Najnovšie - Výtvarné umenie strana 34 z 95
Maliarstvo, grafika 
Sochárstvo, plastika 
Street art, graffiti
zobraziť:
LA Graffiti Black Book
Many graffiti artists carry sketchbooks, called black books, and they ask crew members and others whose work they admire to inscribe their books with lettering or drawings. A few years ago, the Getty Research Institute invited artists, including Angst, Axis, Big Sleeps, Chaz, Cre8, Defer, EyeOne, Fishe, Heaven, Hyde, Look, ManOne, and Prime, to consider the idea of a citywide graffiti black book. During visits to the Getty Center, the artists viewed rare books related to calligraphy and letterforms, including works by Albrecht Durer and Leonardo da Vinci. The artists instantly recognized the connections to their own practices and were particularly drawn to a liber amicorum (book of friends), a form of autograph book popular in the seventeenth century. Passed from hand to hand, it was filled with signatures, poetry, and coats of arms, like a black book from another era.
Inspired by this meeting of minds across centuries, these artists became both creators and curators, crafting their own pages and inviting others to contribute. Eventually 150 Los Angeles artists decorated 143 individual pages. These were bound together into an exquisite artists' book that became known as the Getty Graffiti Black Book. This publication reproduces each page from the original artists' book and recounts the story of an unprecedented collaboration across the diverse artistic landscape of Los Angeles.
Jan Jedlička
Katalog k výstavě Jan Jedlička plánované od 28. 4. 2021 v 2. patře Městské knihovny v Praze. Jan Jedlička je malířem, kreslířem, grafikem, fotografem a filmařem, ale také chodcem, pozorovatelem a médiem. Jeho obrazy jsou především záznamem toho, co prožívá při chůzi krajinou a v závislosti na jejích proměnách. Kombinováním nejrůznějších technik a médií vytváří vícevrstevnaté obrazy míst, sledovaných obvykle v dlouhých časových horizontech.
Katalog, který doprovází monografickou výstavu, připravenou pro prostory Městské knihovny Galerie hlavního města Prahy, jako první představuje Jedličkovo dílo vcelku. Není koncipován chronologicky, ale jako mapování autorova pohybu krajinou a cestami různých uměleckých strategií. Protože každé Jedličkovo dílo je bez výjimky spojeno s určitým místem a časem, je také výběr děl tematicky členěn podle tří nejvýznamnějších geografických oblastí, v nichž autor pobýval: italská Maremma, Praha a některé oblasti britských ostrovů.
Texty: Jitka Hlaváčková, Marie Rakušanová, Kateřina Svatoňová, Friedemann Malsch, Bruno Cora
Mašlička poslední pomoci
První monografie malíře Michala Rapanta. Michal Rapant studoval na AVU v Praze v ateliéru Vladimíra Skrepla a je výraznou osobností české výtvarné scény. Na kontě má řadu samostatných i skupinových výstav u nás i ve světě. Je zastoupen v řadě významných sbírek např. COLLETT Prague | Munich, Sbírka Roberta Runtáka, Nadační fond 8smička, Adam Gallery, sbírka Galerie Dolmen...
Kachna, nebo králík?
Texty PhDr. Ludvíka Hlaváčka, ředitele Nadace pro současné umění Praha a pedagoga na Katedře dějin a teorie umění ústecké Fakulty umění a designu, které vznikaly původně jako záznamy přednášek z cyklu Socializace (v) umění z let 20072018, určených studentům magisterského studijního oboru Kurátorská studia FUD UJEP.
