Najnovšie - Maliarstvo, grafika strana 22 z 70
zobraziť:
Flowers!
Flowers have been a popular motif in art for centuries. As the epitome of natural beauty and earthly mortality since the Baroque era, flowers have lost none of their fascination for artists in the 20th and 21st centuries. Why does modern and contemporary art turn so frequently to this multi-faceted subject?
Piet Mondrian
Pivotal in modern art's move towards abstraction, Piet Mondrian's oeuvre is extraordinarily versatile and complex. Not only did he paint and draw, he also wrote extensively about his thoughts and theories on art and life. Moving from traditional Dutch landscape painting to a pronounced rhythmic framework focusing on compositional structure rather than naturalistic representation, Mondrian was profoundly impressed by contemporary culture. Thus, he was not only inspired by the pattern of the extensive Dutch canal system, but also by the rhythm of jazz and the foxtrot. Demonstrating the impact of his oeuvre, Yves Saint-Laurent's famous "Mondrian Dress" even made him a fashion icon posthumously.
Celebrating the 150th anniversary of his birth, Ulf Kuster entertainingly leads through well- and lesser-known aspects of Mondrian's life and work offering inspiring impulses for reflection and further engagement with the fascinating artist.
May Morris
The first fully illustrated and comprehensive introduction to May Morris’s work as an artist, designer, and embroiderer, published in association with the V&A and the William Morris Gallery, London. Now available in paperback.
May Morris (1862–1938) was a significant figure in the British Arts and Crafts movement and a pioneer of art embroidery. She ran the embroidery department of Morris & Co., as well as designing textiles, wallpapers, and jewelry. Morris was also an influential teacher and lectured in the United States and across the United Kingdom.
May Morris, now in paperback, presents the full range of Morris’s work and reveals her exceptional skill and originality. It draws together her designs, exquisite embroideries, watercolors, costume, and jewelry from museums around the world, and in particular the rich collections of the Victoria and Albert Museum and the William Morris Gallery, London. The book contains more than 180 objects in color alongside detailed information on their materials and provenance compiled by leading experts. There are also new insights into Morris’s personal life and relationships, her social activism, and her support for other craftswomen.
This authoritative and illuminating study places Morris, whose reputation has been overshadowed by that of her father William Morris, firmly among the leading British designer-makers of the Arts and Crafts movement.
210 color illustrations
Svatoslav Böhm
Mezinárodně činný Klub konkretistů založený v roce 1967 v ateliéru Miroslava Vystrčila na pražské Kampě trojicí umělců – Radkem Kratinou, Jiřím Hilmarem a Tomášem Rajlichem – a teoretikem Arsénem Pohribným utvářeli tvůrci žijící na celém území Československa. Vedle Prahy, Bratislavy, Brna, Jihlavy a Olomouce byla důležitým a do velké míry i specifickým ohniskem severní Morava. V druhé polovině šedesátých let působil v Ostravě Rudolf Valenta a mezi lety 1959 a 1992 Zdeněk Kučera. V Havířově po celý svůj život tvořili Jiří Bielecki a Jaroslav Rusek, v Krnově Jindřich Gola. V Ostravě-Třebovicích dodnes rozvíjí svůj výtvarný program Eduard Ovčáček a v Krnově Svatoslav Böhm. Právě v ateliérech obou posledně jmenovaných umělců probíhala hned od roku 1967 podnětná setkání klubu. Sem přijížděli další členové skupiny, včetně Arséna Pohribného, zde se vedly diskuse o směrování uskupení, jeho teoretickém ukotvení i plánech klubových výstav. Severomoravská sekce Klubu konkretistů byla specifická nejen frekventovaností a významem klubových schůzek, ale i charakterem tvorby svých představitelů. Typickými znaky jsou zejména progresivita v uplatňování nových výtvarných prostředků a vztah k experimentu, o čemž vedle Bieleckého a Ovčáčkova výtvarného názoru svědčí právě uvažování Svatoslava Böhma (*1934). Dokladem jsou nejen Böhmovy dřevěné reliéfy z šedesátých a první poloviny sedmdesátých let, které prokazují silné paralely s nejprogresivnějšími tendencemi na poli neokonstruktivních tendencí, ale také realizace v architektuře, grafické úpravy knih, návrhy knižních obálek, firemních značek, jejichž společnými rysy jsou věcnost a elementárnost výtvarného jazyka. Přestože Böhmův výtvarný názor je v mnoha ohledech originální, v polistopadové době nebylo Böhmově tvorbě věnováno tolik odborného zájmu, jaký by si zasloužila. Otázka je, nakolik tuto