Najnovšie - Výtvarné umenie - Maliarstvo, grafika strana 30 z 70
Maliarstvo, grafika 
Sochárstvo, plastika 
Street art, graffiti
zobraziť:
Post Scriptum
Publikace Jiřího Sozanského je bohatě ilustrovaná jeho díly od 70.tých let minulého století až po nejnovější práce. Textová část, která je rozsáhlá, zahrnuje vzpomínky autora na dětství a dospívání v období totality, jeho postoje a umělecký vývoj, neodmyslitelné od občanského postoje.
Významný je textový a výtvarný obraz matky zpřítomňovaný touto knížkou, který nenaplňuje běžná očekávání, jaké by mohlo být vzpomínání na matku; většina záznamů navíc přesahuje téma matky a života s matkou, dětství, dospívání, jde více o záznamy profesního života v dobách nepříznivých, či méně nepříznivých, který začal před vytouženým a vybojovaným vstupem na AVU. Matka v knížce není záchrana, idylická síla, sentimentální vzpomínka. Je to existující fakt života, nejde jej odmítnout, ani překročit, ani idealizovat. Přesto je kniha poctou matce.
The Happy Girl. The Unhappy Girl.
Publikácia je nominovaná na výročnú cenu časopisu Pamiatky a múzeá 2020. Vydaniu
katalógu predchádzala rovnomenná výstava, nad ktorou prevzalo záštitu Britské veľvyslanectvo na
Slovensku. Aj tento edičný projekt bol podporený z verejných zdrojov Fondom na podporu umenia.
Slovenský text vrátane registrov a konkordancie sprevádza anglický preklad. Zahŕňa všetky
grafické diela vo fonde galérie, ktoré s Britskými ostrovmi spája autor predlohy, rytec alebo
vydavateľ. Sú zoradené v súvislostiach, ktoré naznačila štruktúra zbierky, teda sčasti chronologicky,
sčasti tematicky, resp. vzhľadom na žáner. Najstaršie listy pochádzajú z knižného vydania
Vergíliových veršov v anglickom preklade Johna Drydena z roku 1697. Ďalším relatívne uceleným
súborom grafických listov je sedem vedút s najvýznamnejšími architektonickými dielami v Dubline
od dielo popredného írskeho grafika a rytca Jamesa Maltona, ktoré vytvoril v 90. rokoch 18.
storočia. V kolekcii však prevládajú portréty. Ilustrujú dejiny ostrovnej monarchie v dobe, keď
vznikli. To bol účel, pre ktorý ich v 19. storočí vydával Hermann Julis Meyer ako súčasť
populárnych konverzačných príručiek. Pozornosť však treba obrátiť najmä na veľký grafický list,
reprodukujúci podobizeň vojvodkyne z Devonshiru od Joshua Reynoldsa. Katalóg voľne nadväzuje
na katalóg talianskej grafiky z roku 2019. Na záver vysvetlenie: zelená farba obálky je farbou
zberateľskej pečiatky Ernesta Zmetáka.
Rejtett mintázatok - A hálózati gondolkodás nyelve - BarabásiLab
Barabási Albert-László kutatásainak köszönhetően a világ ma másképpen tekint a hálózatokra.
Az elmúlt évtizedek egyik legígéretesebb tudományos módszertani újdonságának a hálózatkutatás és hálózati vizualizáció bizonyult, ami hatékony eszköznek tűnik kulturális, társadalmi jelenségek, így a képzőművészeti színtér vizsgálatához is.
Barabási Albert-László - a BarabásiLab munkatársaival - kifejlesztette a komplexitás vizuális szókincsét, amit úttörő kutatásai ihlettek a fehérje-kölcsönhatásoktól kezdve az álhírek terjedéséig. A kétdimenziós vizualizációik és 3D adatszobrok lehetővé tették, hogy lássuk, miként működnek valójában az életünket irányító komplex rendszerek.
A Rejtett mintázatok a BarabásiLab vizuális nyelvének evolúcióját dokumentálja. A kötet a BarabásiLab munkájának retrospektív kiállítása alkalmából jelenik meg, amely a budapesti Ludwig Múzeumban debütált, majd a németországi Karlsruhe Művészeti és Médiaközpontjába utazik. A gazdagon illusztrált összeállítás több tucat színes képet és ábrát tartalmaz, a művészet és a formatervezés világa vezető hangjainak kommentárjaival és kurátorok magyarázataival.
A hálózati vizualizáció alakulásának és fejlődésének nyomon követésével - a BarabásiLab meghatározó projektjeinek bemutatásán keresztül - az átfogó módszer képzőművészeti alkalmazásához juthat el az érdeklődő. Barabási kutatásaiban többnyire láthatatlan összefüggések keresése, az ismétlődő mintázatok felderítése áll a középpontban, amelyek összekapcsolják a természetet, a társadalmat, a nyelvet és a kultúrát. A hálózati szemlélet olyan átfogó, univerzális módszerrel kecsegtet, amelynek segítségével szinte minden összefüggés (pl. a művészeti karrierek sikeressége) természettudományos precizitással vizsgálható.
