Najnovšie - Umenie - ostatné strana 7 z 64

This volume is a comprehensive visual history of surfing, marking a major cultural event as much as a publication. Following three and a half years of meticulous research, it brings together hundreds of images to chart the evolution of surfing as a sport, a lifestyle, and a philosophy. The book is arranged into five chronological chapters, tracing surfing culture from the first recorded European contact in 1778 by Captain James Cook to the global and multi-platform phenomenon of today. Utilizing institutions, collections, and photographic archives from around the world, and with accompanying essays by the world’s top surf journalists, it celebrates the sport on and off the water, as a community of 20 million practitioners and countless more devotees, and as a leading influence on fashion, film, art, and music. An unrivaled tribute to the breadth, complexity, and richness of surfing, this book is a must-have for any serious player on the surfing scene and anybody who aspires to the surfing lifestyle. As one surfing scribe has declared, “There has never been a book like this, and there will never be another one again.” About the series TASCHEN is 40! Since we started our work as cultural archaeologists in 1980, TASCHEN has become synonymous with accessible publishing, helping bookworms around the world curate their own library of art, anthropology, and aphrodisia at an unbeatable price. Today we celebrate 40 years of incredible books by staying true to our company credo. The 40 series presents new editions of some of the stars of our program - now more compact, friendly in price, and still realized with the same commitment to impeccable production.

Haring as activist and egalitarian: a fresh, accessible and dynamic look at one of New York’s most exhilarating artistsPublished with The Broad. Lavishly illustrated with essays and reflections by cultural leaders, Keith Haring: Art Is for Everybody surveys Haring’s dynamic art practice from 1978 to 1990, shining a bright light on the iconic and beloved artist known for his fluid, uniform lines, intricate compositions and repeating imagery such as the barking dog and radiant baby. Forty years after he came to prominence, Haring’s art continues to garner worldwide recognition, breaking down barriers and spreading joy, while taking on complex issues that remain crucial today, from environmentalism, capitalism and the proliferation of new technologies to religion, sexuality and race. Titled after a quote from Haring’s journals, Art Is for Everybody centers on the artist’s activism, the emphasis he placed on community and his egalitarian approach to art and life. The volume is organized chronologically and thematically, emphasizing Haring’s work made with publics in mind such as the subway drawings and murals, his collaborative practice and his unflinching belief that art is essential in making a better world. Keith Haring was born in Reading, Pennsylvania, in 1958 and arrived in New York from Pittsburgh in 1978, befriending artists including Kenny Scharf and Jean-Michel Basquiat. During the 1980s, Haring achieved international recognition and participated in numerous group and solo exhibitions. After being diagnosed with HIV in 1988, he focused his activism on the AIDS crisis. Less than two years later, Haring died of an AIDS-related illness.

One part history book, one part art book, and one part fascinating memoir, this book is an overview of more than two centuries of tattoo history intermixed with an intimate look at the lives of tattoo artists, and the personal struggles and triumphs, occupational hazards, and artistic courage that have defined so much of this history. For the last forty years, Henk Schiffmacher has poured his heart and soul into his collection, amassing tattoo drawings, designs, photographs, and artifacts from around the world. Each of the book's chapters features many never-before-seen highlights from this collection and includes lithographs, etchings, tattooing instruments, original drawings, and tattoo designs known in the business as flash, among them extremely rare vintage flash sheets from major players in early Western tattooing. The vastness and variety of tattooing around the world is chronicled in the book's hundreds of images, including the indigenous tattooing of the Maori and South Pacific islanders, the ancient traditions of Asia, and the origins of old-school Western tattooing in Europe and the United States. The book also features a dozen original illustrations by Schiffmacher in his inimitable style. Schiffmacher brings a fascinating perspective to tattoo history through his personal reflections and wild tales of adventure. In this book, we learn not only about the history of tattooing, but also about the adventures behind the making of one of the largest tattoo collections in the world, by a self-taught tattoo artist in love with the art and its innovators.

Publikace Za mistry křehké krásy vychází při příležitosti Mezinárodního roku skla 2022 a navazuje na knihu Po stopách českých sklářů, kterou vydalo nakladatelství Grada v roce 2019. Zamýšlenou trilogií turistických cest do manufaktur tohoto sklářského řemesla uzavře svazek Po stopách moravských a slovenských sklářů, na jehož rukopisu Ivan Černý průběžně pracuje.