Po úvodních kapitolách věnovaných pojmům socializace, uměleckého díla a dějinnosti přistupuje autor ke svého druhu dějinám umění , ovšem pojednávaným z hlediska socializace a dějinnosti, roli průvodce má i Zuidervaartův model spirituality jako žitého obsahu, nikoli jako ideových tezí. [] Po stručném výkladu některých základních témat řeckého (zvl. typu kúros) a křesťanského umění vykládá renesanci jako přechod do lineární perspektivy , blízké heideggerovské vrženosti do světa, jehož jsme součásti, což nás pak bude provázet i v umění 20. století. [] Následuje další hraniční oblast, totiž tradičně velice hojně pojednávané baroko. Ludvík Hlaváček však i zde sleduje specifické, opomíjené a mnohdy paradoxní problémy socializace. Poslední přibližně třetina knihy pojednává témata víceméně aktuální, kde je autor zcela suverénně doma a může vybírat z nepřeberného množství příkladů. Kapitoly: Informel, Akční umění a Postmoderna. [] Za důležitý přínos považuji závěr knihy (Závěr: Sociální role umění jako probuzení bytostné nejistoty?). Opatrně skeptickým přístupem mapuje prostor nejistoty i jeho zneužívání k prezentaci falešných jistot. Hledání sociální role umění provází ovšem právě nejistota. Přesto, ba spíše proto, není hledání místa a sociální role umění v rámci sociálního diskurzu marné. Dokonce: takové hledání dynamiku sociálního diskurzu udržuje při životě. [] Gratuluji autorovi k vytvoření uceleného a dobře srozumitelného díla. (z lektorského posudku filozofa doc. Zdeňka Kratochvíla, Dr., 9. 4. 2020)
Hiroshige
The last great master of the ukiyo-e tradition, Hiroshige produced works of subtle yet intense color. This collection of prints, first published in the 1850s, contains images of each of Japan's provinces. Created during Hiroshige's highly productive later years, this series was an ambitious project that captured a crucial moment in Japan's history, a decade before the Meiji Restoration would open the doors to industrialization and Western influence. One of its most striking characteristics is the vertical presentation, which allowed Hiroshige to experiment with perspective. His sweeping panoramas of the beautiful countryside combine the illusion of distance with a depth of detail that draws the viewer in. In addition to these glorious landscapes, Hiroshige's depictions of busy urban centers provide a rare insight into daily life in the Edo era. This beautiful slip- cased edition includes two volumes: a complete set of seventy prints and a separate booklet that provides an introduction to Hiroshige's life and art as well as descriptive captions of the prints. From thundering waterfalls and towering cliffs to wide beaches and bustling harbors, Hiroshige's native land emerges in serene and exquisite detail-the perfect keepsake for fans of ukiyo-e, Japanese culture, and printmaking.
Fundamental Painting
Fundamental Painting (1975): Lessons in Minimalist Painting is the first account of this 1970s current and its role in the history of 20th century painting. The term Fundamental Painting was coined by the Stedelijk Museum Amsterdam as the title of a 1975 exhibition that sought to highlight a new kind of painting emerging on both sides of the Atlantic. It was built around Robert Ryman and included 18 artists from Europe and the United States. The then museum director of the Stedelijk Edy de Wilde called their artistic scope "a reflection on the foundations of painting." In the first part of this book, Rajlich traces how the curators defined this specific current and its public as well as its critical reception. In the second part, she explains in detail the elements of paintings, how they are used in Fundamental Painting, and why. Next, Rajlich surveys the use of these painterly elements across 20th century abstract and non-objective painting in relation to the development of Minimalist painting. The last part of this book examines the effect of Fundamental Painting on its viewer in the context of art across the ages. It argues that Fundamental Painting goes beyond formalist concerns and seeks to engage with the concept of beauty as understood through the philosophy of aesthetics.
Claudia Rajlich is a specialist in 20th century art and painting in general. She has extensive experience as an author, curator and art advisor for both public and private institutions. Her recent research has focused on non-objective art, the art market, and interdisciplinary questions around art collecting.
Kniha Fundamental Painting (1975): Lessons in Minimalist Painting přináší první ucelené pojednání o fundamentální malbě a její roli v dějinách malířství 20. století. Termín fundamentální malba vytvořilo amsterdamské Stedelijk Museum a v roce 1975 jej použilo pro název výstavy, která se snažila upozornit na nový druh malby vznikající na obou stranách Atlantiku. Výstava představila 18 umělců z Evropy a ze Spojených států, včetně zakladatelské osobnosti Roberta Rymana. Tehdejší ředitel muzea Edy de Wilde označil jejich umělecké směřování jako reflexi základů malby.
V první části knihy sleduje Claudia Rajlich, jak kurátoři definovali tento specifický proud a jak jej přijala kritická obec i veřejnost, ve druhé části pak autorka podrobně popisuje jednotlivé prvky obrazů a vysvětluje, jak je fundamentální malba používá a proč. Následně také zkoumá použití těchto malířských prvků v abstraktním a neobjektivním malířství 20. století ve vztahu k vývoji minimalistické malby. Závěr knihy je věnován působení fundamentální malby na diváka v kontextu umění v průběhu staletí. Autorka se domnívá, že tento druh malby překračuje rámec formalistických vymezení a že je významně provázán s konceptem krásy, jak jej chápe filozofie estetiky.