Hockney
Pop artist, painter of modern life, landscape painter, master of color, explorer of image and perception-for six decades, David Hockney has been known as an artist who always finds new ways of exploring the world and its representational possibilities. He has consistently created unforgettable images: works with graphic lines and integrated text in the Swinging Sixties in London; the famous swimming pool series as a representation of the 1970s California lifestyle; closely observed portraits and brightly colored, oversized landscapes after his eventual return to his native Yorkshire. In addition to drawings in which he transfers what he sees directly onto paper, there are multiperspective Polaroid collages that open up the space into a myriad of detailed views, and iPad drawings in which he captures light using a most modern medium-testaments to Hockney's enduring delight in experimentation.
This special edition has been newly assembled from the two volumes of the David Hockney: A Bigger Book monograph to celebrate TASCHEN's 40th anniversary. Hockney's life and work is presented year by year as a dialogue between his works and voices from the time period, alongside reviews and reflections by the artist in a chronological text, supplemented by portrait photographs and exhibition views. Together they open up new perspectives, page after page, revealing how Hockney undertakes his artistic research, how his painting develops, and where he finds inspiration for his multifaceted work.
About the series
TASCHEN turns 40 this year! Since we started our work as cultural archaeologists in 1980, TASCHEN has become synonymous with accessible publishing, helping bookworms around the world curate their own library of art, anthropology, and aphrodisia at an unbeatable price. In 2020, we celebrate 40 years of incredible books by staying true to our company credo. The 40 series presents new editions of some of the stars of our program-now more compact, friendly in price, and still realized with the same commitment to impeccable production.
Mark Rydens Super Spirit Animals
Mark Ryden returns with 20 new incredible portraits of creatures.
From his Snow Yak to his very personal interpretation of the California bear, for more than 20 years Mark Ryden has populated an incredible "pop surrealist" bestiary of half-animal, half-plush creatures. Freely inspired by the Rushton toys that enjoyed their heyday in America in the '60s and '70s, these creatures are now the object of a cult worship among fans of the artist, and are one of his marks of distinction in the world of contemporary art.
This book reveals the details and backgrounds of the 20 new paintings Mark Ryden has created for his 2020's show at Emmanuel Perrotin's gallery in Shanghai, but also some of his most iconic master-pieces showcasing yaks and others creatures of his own mythology.
With a statement essay from the artist and an introduction by Takashi Murakami ("the Warhol of Japan"), this "little pink book" will become an instant classic for the lovers of contemporary art and surrealism.
CIPÁR & LOGO.ETC
Publikácia venovaná rozsiahlemu celoživotnému dielu Miroslava Cipára v oblasti grafického dizajnu obsahuje komplexne spracovanú prezentáciu značiek, symbolov a logotypov. Jej cieľom je predstaviť Miroslava Cipára ako grafického dizajnéra - autora dnes už ikonických logotypov a symbolov (SNG, BHS, BIB, GMB a pod.) - a to nielen prostredníctvom dizajnérskej tvorby, ale aj cez textovú časť zameranú na jej teoretickú analýzu a reflexiu. Kniha CIPÁR&LOGO.ETC, ktorá vychádza v spolupráci so Slovenským centrom dizajnu, tak predstavuje výrazný zdroj poučenia a inšpirácie pre súčasné i budúce generácie tvorcov vizuálnej komunikácie na Slovensku i v zahraničí.
Reflections: contemporary art of the Middle East and North Africa
Reflections: Contemporary Art of the Middle East and North Africa brings together an extraordinary collection of work from the British Museum for the first time. The contemporary art of the Middle East and North Africa is rich and vibrant. Whether living in their countries of birth or in diaspora, the featured artists are part of the globalised world of art. Here we see artists responding to and making work about their present, histories, traditions and cultures, reflecting on a part of the world that has experienced extraordinary change in living memory.
The British Museum has been acquiring the work of Middle Eastern and North African artists since the 1980s, and the collection - principally works on paper - is one of the most extensive in the public sphere. Collected within the context of a museum of history, the works offer insights into the nature of civil societies, the complex politics of the region, and cultural traditions in their broadest sense, from the relationship with Islamic art, to the deep engagement with literature.
The introduction to the book by curator Venetia Porter explores the history of the collection and the works included. The essential framework for understanding the politics and context within which the artists are working is provided by Charles Tripp's essay. The works are grouped into seven chapters, each beginning with a short introduction. The authors explore the selection within themes such as faith, abstraction and the female gaze.
Silvia Krivošíková
Tvorba Silvie Krivošíkovej je pomerne pestrá. Zahŕňa kresby, maľby, koláže, asambláže, priestorové objekty a inštalácie. Napriek tomu, že vo svojej tvorbe kladie zásadný dôraz na médium maľby, symbolickým previazaním jednotlivých diel je vzťah medzi plochou a priestorom. Jej diela sa tematicky viažu k priestoru, formám, tvarom, ale aj k práci s farbou, výrazne ich spája téma, častokrát s osobným charakterom. Obrazy Silvie Krivošíkovej sa nedajú označiť čisto za figuratívne alebo za abstraktné, každé jej dielo si prechádza touto polaritou čerpajúcou ako z figuratívnej maľby, taktiež aj z abstraktných foriem. Ako samostatná individuálna tvorkyňa stavia vo svojich dielach svojbytnú kvalitu, slobodne nakladá s kultúrnym odkazom, do foriem vkladá osobnú autorskú, hravú dimenziu. Autorka vytvára svieže možnosti a kvalitu súčasnej maľby. Monografia obsahuje sprievodný text kurátora a teoretika umenia Petra Vaňousa v anglickom a českom jazyku.