Kniha herca a pedagóga Štefana Bučka skúma poéziu ako literárny fenomén z hľadiska umeleckého prednesu a dokladuje, že poézia bola historicky určená najmä pre takýto spôsob šírenia. Autor si všíma akým spôsobom sa viazaný a metaforický spôsob vyjadrovania dostáva naprieč zemeguľou v rôznych etnikách a kultúrach do ľudského povedomia a akú úlohu zohráva rozvoj filozofie pri jeho kreovaní. Postupne si všíma v historickom vývine prvky, ktoré hovoria o osobných témach autorov zachovaných spisov a nachádza v nich univerzálny rozmer. Cez ich privátny charakter v rôznych hraničných životných situáciách človeka poukazuje na možnosť sebaidentifikácie s poetickými obrazmi. Kniha núka autorský pohľad skúmania samého seba pri sebaidentifikačnom procese vo výbere kľúčových diel svetovej literatúry, ktoré mal autor možnosť za svoju dlhú umeleckú prax interpretovať.

Publikace (Studio) Balet Praha – Nová vlna československé choreografie je prvním uceleným přehledem, který představuje historii a význam průkopnického souboru Balet Praha (či Studio Balet Praha, jak se nazýval ve svých počátcích). Souboru, za jehož vznikem stáli na počátku 60. let naši nejprogresivnější choreografové Pavel Šmok a Luboš Ogoun a který se stal malým zázrakem v českém baletním umění. Populárně naučná kniha přibližuje taneční historii živou a čtivou formou. S pomocí vzpomínek tanečníků, kteří tuto dobu rozkvětu zažili a v Baletu Praha tančili, ale také programů, dobových článků a řady českých i zahraničních odborných kritik, rozkrývá kniha podmínky, v nichž soubor ve své době fungoval, tvůrčí kořeny obou významných choreografů i genezi nejslavnějších děl, která na jeho repertoáru vznikla. Nedílnou součástí je obrazová dokumentace, která čtenáře provází celou publikací. Kniha vychází za finanční podpory Ministerstva kultury ČR, Státního fondu kultury, Nadace Český hudební fond, Nadačního fondu a Institutu Pavla Šmoka a Pražského komorního baletu. Je prvním titulem ediční řady Institutu Pavla Šmoka „Studio Balet Praha a Pražský komorní balet – historie a osobnosti". Autorkou knihy je PhDr. Lucie Kocourková. Vydalo nakladatelství Balet Praha.

'What makes Art is Magic so rewarding is that Deller can write. Strikingly, he finds the literary process "mortifying . . . as though I am slowly dying". Perhaps it is that painful intensity that electrifies his prose, which comes across as crystalline, athletic, earnest yet frequently funny.' - Financial Times 'His work is hilarious and touching' - David Byrne 'Making good political art is almost impossible. Deller makes it fun. What sets him apart is his utopian optimism and belief in people.' - Jonathan Jones, The Guardian Art is Magic is artist Jeremy Deller's attempt to tie up the key works of his career alongside the art, pop music, film, politics and history that have inspired his work. Much has been written about Deller over the decades but this is the first time he has pulled together all of his cultural touchstones. The book features work from across Deller's life and art and includes Sacrilege, the inflatable Stonehenge, the Iggy Pop Life Class, The Battle of Orgreave, a recreation of a confrontation from the Miners' Strike, bats (a subject in at least three of Deller's works), Andy Warhol (whom he met in 1986), rave culture, hen harriers pecking out the eyes of a Tory MP, and a giant Chameleon slide. Art is Magic gives us the most rigorous account of Deller and his work to date. Something for everybody.

Zajímá vás, jak vzniká knížka? Komu všemu musí projít rukama, než se dostane ke čtenářům? Autorka Stéphanie Vernetová zná knižní provoz velmi dobře a ve své naučné knize vás vezme na fascinující výpravu. Nahlédnete do pracovny spisovatele, kanceláře odpovědné redaktorky, ateliéru ilustrátorky, přes rameno nakouknete do počítače grafika a zúčastníte se i schůzky obchodních zástupců nakladatelství. A dokonce vás tiskaři pustí mezi stroje v tiskárně. Tím to ale zdaleka nekončí. Vytištěná knížka směřuje do knihkupectví, kde se knihkupec postará o to, aby si našla cestu ke čtenářům. Podobně důležitou roli sehrává v knihovně i knihovník. A zároveň už svůj recenzní výtisk čte literární kritička a chystá si ostré pero k napsání recenze. A to už je všechno, ne? V žádném případě! Žádná knížka by totiž neexistovala, kdyby nebyli… čtenáři! Jako poděkování za to, že jste, jsme pro vás připravili tohoto průvodce po knižním světě. Dostanete se s ním tam, kam se exkurze pořádají jen málokdy.