Claudia Rajlich se specializuje na výtvarné umění 20. století, zejména na malbu. Má bohaté zkušenosti jako autorka, kurátorka a umělecká poradkyně pro veřejné i soukromé instituce. Aktuálně se zabývá neobjektivním uměním, trhem s uměním a interdisciplinárními otázkami, které se týkají sbírání umění.
Jaroslav Valečka
Jaroslav Valečka je absolventem ateliéru Jiřího Sopka na pražské akademii výtvarného umění a na scéně se pohybuje od poloviny devadesátých let 20. století. Během své pětadvacetileté činnosti si vytvořil poutavý umělecký styl, pro nějž čerpá podněty z jemu blízkých severočeských Sudet, které jsou pro něj panoptikem a jež transformuje svojí imaginací.
Záměrně pracuje s literárním obsahem a nadsázkou. Programově se navrací k nízkým formám kultury, které byly s nástupem postmoderny rehabilitovány. Za svoji dosavadní kariéru je autorem četných úspěšných výstav jak v zahraničí, tak v Čechách (například Špálova galerie v Praze, Alšova jihočeská galerie).
Kniha, v níž je výběrově zastoupena tvorba z posledních deseti let, navazuje na předchozí úspěšnou monografii Edwarda Lucie-Smithe z roku 2015 a mapuje tak Valečkovu tvorbu z posledních let. Vedle přátel z řad britských stuckistů (Paul Harvey, Charles Thomson) přispěli do této publikace Markéta Hornerová, Rea Michalová, Jolana Pastor, Edward Lucie-Smith, Zuzana Štěpanovičová, Kateřina Tučková, Martina Vítková a Radek Wohlmuth. Pro čtenáře může být zajímavá i biografie samotného umělce, v níž píše o svém životě.
Marcel Duchamp
Genius. Anti-artist. Charlatan. Impostor! Since 1914 Marcel Duchamp has been called all of these. No artist of the 20th century has aroused more passion and controversy, nor exerted a greater influence on art, the very nature of which Duchamp challenged and redefined as concept rather than product by questioning its traditionally privileged optical nature. At the same time, he never ceased to be engaged, openly or secretly, in provocative activities and works that transformed traditional artmaking procedures.
Written with the enthusiastic support of Duchamp's widow, this is one of the most original and important books ever written on this enigmatic artist, and challenges received ideas, misunderstanding and misinformation.
With 172 illustrations in colour
Read This if You Want to Be Great at Painting
Painting isn't as hard as it looks. And it's fun. Whether you're a total beginner or have been painting for years, this indispensable guide cuts through the jargon and provides clear, practical advice and tips to help develop your skills. Techniques and ideas are described and explained, inspiring you to make your own great paintings. Addressing the fundamentals of painting with watercolour, oil and acrylic, the book encourages you to explore the limitless possibilities painting has to offer.
Read This if You Want to Be Great at Painting is an accessible and jargon-free guide to painting, including watercolour, oil and acrylic. The book includes more than 40 examples of great paintings by masters and contemporary artists and simple diagrams and practical activities help you practice each technique.
Natures Palette
First published in 1814 and expanded in 1821 - long before the era of colour photography or print - Syme's edition of Werner's Nomenclature of Colours attempted to establish a universal colour reference system to help identify, classify and represent species from the natural world. Werner's set of 54 colour standards was enhanced by Patrick Syme with the addition of colour swatches and further references from nature, taking the total number of hues classified to 110. The resulting resource proved invaluable not only to artists but also to zoologists, botanists, mineralogists and anatomists.
In Nature's Palette this technicolour trove has, for the first time, been enhanced with the addition of illustrations of the animals, vegetables and minerals Werner referenced alongside each colour swatch and accompanied by expert text explaining the uses and development of colour standards in relation to zoology, botany, minerology and anatomy. This fully realized colour catalogue includes elegant contemporary illustrations of every animal, plant or mineral that Syme cited. Readers can see for themselves Tile Red in the Cock Bullfinch's breast, Shrubby Pimpernel and Porcelain Jasper; or admire the Berlin Blue that Syme identified on the wing feathers of a Jay, in the Hepatica flower and in Blue Sapphire. Displays of contemporary collector's cabinets of birds, butterflies, eggs, flowers and minerals are interspersed at intervals throughout the compendium, with individual specimens colour matched to colour swatches. Still a much-loved reference among artists, naturalists and everyone fascinated by colour today, Werner's Nomenclature of Colours finds its fullest expression in this beautiful and comprehensive colour reference system.