situaci ovlivnila geografická poloha Krnova, nakolik charakter umělcovy osobnosti, který místo sebeprosazování vždy upřednostňoval soustředěnou práci, a nakolik fakt, že se v roce 1997 Krnovem přehnala povodeň, která většinu děl závažně poškodila nebo nenávratně zničila. Vzhledem k tomu, že se Museu Kampa podařilo řadu důležitých prací Svatoslava Böhma citlivě zrestaurovat, mohly být uskutečněny jak výstava, tak doprovodná publikace zaměřené především na umělcovu tvorbu z období šedesátých let až po příchod normalizace. Svým kontextuálním záběrem a důrazem na souvislosti výtvarného vývoje tento projekt navázal na linii výstav věnovaných umělcům z okruhu Musea Kampa, například Jiřímu Bieleckému, Jiřímu Hilmarovi, Radku Kratinovi nebo Františku Kynclovi, a stal se dalším krokem v konsekventně naplňovaném programu muzea. Zařazením tvorby Svatoslava Böhma do odborného zájmu i sbírkového fondu prokázalo Museum Kampa nejen osobní respekt a úctu k tvůrci, ale také profesionální snahu uchovat tento specifický příklad neokonstruktivního umění pod záštitou paměťové instituce.
Crosshatching in Pen & Ink
Learn the unique art of crosshatching and create stunning works of art with expert guidance from August Lamm.
How to Crosshatch in Pen & Ink begins with a potted history of the artform, and elucidates exactly what crosshatching entails, and where it came from. After a helpful exploration of the materials and media that a crosshatcher may need, there then begins a practical guide to the very basics of crosshatching, approaching concepts such as how to look accurately, and how to depict light, shape, and shadow.
Once readers have the essentials under their belt, there are more complicated subjects such as anatomy, portraiture and still lifes to tackle. For each topic, August uses a combination of fine art examples, illustrations and step-by-step tutorials to take the reader through the fascinating and accessible process of crosshatching, from perception to execution.
This is the essential, comprehensive guide to this fascinating artform, and will appeal to complete beginners alongside long-time aficionados of the practice.
Typlt - Dancing Pentagon
Přední britská kurátorka specializující se na současnou uměleckou scénu střední a východní Evropy Jane Neal zařazuje v publikaci Dancing Pentagon dílo Lubomíra Typlta do evropského kontextu. „Dějiny umění zpravidla pojednávají o školách a hnutích, zahrnují ale i osobnosti, které se drží stranou od svých souputníků a odmítají se přizpůsobit – jak akademickým očekáváním a pravidlům, tak i společenským zvykům a sociálním konvencím. Bez těchto výrazných postav a jejich odmítání ohnout hřbet a podvolit se systémům či zvyklostem by umění bylo mnohem méně barvité, pozoruhodné a zajímavé. Ať už jde o nekonformní, vizionářské či je čistě zarputilé umělce, jejich neobyčejné vize z nich v rámci dějin umění činí klíčové osobnosti. Lubomír Typlt takovým umělcem je.“ Jane Neal
Painting Can Save Your Life: How and Why We Paint
Artist and founder of The Painting School Sara Woster invites readers into the vibrant world of painting as a creative practice powerful enough to transform our lives.
Sara Woster is a painter, teacher, and art evangelist. She believes in art as a form of mindfulness, a ritual for healing, and an outlet for self-expression. In Painting Can Save Your Life, Woster welcomes readers into this transformative art form, inviting them to pick up a brush and discover how painting can help you see the world in a whole new way.
Weaving soup-to-nuts instruction on how to paint—from choosing the right materials to painting the human body—with her own story of discovering a passion for painting, this book includes:
simple and easy techniques for painters of all skill levelsplayful and challenging painting exercisestips on how to build a creative community using artinsights on how to use painting to cultivate a sense of calm in a stressful world
Part how-to-paint, part sheer inspiration, Painting Can Save Your Life is a wise and inspiring guide to the power of painting.
Marta Chabadová - monografia
Monografia predstavuje podoby tvorby výraznej slovenskej umelkyne, akademickej maliarky Marty Chabadovej. Počnúc obdobím po absolvovaní VŠVU v Bratislave (1976), v ateliéri Krajinárskeho a figurálneho maliarstva
profesora Jána Želibského, končiac aktuálnymi polohami súčasnosti. Ponúka zjednocujúci a zároveň plastický pohľad naprieč desaťročiami so zameraním na faktory formujúce rukopis, obsahové a štýlotvorné prvky komornej tvorby ako aj diel do verejného priestoru. V prvom rade maliarskej a primerane šírke záberu i textilnej a keramickej tvorby.