Can physical movement be considered a metaphor for our thought? Can we understand it as a method which allows us to relate to thought processes by other than verbal means? The project was constructed around these questions, and connects the exhibition with a series of lectures, screenings and discussions which will be realized in GAMU throughout the upcoming year. Their shared interest lies in the zone where contemporary dance and choreography meets visual and fine art, exploring the relationship of our bodily movement and its structure with various aspects of our reality. This publication is a catalog summarizing the entire project, but at the same time it also contains a set of theoretical texts by the curator and several participating artists. These are either directly related to the given issue, or take into account the ideological background of the creation of the given personalities and works. Similar to the year-long process of collective dialogue and disciplinary transgressions, this book is also the result of a joint dance in which the individual participants changed their roles and points of view several times.

Martin Vongrej (1986) v současnosti reprezentuje patrně nejstrukturovanější podobu vizuální tvorby na Slovensku. Ve svých dílech se snaží obsáhnout liminální prostor mezi myšlenkovou spekulací a konceptuálně-minimalistickou estetikou; kombinuje vizualitu se subjektivně pojatou filozofickou rovinou. Klíčovou součástí jeho uměleckých výzkumů je zejména vztah mezi viditelným a neviditelným, který autor označuje rovněž jako „vnořování se do nitra virtuálního bodu". Tento virtuální (neviditelný) bod Vongrej nachází v přírodě (například v pomyslném středu letokruhů stromu), v geometrických objektech (torus, Möbiova páska) a také v lineární perspektivní konstrukci (úběžník jako virtuální bod průniku sbíhavých linií).

Od dob svého vzniku v Paříži v polovině 19. století představuje myšlenka bohémství vlivnou a přetrvávající součást umělecké identity. Ačkoliv měli lidé zabývající se uměním vždy pověst těch, kdo žijí mimo společenské normy, právě tehdy a na tomto místě byl tento životní styl poprvé přijat systematicky a zromantizován. Koncept bohémy se rychle ujal i mezinárodně a po druhé světové válce se objevil na mnoha různých místech po celém světě. Bohemia: Příběh fenoménu, 1950–2000 mapuje rozdíly i prvky kontinuity v rozmanitých projevech těchto scén. Končí na sklonku 20. století, kdy komoditní kultura začala až příliš nahlodávat způsob života založený na jejím odmítání. Myšlenka bohémství nicméně nadále nabízí alternativu ke konformitě, a proto dodnes vzbuzuje fascinaci. Dokonce i z hlubin minulosti nadále láká životními styly, které stále burcují a inspirují. Tato publikace doprovází obsáhlou výstavu pořádanou Kunsthalle Praha a pojednává o důležitých dílech pestré řady umělců a umělkyň jako Stan Douglas, Ed van der Elsken, Nan Goldin, Tomislav Gotovac, Peter Hujar, Libuše Jarcovjáková, Alice Neel, Wolfgang Tillmans, Zhang Huan a další. Autor knihy, Russell Ferguson, působí jako profesor a výzkumný pracovník na University of California v Los Angeles a široce publikuje o poválečném a současném umění. Mezi jeho knihy patří například tituly In Memory of My Feelings: Frank O’Hara and American Art (1999) a ve spolupráci s Kerrym Brougherem Damage Control: Art and Destruction since 1950 (2013).

Reprint slavné knihy Kinetismus z roku 1941 s předmluvou teoretika umění Petera Weibela a s doslovem historika umění Tomáše Pospiszyla. Zdeněk Pešánek (1896–1965) byl průkopníkem kinetického umění. Sochař, malíř, architekt a člen avantgardní umělecké skupiny Devětsil, byl v meziválečném období autorem unikátních multimediálních objektů a nástrojů, ale také originálním teoretikem umění. Text Kinetismu vznikal původně ve 20. letech 20. století. Kromě Pešánkovy originální koncepce kinetického umění, která předznamenává umění nových médií a počítačů, nabízí kniha schémata ohňostrojů a světelných fontán a podrobný popis řešení Pešánkovy kineticko-světelné plastiky pro Edisonovu transformační stanici a plastik oslavujících 100 let elektřiny.