100 Small Paintings
Tomas Rajlich is internationally recognized as a major figure in European painting.
His monochromatic canvases based on the Minimalist grid are the result of meticulous research on the fundamental elements of painting.
In the 100 small-scale paintings brought together in this booklet, he explores the combination of the impersonal, the gestural and the creative force of light; they are variations on the intensity, luminosity and facture of the paint, while clearly remaining a factual painting.
Emerging in the early 1970s, he is often associated with Minimalism and Fundamental Painting a term coined by the Stedelijk Museum Amsterdam in 1975.
The current includes Robert Ryman, Robert Mangold, Agnes Martin, and the early years of Brice Marden and Gerhard Richter. An artist of uncompromising integrity, he maintains a position as one of the most significant living postwar and contemporary painters of his generation.
His works have been the subject of major retrospectives and included in the collections of renowned museums worldwide, such as the Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, Centre Georges Pompidou, Paris, and the Museum of Modern Art, New York.
Tomas Rajlich patří k mezinárodně uznávaným nejdůležitějším osobnostem evropského malířství. Jeho monochromatická plátna založená na minimalistické mřížce jsou výsledkem důkladného výzkumu základních prvků malby.
Na stovce maleb malého formátu, obsažených v této knize, zkoumá kombinaci neosobní, gestické a tvůrčí síly světla, jedná se o variace na intenzitu, svítivost a lom barvy, přičemž zcela zřejmě zůstávají věcnou malbou. Na počátku sedmdesátých let byl často spojován s minimalismem a fundamentální malbou pojmem, který zavedlo amsterdamské Stedelijk Museum v roce 1975. Tento proud zahrnuje osobnosti, jako byli Robert Ryman, Robert Mangold, Agnes Martin, v prvních letech též Brice Marden a Gerhard Richter. Rajlich si jako umělec nekompromisní integrity udržuje pozici jednoho z nejvýznamnějších žijících poválečných a současných malířů své generace. Jeho díla byla představena na významných retrospektivních výstavách a stala se součástí sbírek renomovaných světových muzeí, jako jsou Museum Boijmans Van Beuningen v Rotterdamu, Centre Georges Pompidou v Paříži či Museum of Modern Art v New Yorku.
Karel Vaňura 1937-2018
Karel Vaňura, malíř a sklář, je jedním z nejoriginálnějších tvůrců v českém umění 2. poloviny 20. století, dokládá to i tato monografie s množstvím reprodukcí obrazů, asambláží, skleněných vitrají a realizací v architektuře. Vaňura nepřijímal, respektive mechanicky nepřejímal dobové styly a směry, jeho tvorba je původní a autentická. Vaňura v mnoha dílech dosáhl originálních řešení, jak po vizuální, tak po technologické stránce; koncem šedesátých let byl označován jako jeden z nastupujících talentů československého umění, sklářského i malířského. Právě taková tvorba tvoří z českého umění druhé poloviny 20. století onu pestrou, lákavou směsici, která stále překvapuje a inspiruje a která ukazuje, že je stále co objevovat. Tato monografie je prvním komplexním zpracováním díla autora, který kromě vlastní tvorby jako uznávaný pedagog ovlivnil celé generace výtvarníků a který mnohokrát starost o práci ostatních kladl nad svou vlastní tvorbu.