Maliarka svoj tvorivý program, zameraný predovšetkým na krajinomaľbu a v menšej miere i figurálnu tvorbu, rozvíjala v názorovo charakteristicky vyhranenom prístupe a estetickom cítení. Prirodzene a pozvoľne, najčastejšie inšpirovaná svojím bezprostredným, rodinným okolím, prírodným prostredím, procesom tvorby a možnosťami vyplývajúcimi z povahy diela. Po celý čas si tak udržala autentickú, autorsky výraznú polohu a i napriek dvom politickým režimom s rozdielnymi hodnotovými kritériami aj umelecký étos.
Každú novú fázu a fazetu svojej tvorivej dráhy predstavila na autorskej výstave, preto sú do monografie zapojené aj kurátorské texty k jednotlivým výstavným prezentáciám. Pohľady rôznych výtvarných teoretikov prispievajú k objektívnemu a súčasne dobovo aktuálnemu vnímaniu tvorby Marty Chabadovej. Avšak kostru publikácie organicky tvorí obsiahla fotografická dokumentácia, vizuálne približujúca jednotlivé, v texte či kontexte spomínané diela a informácie zo života, ktoré sa s jej profesionálnym zaujatím prirodzene prelínajú...
Autor textu: Xénia Lettrichová , Bohumír Bachratý , Mária Horváthová , Fedor Kriška , Marián Kvasnička , Klára Kubíková
Na sklade 1Ks
46,90 €
Dioptrie Medúsy/ The Dioptre of the Medusa
Dokumentační publikace k 28. ročníku Mikulovského výtvarného sympozia “dílna“ prostřednictvím rozhovorů s umělci přibližuje nejen jejich tvorbu, ale stává se rovněž dokumentací současného výtvarného umění. Kromě rozhovorů a dalších textů publikace obsahuje kvalitní fotodokumentaci průběhu sympozia a reprodukce vytvořených uměleckých děl, která se stala součástí Sbírky současného umění města Mikulova. Autoři rozhovorů: Martina Pachmanová – Jiří Černický (kurátor ročníku), Michaela Černická, Klára Čermáková, Julie Béna, Zdena Kolečková, Emoke Vargová, Adéla Strnadová a Marie Tomanová (host); Rostislav Koštial (starosta města), Adam Vrbka (odborný garant) a Jiří Černický jako kurátor.
Paul Klee: 1939
The year before he died, in what was one of the most difficult yet prolific periods of his life, Paul Klee created his most surprising and innovative works.
In 1939, the year before his death from a long illness and against a backdrop of sociopolitical turmoil and the outbreak of World War II, Klee worked with a vigor and inventiveness that rivaled even the most productive periods of his youth. This book illuminates the artist's response to his personal difficulties and the era's broader realities through imagery that is tirelessly inventive-by turns political, solemn, playful, humorous, and poetic.
The works featured testify to Klee's restless drive to experiment with form and material. His use of adhesive, grease, oil, chalk, and watercolor, among other media, resulted in surfaces that are not only visually striking, but also highly tactile and original. Not unlike a diary, the drawings are often meditative reflections on the pains and pleasures of life-their titles, among them Monsters in readiness and Struggles with himself, signal Klee's frame of mind.
Renowned art historian Dawn Ades looks at this group of drawings in the context of their time and as indicative of a pivotal moment in art history. Moved by this late period of Klee's oeuvre, American artist Richard Tuttle responds to specific works in the form of a dialogical poem. This stunning publication highlights the novelty and ingenuity of Klee's late works, which deeply affected the generation of artists-including Anni Albers, Jean Dubuffet, Mark Tobey, and Zao Wou-Ki-that emerged after World War II and continues to captivate artists and viewers alike today.
Prokreslete se do pohody
Změňte svůj život, najděte v něm radost, pracujte se svými emocemi!
Během náročného životního období objevila Sheila Darceyová umění skicování a volné kresby, obé jí ukázalo cestu, jak zpracovat své smutky a emoce a dát jim fyzickou podobu, vstoupit s nimi v dialog a lépe pochopit samu sebe. Kresby se staly součástí každého jejího dne, staly se nástrojem k meditaci a vnitřní terapii.