Cestou těla ke svobodě ducha – i tak by mohl znít knižní podtitul. Jedinečným průvodcem na této cestě je světoznámý japonský tanečník, rebel a duchovní mistr Min Tanaka. Autor ho přibližuje z neznámého úhlu: jako pořadatele proslulých mnohatýdenních tréninků, jichž se v japonských lesích účastnili žáci ze všech koutů světa. Tanakovo učení je avantgardní a zároveň nesmlouvavé, ale především hluboce duchovní. Ondřej Landa, český umělec a etnograf, je úzce propojil s příběhem osobním. Setkání s mistrem totiž zásadně ovlivnilo nejen jeho soukromý život a uměleckou tvorbu, ale i výzkum a praktické studium světových náboženství a přírodních kultur, jež se s mistrovým učením až překvapivě prolínají. „Min Tanaka,“ říká, „mě nakonec vzal ještě o krůček dál a nabídl mi i zkušenost a poznání té dimenze bytí, která přesahuje běžnou fyzickou existenci a omezený prostor lidského já. Toto poznání ukazuje cestu k opravdové vnitřní svobodě."

From legendary animation house Studio Ghibli, this paperback journal celebrates the magnificent artistry behind Ponyo, a film about a friendship between a boy and a magical goldfish-and their adventures to stay together. Complete with full-color artwork on the front and back covers, five interior spreads of concept art, and spot illustrations throughout, this journal is the perfect keepsake for Studio Ghibli fans and animation enthusiasts of all ages. GREAT FOR STUDIO GHIBLI FANS: Part of an ongoing official partnership with Japanese animation giant Studio Ghibli, this journal captures the nostalgia and magic of the beloved Ghibli film Ponyo . It's a great gift or self-purchase for animation fans, collectors, artists, and anyone who loves Japanese art, stationery, and pop culture. RARELY-SEEN CONCEPT ART: The journal contains spot illustrations throughout, as well as five full-color spreads of rare concept art from the film. DISTINCTIVE SCHOOL OR OFFICE SUPPLY: Bring some flair to your school or office supplies with this gorgeous journal. ADD TO YOUR COLLECTION: Display your love for all-things Studio Ghibli by collecting all the concept art journals!INCLUDES: Flexi-bound paperback journal, 5 x 7 inches, 192 lined pages, full-color illustrations throughout, ribbon page marker. (C) 2008 Studio Ghibli - NDHDMTPerfect for: Studio Ghibli and Miyazaki fans of all ages, Animation enthusiasts and collectors, Artists and designers, Fans of Japanese art, stationery, and pop culture, Those looking for collectible, one-of-a-kind stationery, Fans of Ponyo

TEXTile Manifestoes je mezioborová antologie, která spřádá nejrůznější otázky spojené s textilním uměním, módou, textualitou a vetkává je do širších politických, sociologických, filosofických a umělecko-historických souvislostí, čímž překračuje rámec jejich vlastní textury. Propojením triadického celku TEXTu – TEXTilu – TEXTury se TEXTile Manifestoes snaží reflektovat, kreativně přetvářet, kriticky promýšlet, dekonstruovat a dekolonializovat žánrovou ambivalenci manifestu jakožto převážně mužské formy modernity, která autoritářsky usiluje o zcela odlišnou budoucnost. Antologie vychází ze strukturálního a metaforického sepjetí textu a textilu, aby se pokusila jiným způsobem promyslet politické a etické otázky současného světa, který se tak zoufale snaží hledat jistoty a zřetelný program moderního manifestu, a to aniž by se uchýlil k těm nejhorším formám totality. Původní projekt „TEXTile Manifestoes“ vznikl z mezioborové spolupráce několika ateliérů na Vysoké škole uměleckoprůmyslové v Praze. Studentky a studenti ateliérů designu oděvu a obuvi, grafického designu a vizuální komunikace, tvorby písma a typografie a fotografie II byli osloveni, aby společně propletli textil a diskurz jakožto vlastní manifesty kombinující módní kolekce a palčivé otázky současného světa, jako je všudypřítomný dohled a kontrola, umělá inteligence, nebo virtuální realita, případně otázky osobnější týkající se identity, paměti a (duševního) zdraví. Studentské práce následně doplnily a (re)kontextualizovaly zahraniční a tuzemské příspěvky, jejichž rozsah sahá od Andských textilních studií, neuropsychoanalýzy, literární a umělecké kritiky, až po estetiku a muzikologii. Do antologie svými texty přispěli: Kyle Allan, Jayson Althofer, Erik Annerborn, Luciana Benetti Marques Valio, Shelley Burian, Subhradeep Chatterjee, Ingrid Cogne, Arthur Crucq, Evelyn Echle, Pasquale Fameli, Tereza Jiroutová Kynčlová, Paris Lavidis, Elisabeth Längle, Pavel Liška, Veronica Montanino, Robin R. Mudry, Pierluca Nardoni, Anna Maria Panzera, Anika Reineke, I. A. Roland-Rodríguez a Anne Röhl. Publikace vychází pouze v anglické jazykové verzi. Annotation in English: The TEXTile Manifestoes is an interdisciplinary anthology that assembles and interweaves questions related to textile art, fashion and textuality into broader political, sociological, philosophical, art history and historical frameworks thereby expanding their range of textural interconnections. This anthology departs from the genre-related ambivalence of the manifesto as a modern male form of authoritatively demanding radically different futures by using the manifesto to connect with the triadic complex of TEXT – TEXTile – TEXTure in order to reflect, refashion and redefine it in creative, critical, deconstructive and decolonial ways. Departing from the structural and metaphorical contiguity of texts and textiles, TEXTile Manifestoes aims to rethink the political and ethical in a world desperately seeking the certainties and clear programmes of modern manifestoes without returning to the worst forms of historical totality. The original project “TEXTile Manifestoes” emerged out of a cross-disciplinary collaboration between several studios at the Academy of Arts, Architecture and Design in Prague. Students from the Studios of Fashion and Footwear Design, Graphic Design, Visual Communication and Type Design as well as Photography II worked together to weave textiles and discourses alike to design their manifestoes by combining fashion collections with burning contemporary issues such as mass surveillance, artifical intelligence or virtual reality but also to more private struggles of identity, memory and (mental) health. The students’ works were later complemented by and (re)contextualised with international contributions ranging from ancient Andean textile studies to neuropsychoanalysis or from literary and art criticism to aesthetics and musicology. With texts by Kyle Allan, Jayson Althofer, Erik Annerbo

