 anos y representa a una firma de abogados que hace presencia por los recurrentes impagos, por negligencia, de A. La obra se abre con los tres personajes principales juntos en el dormitorio de A, quien se dedica a narrar historias sobre juventud. B le sigue la corriente y C intenta introducir en la conversación el asunto legal que le ha llevado a la casa, aunque sin demasiada fortuna. C llama la atención sobre algunas contradicciones en el relato de A, pero B, aconstumbrada, le aclara que es producto de la mente, ya algo confusa de la anciana. El Acto I finaliza cuando A sufre un ataque cardiovascular. En el Acto II A es representado por un maniquí que yace sobre la cama. A, B, y C ya no son las identidades separadas del primer acto, sino la representación de A en diferentes momentos de su vida (las edades correspondientes a las A, B, y C del primer acto). La mayor parte del acto escenifica una interactuación entre las tres edades del personaje. En un momento determinado, el hijo de la mujer viene a sentarse junto al maniquí. La obra termina con un debate entre A , B y C sobre el momento más feliz de su vida. A tiene la última palabra y sentencia que el momento más feliz es cuando todo está ya hecho y podemos finalmente deternernos.

La dramaturgia de Witkiewicz se caracteriza por una continua recurrencia de motivos que se encadenan y entrelazan. Los temas recurrentes de la creacion de Witkiewicz, que sobrevienen en sus dramas con una reiteracion a veces obsesiva, estan inseparablemente unidos a la filosofia del artista, que expuso no solo en sus escritos teoricos, sino tambien en sus novelas. Los dramas ponen de relieve el motivo de la insaciabilidad frente a la vida: en un mundo donde la vida espiritual es aniquilada por la crisis profunda, y hasta por la degeneracion de la cultura y la civilizacion, el hombre víctima del tedio y del marasmo tanto intelectual como emocional, se obstina en perseguir su búsqueda desesperada de respuestas a las cuestiones fundamentales sobre el sentido de su existencia, intenta penetrar el Misterio de la Existencia. Las piezas de Witkacy evocan con asombrosa intensidad la angustia suscitada por el proceso de mecanizacion, que despoja a la sociedad de su caracter humano. Los dos rostros de esa angustia son el miedo a la dictadura de las masas y el temor de la nivelacion social. Es como profeta comprometido, augurando el declinar de la civilizacion, como Witkiewicz se deja abordar mas facilmente. Apoyandose en argumentos originales, predijo, como muchos otros, el declive del arte, la supresion de la individualidad, la extinción del sentido metafisico, que seran suplantados por la democratizacion de la vida y la llegada de una sociedad de robots, tan felices como intercambiables (Jan Błonski Stanislaw Ignacy Witkiewicz como dramaturgo, Cracovia 1973).

Genio multiple, St. I. Witkiewicz cultivo diversos ambitos de expresion artistica. Ademas de la pintura, el arte grafico y la novela, el drama ocupa un lugar importante en su obra. En los anos 1918-1925 Witkiewicz escribio unas treinta piezas teatrales, lo que representa casi la totalidad de su creacion dramatica, comprendidas dos obras tardias Los zapateros - acabada en 1934-, y su ultima pieza, hoy desaparecida, La humanidad en delirio, que data de 1938. Witkacy comenzo pronto a elaborar su propia teoria del teatro, tan original como controvertida. Conteniendo los principios que rigen su dramaturgia, esa teoria constituye ante todo un testimonio de la profunda reflexion del artista sobre el arte dramatico y el teatro. Witkiewicz subraya que las escenas de la epoca estan dominadas por rugidos de pasion y un exceso de vida. El artista preconiza la teoria de la forma pura, definiendo el teatro como un arte principalmente formal: los elementos constitutivos del drama no deben implicar ninguna referencia al mundo real; indispensables a la accion, solo pueden tener sentido desde el punto de vista de la totalidad de la obra. Cualquier dramaturgo tendrá derecho a romper las relaciones de causa y efecto, deformar, a su gusto, no solo la psicologia, sino tambien los hechos y gestos de sus personajes: el artista unicamente puede encontrar la forma pura al precio de la deformacion de la vida y la naturaleza. Segun Witkiewicz, el drama debe evocar el cerebro de un alienado sobre el escenario. El escritor reconoce sin embargo que cada obra de arte, reflejo del individuo que la creo, esta inevitablemente marcada por la logica de la vida cotidiana. Eliminar totalmente los elementos de lo real, seria encerrar el arte en la rigidez de un programa, lo que impediria la libertad del acto creador.

El objetivo perseguido por los heroes de Witkiewicz es a menudo identico al que el autor le asigna al arte. La realidad vivida de manera intensa, apresada y “apresurada”, la fascinacion por un erotismo perverso, la droga, y tambien las creaciones artisticas de toda indole, con frecuencia trucadas: todos esos metodos a los que recurren los heroes de Witkiewicz, deseosos de experimentar la estupefaccion de ser, son en realidad actos de autodefensa. Asi, en la Locura tropical, Mister Price y Ellinor, su amante demoniaca, intentan escapar al tedio fatal de los tropicos sumiendose en una pasion bestial y sadomasoquista. La Tatiana depravada de La nueva liberacion — una pieza fantastico -filosofica—, trata de corromper a la joven Zabawnisia, iniciandola en los secretos de la “verdadera vida”. Las dos mujeres desarrollan un juego creuel y refinado, que consiste en maltratar psíquicamente a su victima, Florestan Węzymord. El motivo de la iniciacion, así como el tema de la busqueda de un sustituto de la experiencia espiritual, que queda lejos del alcance de los heroes, aparece igualmente en otras obras. Witkacy aborda tambien el tema de la transformacion social y politica en piezas como La obra sin nombre, Ellos o Los zapateros. Esta considerado como un precursor de las vanguardias europeas.

Esta obra, perteneciente a la corriente literaria llamada Teatro del absurdo, se estreno el 11 de mayo de 1950 en el Theatre des Noctambules, cabaret parisino, con puesta en escena de Nicolas Bataille. El libreto fue publicado por primera vez el 4 de septiembre de 1952 por el Colegio de Patafisica. Desde 1957 se ha representado de manera continua en el Theatre de la Huchette, convirtiendose asi en una de las obras mas representadas de Francia. Recibio el Premio Moliere honorifico (Moliere d'honneur) en 1989. La obra ha sido interpretada por la critica como un ataque satirico contra el modelo de familia burguesa de la epoca. Una de las caracteristicas del teatro del absurdo utilizada magistralmente por Ionesco en esta obra es el recurso de los dialogos inconexos, creando así una atmosfera donde los personajes están físicamente cerca pero no pueden llegar a comunicarse de forma efectiva. Con este recurso Ionesco nos muestra al ser humano del siglo xx como el incomprendido y el incomprensible. En este sentido, la obra puede considerarse como una tragedia del lenguaje en la que los diálogos se fragmentan tanto que en la ultima escena llegan a ser sílabas sueltas carentes de sentido. El tema principal es claro, y consiste en la comunicacion incorrecta como fuente de los problemas entre las personas.