Prokreslete se do pohody Kresba za kresbou (Sketch by Sketch) vám pomůže vytvořit systém každodenních cvičení, která vám pomohou se povznést nad negativní myšlenky a vybřednout ze spirály sžíravých emocí. Díky umění propojíte svou pravou a levou hemisféru a odblokujete přirozenou lidskou touhu tvořit, vyjadřovat se a cítit navzdory tomu, že se nepovažujete za umělce.
V knize Kresba za kresbou najdete více než 40 kreslicích výzev na různá témata od naděje po klid, které vám pomohou se spojit se svými emocemi, procvičovat všímavost a směřovat ke změně. S každou další kresbou zjistíte, že dokážete zpracovat své zážitky novým způsobem. Krok za krokem, skicu po skice najdete klid, kreativitu a cestu k léčení své duše.
Sheila Darceyová má více než dvacetileté zkušenosti jako facilitátorka a konzultantka v oblasti technologií a v digitálních agenturách. Její spolupráce se společnostmi z žebříčku Fortune 500 jí pomohla pochopit, co u jednotlivců i týmů pohání transformativní růst. Má bakalářský titul v oboru krásných umění na memphiské univerzitě a také diplom ze sociálně emočních umění (SEA) na UCLA. Obor SEA pomáhá vyučujícím, profesionálům v oboru sociálního umění, praktikům v oboru mentálního zdraví a dalším zájemcům maximalizovat sociálně emoční benefity umělecké tvorby a současně omezovat sebehodnocení a úzkost, které mohou ohrožovat růst a schopnost učení.
Jako spisovatelka, profesorka a instruktorka designu používá doktorka Rachel Smithová principy designu a metafor k podpoře managementu změny a vývoje učení pro širokou škálu studentů a klientů. Doktorka Smithová získala doktorát na UCLA v oboru vedení v oblasti vzdělávání, kde se ve své dizertaci zaměřila na návrh technologických aplikací pro vzdělávání se zaměřením na zkušenosti uživatelů. Má také titul bakalář umění z angličtiny z kalifornské státní univerzity ve Fullertonu, kde se jako vedlejšímu oboru věnovala dětskému vývoji a lingvistice, a titul magistra umění z administrativy se zaměřením na změnový management z kalifornské státní univerzity v Northridge. Její bohaté zkušenosti se vzděláváním, vedením a komunitní prací za posledních dvacet let skvěle doplňují Sheilin cíl i záměr a pomáhají rozšířit návodnou stránku této knihy.
Knock Knock
Souborná publikace Knock, Knock je záznamem aktuálních pozic malířského ateliéru Roberta Šalandy – Lukáše Machalického po pěti letech jeho existence. Snaží se vystihnout živou strukturu ateliéru, nahlíží jeho důležité inspirační zdroje, různorodé pracovní postupy i výslednou tvorbu studentů a studentek, absolventů a absolventek, kteří ateliérem v průběhu let prošli. Dynamickým způsobem přestavuje vizuální pohled do ateliérové „kuchyně. Koncepce grafického rozvržení publikace je v přeneseném slova smyslu komponována jako výstava. Robert Šalanda a Lukáš Machalický vedou společně od roku 2016 Ateliér malířství I na AVU. Oba jsou součástí generace nastupující na uměleckou scénu v období přelomu tisíciletí. Mezi jejich společné aktivity patří od roku 2011 také založení a vedení galerie SPZ.
Dělení těla
Autorská publikace Dariny Alster a Piotra Sikory sdružuje různorodé pohledy na tělesnost v umělecké práci. Tělo je zde chápáno jako nástroj společenské manipulace i samostatné univerzum odrážející vesmírné vlivy. Jednotlivé kapitoly jsou rozděleny podle částí lidského těla. Prostřednictvím textových a vizuálních příspěvků vybraných umělců a umělkyň, teoretiček a teoretiků kniha představuje hlavní teoretická a tvůrčí specifika, kterými lze tematiku tělesnosti v současné době nazírat. Publikace vychází v koedici AVU a FAVU VUT. Darina Alster je vizuální umělkyně a performerka. Spolu s Kateřinou Olivovou vede ateliér Nová média 2 na AVU. Ve své tvorbě se kromě lidského těla zabývá i problematikou genderu a feminismu, které zpracovává v autorských performancích a v projektech uměleckého aktivismu. Je jednou ze zakladatelek kolektivu Mothers Artlovers. Piotr Sikora je kritik a kurátor současného umění. Zkoumá především vztahy mezi popkulturou, politikou a uměleckým světem. Ve své kurátorské praxi se zaměřuje na rozvoj metod pro dekonstrukci velkých narativů, využívá přitom ironii, nadsázku a provokaci.