Alexander Calder: Modern from the Start
On Alexander Calder's fruitful, creative and enduring relationship with MoMA, from the early wire sculptures to late abstractions
Alexander Calder's work first appeared in the Museum of Modern Art's galleries in 1930, in the exhibition Painting and Sculpture by Living Americans. Over the next decades the artist's connection with the Museum would be deep, productive and mutually beneficial. Calder cultivated friendships and working relationships with notable figures, including Alfred H. Barr Jr., the Museum's founding director, and James Johnson Sweeney, with whom he collaborated on his expansive retrospective exhibition in 1943. His work is imprinted on MoMA's early history, not only for its material and conceptual innovation but also for its presence at significant moments, such as a mobile made to hang over the lobby's grand staircase on the occasion of the new Goodwin and Stone building (Lobster Trap and Fish Tail, which hangs there to this day); an elaborate candelabra to adorn the tables at a celebratory anniversary event; and a sculpture to fly off a flagpole to advertise the landmark exhibition Cubism and Abstract Art. Alexander Calder: Modern from the Start celebrates this extraordinarily fertile relationship between an institution and an artist who was both an important creative partner and, with his magnificent gift of 19 works in 1966, a major donor. Through MoMA, Calder came to be known as a pioneer of modern sculpture, and through Calder, MoMA came to understand itself as an American museum of modern art. After studying engineering, Alexander Calder (1898-1976) moved to Paris in the late 1920s, where he found himself at the center of the city's artistic avant-garde. There, he developed his Cirque Calder, a performance artwork comprising dozens of miniature handmade objects, and a group of standalone figurative works in wire. Turning toward abstraction in 1930, Calder invented the mobile--an abstract sculpture made of independent parts that incorporate natural or mechanical movement. He would continue to explore the possibilities of this visual language for the rest of his career, eventually shifting to monumental constructions and public works.
Michelangelo
Already revered by his admirers during his lifetime as "Il Divino" (the Divine), Michelangelo Buonarroti embodies the ideal artist of the Renaissance in Italy. No sculptor or painter was able to depict man more impressively in stone and colour; his grandiose masterpieces are still world-famous today.
PaloMacho
Palo Macho (1965) patrí k výrazným predstaviteľom súčasného umeleckého skla. Jeho špecifická pozícia v tejto disciplíne je v tom, že sa dlhoročne venuje maľbe na sklo. Prepája farby so sklom (jeho povrchom) na podobných princípoch, ako je tomu v klasickej maľbe. Nemá však k dispozícii plátno, ale sklenenú platňu, nie farby, ktorých tóny vidí okamžite, ale sklárske emaily, listre a drahé kovy, ktoré svoj výsledný odtieň vydajú až potom, čo prejdú taviacim a vypaľovacím procesom v sklárskej peci. Maľba má niekoľko vrstiev: podmaľba sa prekrýva s vnútornou maľbou i s maľbou na povrchu. Aj preto musí byť všetko vopred vymyslené, naplánované, overené. Neoddeliteľnou súčasťou je autorské gesto, dotyk ako stopa ruky, štetca, špachtle... Machove maľby na skle, kde sa hmota, objem a plocha skla spájajú s farbou a autonómnym maliarskym podaním, sú zvláštnym druhom maliarstva. K všetkým týmto výrazovým prostriedkom pristupuje ešte jeden aktívny a kľúčový prvok transparentnosť sklenej tabule a s ňou aj svetlo, ktoré je schopné meniť, dotvárať a oživovať vnímanie jeho diel. Druhé vydanie reprezentačnej monografie predstavuje Machovu tvorbu slovom a obrazom: jeho dielom vás sprevádzajú historičky umenia Katarína Bajcurová a Sylva Petrová, ktoré vo svojich textoch osvetľujú princípy jeho uvažovania a tvorby, ako aj miesto v širších medzinárodných kontextoch súčasného skla. Zásadne rozšírené a doplnené vydanie knihy prináša tiež text Meira Lubora Dohnala a rozhovor Petra Michaloviča s autorom o interpretáciách spoluprácach s inými významnými osobnosťami slovenského vizuálneho umenia (Ľudovít Fulla, Rudolf Fila, Jozef Jankovič, Ivan Csudai, Laco Teren, Jana Hojstričová, Svätopluk Mikyta) a ukážky spoločných diel. Zároveň mapuje aj najnovšiu tvorbu autora do roka 2020. Samostatná časť je venovaná fotodokumentácii dôležitých výstavných projektov. Knihu vydáva bilingválne (angličtina, slovenčina) vydavateľstvo Petrus v spolupráci s VŠVU a o.z. Atelier Studená10.