Art & Fear is about the way art gets made, the reasons it often doesn't get made, and the nature of the difficulties that cause so many artists to give up along the way. Drawing on the authors' own experiences as two working artists, the book delves into the internal and external challenges to making art in the real world, and shows how they can be overcome every day. First published in 1994, Art & Fear quickly became an underground classic, and word-of-mouth has placed it among the best-selling books on artmaking and creativity. Written by artists for artists, it offers generous and wise insight into what it feels like to sit down at your easel or keyboard, in your studio or performance space, trying to do the work you need to do. Every artist, whether a beginner or a prizewinner, a student or a teacher, faces the same fears - and this book illuminates the way through them.

An entertaining and lively guide to rediscovering the pleasure in art. How to Enjoy Art: A Guide for Everyone provides the tools to understand and enjoy works of art. Debunking the pervasive idea that specialist knowledge is required to understand and appreciate art, instead How to Enjoy Art focuses on experience and pleasure, demonstrating how anyone can find value and enjoyment in art. Examples from around the world and throughout art history-from works by Fra Angelico and Berthe Morisot to Kazuo Shiraga and Kara Walker-are used to demonstrate how a handful of core strategies and skills can help enhance the experience of viewing art works. With these skills, anyone can encounter any work of art-regardless of media, artist, or period-and find some resonance with their own experiences. How to Enjoy Art encourages us to rediscover the fundamental pleasure in viewing art.

Publikace představuje nový a originální pohled na média rozhlas a film: zkoumá, jak se ovlivňují a inspirují a jak to obohacuje umělecký účinek obou médií. Vychází ze zevrubných analýz rozhlasové tvorby filmových režisérů Woodyho Allena, Ingmara Bergmana a Federica Felliniho a zamýšlí se nad vztahem jejich rozhlasového a filmového díla. Druhou část práce tvoří komparace původních rozhlasových her Sorry, Wrong Number od Lucille Fletcher, Under Milk Wood od Dylana Thomase a Der gute Gott von Manhattan od Ingeborg Bachmann s jejich filmovými adaptacemi. Problematika je nahlížena především z pozice rozhlasového média – autorka v práci zúročuje zkušenosti z vlastní tvorby pro rozhlas i z pedagogického působení na Divadelní fakultě JAMU, v jehož rámci vede též studentské audio projekty. Navazuje na východiska rozhlasových teoretiků Josefa Branžovského, Paula Deharma, Lance Sievekinga a dalších, kteří zdůrazňovali schopnost zvukového média podněcovat fantazii posluchače. Odhaluje, v čem spočívá podstata a kouzlo zvukového umění, a dochází k závěru, že i v současném mediálním světě má rozhlasová hra své nezastupitelné místo.

Divadelný ústav v spolupráci so Stanicou Žilina-Záriečie pripravili netradičnú výstavu venovanú významnému 20. výročiu založenia multifunkčného nezávislého priestoru Stanica Žilina-Záriečie. Kurátor Marek Godovič zostavil spolu s Marekom Adamovom výstavu s názvom 20 rokov cesty do Stanice, ktorý zachytáva míľniky a časové obdobia, ktoré formovali priestor staničného domčeka. Výstava je netradičná svojou formou, nakoľko vyzerá ako stolový kalendár.