Peter Blake
A fully updated edition of the most comprehensive illustrated survey of the life and work of Peter Blake, one of Britain's most popular artists.
Since his emergence in the early 1960s as a key member of the Pop Art movement, Peter Blake has become one of the best-known and most popular artists of his generation. Though primarily a painter, he has worked across many media, from drawings, watercolours and collages to sculpture and printmaking, as well as commercial art in the form of graphics and album covers - most notably his design for The Beatles' Sgt. Pepper album in 1967.
Exploring his remarkable creative output from the 1950s to the present, Peter Blake is the most comprehensive illustrated survey available of the life and work of the artist. Marco Livingstone grounds Blake's art firmly in his working-class origins, identifying a yearning for the innocence of childhood in his bittersweet paintings of the early to mid-1950s that depict children reading comics or going to the Saturday matinee at the cinema. From that moment, while studying at the Royal College of Art in London, Blake concerned himself with popular entertainments as subject matter, and as the source of formal solutions, for his paintings. The directness with which Blake gave expression to his enthusiasms for mass culture during the 1950s brought him to the forefront of the Pop Art movement before it had even been named, and independently of the investigations into similar areas by other British, American and European artists. The radical nature of his collage paintings of 1959-62, in particular, in which he combined existing imagery from popular culture with unapologetically bold and bright colours, made him a singularly influential figure within British Pop.
This fully updated edition includes a new chapter on what the artist has jokingly styled his 'Late Period', in which Blake has continued to mine the many strands of his art with undiminished energy and completed some of his most ambitious long-standing projects. As well as the sheer scale of Blake's production, what becomes clear is the kaleidoscopic variety of subject matter, form and medium to be found in his work, its humour and friendly appeal, and, above all, its celebration of life and humanity.
Čo to vlastne zbierame?
Nová kniha novinára a zberateľa Ivana Melicherčíka (78) ČO TO VLASTNE ZBIERAME? sa opäť zaoberá fenoménom zberateľstva umenia. Autor tak voľne nadväzuje na svoje tri predchádzajúce knihy s rovnakou témou – ZBERATEĽ, PRÍBEH BEZ KONCA (2018), ZBERATEĽ alebo ZMLUVA S DIABLOM (2012) a O ZBERATEĽSTVE alebo DELIRIUM COLLECTORIS (2004). Tentoraz ide o súbor krátkych postrehov, myšlienok, príbehov, úvah, kritických glos či skúseností súvisiacich so zberateľstvom, vášňou, čo si zahráva so zdravým rozumom. Sám autor zápasí s touto šťastnou a zároveň prekliatou diagnózou už bezmála polstoročie. V knihe si opäť všíma svetlé i tmavšie stránky zberateľskej vášne, píše o otáznikoch spojených s výtvarnou kritikou a dejinami umenia, o manipulácii médií, o prehnanom sebavedomí výtvarných umelcov a ich často lživom marketingu, o aktuálnom obchode s umením a podvodoch v ňom, o manipulácii médií, o boome súkromných galérií, ktorý neoslabila ani pandémia... Viac ako 250-stranová kniha o umení zbierať umenie je ilustrovaná dokumentárnymi fotografiami i reprodukciami výtvarných diel.
Jedinou dramaturgiou knihy je voľný priebeh poznámok a nápadov, tak ako si ich Ivan Melicherčík náhodne zaznamenával do notesu počas posledných troch rokov. Sú striedme, možno tematicky na prvý pohľad nesúrodé, kritické i adresné, majú humor, jednoducho sú plodom bleskového nápadu, ktorý autorovi práve preletel hlavou. Aktuálne zamyslenia bez kapitol napísalo pero novinára a zberateľa a nie teoretika umenia. O to viac budú mať bližšie k zberateľovi i čitateľovi, ktorý má rád umenie.
Banksy
The largest presentation of works by Banksy, the world’s most enigmatic yet highly sought-after artist, including iconic works, installation objects, ephemera, and memorabilia all in one volume.
Banksy is the world’s most discussed artist of recent decades, and this seminal collection features hundreds of works including Girl with Balloon, Pulp Fiction, Love Is in the Air, Barcode, and Monkey Queen. It also includes scores of paintings, serigraphs, stencils, and installation objects as well as a selection of memorabilia—many of which have never been published previously. Created with the cooperation of Pest Control, the group that manages all things Banksy, this is as official and authorized as any Banksy publication could be.