Világhírű festők - Cézanne
A Világhírű festők című művészeti sorozatunkban az európai festőművészet-történet tizenkét kiemelkedő alkotójának életművét mutatjuk be. A reneszánsz, a németalföldi, az impresszionista és a modern festészet világába tekinthetünk be, olyan művészek alkotásai révén mint Botticelli és Leonardo, Rembrandt, Renoir, Monet, Gauguin, Van Gogh, Cézanne, illetve Turner, Klimt, Picasso és Kandinszkij. A bájos kivitelű könyvek tömören, tartalmasan és igényesen foglalják össze az egyes művészek életútját és pályáját, bemutatva úgy a
legfőbb műveiket, mint az alig ismert titkos gyöngyszemeket. A művészettörténeti ismertetés számtalan csodálatos festmény, rajz és
grafika révén kel életre; ezek a kis könyvek igazi képes albumok, szemet gyönyörködtető kiadványok.
Vincent van Gogh: Matters of Identity
The revelation of a misidentified face in a photograph-once thought to be Vincent, now known to be Theo van Gogh-leads to a novelesque story of revised art history
Full of surprising anecdotes, this book tells the story of the discovery in 2018 that one of only two known photographs of Vincent van Gogh (1853-1890) is, in fact, of his brother, Theo. The detective-style narrative continues from there to Samuel Delsaut, who found two drawings attributed to Van Gogh in 1958. The archives of the Delsaut family revealed details casting doubt on the authenticity of these drawings, along with abundant correspondence between Samuel's son and the son of Dr. Paul Gachet, who cared for Van Gogh in Auvers-sur-Oise. A real-life lesson in historical criticism, this book, beautifully illustrated with reproductions of Van Gogh's work, has resonance with our contemporary predicament distinguishing information from rumor, journalism from propaganda.
Karol Ondreička
Hoci meno Karola Ondreičku staršieho rezonuje v povedomí kultúrnej verejnosti, s výnimkou výtvarného diela sa veľa dokladov o účinkovaní tohto umelca nezachovalo. Ondreičkovou tvorbou sa síce zaoberá každá štúdia alebo publikácia z dejín moderného umenia na Slovensku, ale vždy je to len niekoľko málo tých istých diel z jedného obdobia tvorby. Kurátori Aurel Hrabušický a Silvia Ilečková sa rozhodli predstaviť život a dielo maliara a grafika Karola Ondreičku podrobnejšie a odhaliť tak polohy, v akých tohto predstaviteľa slovenskej moderny nepoznáme.
The Picasso Connection
Without a doubt, Picasso is one of the most important and versatile artistic personalities of the twentieth century. But how does a body of work become so successful, and how does it wind up in major collections, museums, and exhibitions? Not infrequently, it is the courage of individuals who recognize genius in the works and advocate for them in the face of conservatism and criticism. In Picasso's case, this role in Germany fell to the Bremen art dealer Michael Hertz. His commitment in the post-war period is not only due to Picasso's exhibition at the documenta 3 in 1964, but also to the Kunsthalle Bremen, which has one of the most extensive collections of the artist's prints. This volume brings together the outstanding printworks, including lithographs, linocuts, and artist's books. Picasso's oeuvre of prints can be regarded as a fascinating collection, in which can be read the triumph of the affordable medium in post-war Germany, as well as the dealer's strong commitment.
Vj kategórii Výtvarné umenie sa prelínajú kreativita, farby, textúry a vizuálna expresia. Výtvarné umenie je univerzum, kde umelci vyjadrujú svoje myšlienky, emócie a predstavy prostredníctvom rôznych foriem, ako sú maľba, sochárstvo, kresba, grafika a ďalšie.
Tu budete mať príležitosť objaviť rôzne štýly, techniky a prúdy výtvarného umenia, od tradičných a realistických prístupov až po abstraktné a experimentálne vyjadrenia. Výtvarné umenie zahrňuje rozmanité oblasti, ako je olejomaľba, akvarel, pastel, digitálna maľba, sochárstvo v rôznych materiáloch a mnoho ďalších.
Výtvarné umenie nám umožňuje vidieť svet z iného uhla, vyjadriť jedinečný pohľad na veci a hlboko sa ponoriť do tvorivého procesu. Budete mať príležitosť objaviť rôzne umelecké diela, zoznámiť sa s umelcami, ktorí týmto spôsobom komunikujú, a možno aj sami začať experimentovať s výtvarnými technikami.
Či máte výtvarnú dušu alebo jednoducho záujem o vizuálnu kreativitu, táto kategória vám ponúka priestor na objavovanie, inšpiráciu a prepojenie s výtvarným umením vo všetkých jeho podobách.
Objavujte najlepšie diela maliarstva a grafiky, streetartu a graffity umenia, ako aj sochárstva a plastiky.