Banksy is the world’s greatest practitioner of street art. His work has always been political, involving pointed critiques of inequality, injustice, consumerism, and the establishment, yet no one knows his identity. He is an exemplary case of fame and notoriety built upon absence and anonymity. His relationship with the art market is also complex: marked by mocking hostility while being one of the most marketable and most collected contemporary artists.
Art: Explained
Why did Michelangelo paint the Sistine Chapel, or Rembrandt obsess over painting his own image? What's the secret behind the Terracotta Army, or Andy Warhol's soup cans? Art: Explained offers straightforward and satisfying answers to 100 of these fascinating questions. If you've ever looked at an art masterpiece in awe, but wondered just what it means, here is your guide.
Renoir. 40th Ed.
Pierre-Auguste Renoir's (1841-1919) timelessly charming paintings still reflect our ideals of happiness, love, and beauty. Derived from our large-format volume, the most comprehensive retrospective of his work published to date, this compact edition examines the personal history and motivation behind the legend. Though he began by painting landscapes in the Impressionist style, Renoir found his true affinity in portraits, after which he abandoned the Impressionists altogether. Though often misunderstood, Renoir remains one of history's most well-loved painters-undoubtedly because his works exude such warmth, tenderness, and good spirit.
In an incisive text tracing the artist's career and stylistic evolution, Gilles Neret shows how Renoir reinvented the painted female form, with his everyday goddesses and their plump contours, rounded hips and breasts. Renoir's later phase, marked by his return to the simple pleasure of the female nude in his Bathers series, was his most innovative and stylistically influential, and would inspire such masters as Matisse and Picasso.
With a complete chronology, bibliography, photos, sketches, and brilliant reproductions, this is the essential work of reference on this enduring master artist.
About the series
TASCHEN is 40! Since we started our work as cultural archaeologists in 1980, TASCHEN has become synonymous with accessible publishing, helping bookworms around the world curate their own library of art, anthropology, and aphrodisia at an unbeatable price. Today we celebrate 40 years of incredible books by staying true to our company credo. The 40 series presents new editions of some of the stars of our program-now more compact, friendly in price, and still realized with the same commitment to impeccable production.
(Nothing But) Flowers
An opulent, joyful homage to the many ways of painting flowers, from Charles Burchfield to Amy Sillman
“Flowers are always working in the service of the passage of time,” writes Helen Molesworth in the opening pages of (Nothing but) Flowers. “In all of the paintings in this book where flowers are depicted, innocently standing in their vases, the minor gestures of gathering, arranging and display can be seen as a verb list dedicated to world-building.” This clothbound volume gathers paintings of flowers by more than 50 artists from Charles Burchfield to Amy Sillman, Joe Brainard to Lisa Yuskavage, who have explored the perennial appeal of this richest and yet simplest of subjects. (Nothing but) Flowers demonstrates the capacity of the humble botanical motif to capture sorrow, stimulate rehabilitation, and guide us through periods of mourning, celebration and rebirth. Writers Hilton Als, Helen Molesworth and David Rimanelli contribute meditations on the many resonances of flowers in art.
Artists include: Gertrude Abercrombie, Marina Adams, Henni Alftan, Ed Baynard, Nell Blaine, Dike Blair, Vern Blosum, Joe Brainard, Cecily Brown, Charles Burchfield, Matt Connors, Andrew Cranston, Ann Craven, Stephanie Crawford, Somaya Critchlow, Verne Dawson, Lois Dodd, Peter Doig, Nicole Eisenman, Ida Ekblad, Minnie Evans, Marley Freeman, Jane Freilicher, Mark Grotjahn, James Harrison, Lubaina Himid, Samuel Hindolo, Reggie Burrows Hodges, Max Jansons, Ernst Yohji Jaeger, Sanya Kantarovsky, Alex Katz, Karen Kilimnik, Zenzaburo Kojima, Matvey Levenstein, Shannon Cartier Lucy, Calvin Marcus, Helen Marden, Jeanette Mundt, Soumya Netrabile, Woody De Othello, Sanou Oumar, Jennifer Packer, Nicolas Party, Hilary Pecis, Richard Pettibone, Elizabeth Peyton, Amy Sillman, Elaine Sturtevant, Tabboo!, Honor Titus, Uman, Susan Jane Walp, Stanley Whitney, Jonas Wood, Matthew Wong, Albert York, Manoucher Yektai and Lisa Yuskavage.