Na sklade 1Ks
20,00 €
Ferdinand Hložník
V týchto dňoch vychádza vo vydavateľstve Design friendly očakávaná a potrebná monografia o živote a diele jednej z najvýraznejších osobností nášho moderného umenia, maliara Ferdinanda Hložníka. Autorom rozsiahlej publikácie je prof. Ľudovít Petránsky, ktorý doteraz napísal tri knihy o staršom bratovi Ferdinanda, Vincentovi Hložníkovi. Autorom citlivej grafickej úpravy je Peter Bližnák.
Prítomná monografia o živote a diele Ferdinanda Hložníka je vlastne prvou publikáciou tohto druhu v umenovednej spisbe. Kniha, ktorá má takmer štyristo strán, je zostavená z textovej a obrazovej časti, ktoré v podstatnej miere odrážajú vznik a vývoj umelcovej tvorby. Maliarova práca je citlivo interpretovaná v kontexte doby a výtvarného úsilia jeho Generácie ale aj mladších umelcov. Publikovaný výskum ukazuje, že Ferdinand Hložník v šesťdesiatych a ďalších rokoch minulého storočia nielen bol názorovo príbuzný s mladšími, ale neraz aj iniciatívnejší. Na základe vlastného tvorivého programu dokázal syntetizovať umeleckú problematiku domáceho a európskeho maliarstva.
Text knihy na základe priekopníckeho vedeckého výskumu je písaný pútavo a je prístupný pre široké vrstvy čitateľov. Prináša novátorský pohľad nielen na pramene Hložníkovho diela, ale aj veľkej časti nášho moderného umenia.
Cesta ke slovenskému mýtu
Publikace se zabývá formováním programově slovenské výtvarné moderny v období první Československé republiky (19181938) v kontextu oficiální ideologie čechoslovakismu a ve vztahu k českému výtvarnému umění. Pro mnohé umělce, teoretiky a historiky umění na území Slovenska, kteří jako součást inteligence cítili povinnost v nově zformovaném státě vytvářet a potvrzovat národní identitu prostřednictvím umění, bylo hledání slovenskosti v umění zásadní. Toto hledání bylo ovlivněno charakterem česko-slovenských kulturních vztahů, vzájemnými nedorozuměními a stereotypy. Podoby slovenského modernismu se utvářely v úzké vazbě na českou modernu a zároveň jako rezistence vůči ní. V tomto smyslu můžeme zdůrazňování slovenskosti ve výtvarném umění, a to i důrazem na námět, považovat za snahu nesplynout umělecky s proudem české moderny. Tato studie tak sleduje, jakým způsobem se konstruuje národní identita prostřednictvím výtvarného umění a jakou roli při tom sehrává širší kulturní a politické pozadí uměleckého provozu.
Makrosvět - plakáty a grafika
Sedmdesátiletý junior Ano, je to tak. Jan Rajlich v tomto roce slaví sedmdesátiny. Chtělo by se říci: v plné svěžesti tvůrčí, pedagogické a v řadě dalších činností, např. neúnavné organizační, dokumentační a Jak by také ne, když přídomek mladší, junior (jr.) mu zůstane už na celý život. Je to pochopitelně proto, že se již v opravdu mladém věku vydal na obdobnou profesní dráhu jako jeho otec, jehož sté výročí narození si v tomto roce také připomínáme a který se dožil úctyhodného věku devadesáti šesti let. Práce obou Rajlichů je sice dobře rozlišitelná, ale protože se léta oba současně účastnili řady mezinárodních bienále, trienále i spolkových výstav (SBB, Sdruženi Q) a uskutečnili i několik výstav společných ve dvojici či skupině více tvůrců rodu Rajlichů, pro brněnské J. R. se rozlišeni starší a mladší zcela přirozeně vžilo a je tak také uváděno v desítkách a stovkách katalogů a dokumentů. Říkejme tedy pro zjednodušení nadále mladšímu: Honza Vzpomínám si: za necelou desítku sezon jsme ve spolupráci s HaDivadlem Brno uspořádali jako Sdruženi Bienále Brno celou řadu výstav. Spolkových, autorských i tematických. Protože Honza byl vedle dalších aktivních, především brněnských, kolegů jedním z těch, kteří se na jejich přípravě pravidelně podíleli, není divu, že k některým navrhoval i propagaci. V té době působily v divadle také dvě mladé a milé ženy, které nám organizačně i jinak pomáhaly. Schylovalo se k vernisáži výstavy Novoročenky PF06!. Postával jsem s těmi dámami ve foyer před plakátem, který navrhl právě Honza. Plakát nese v tiráži údaj Design: Jan Rajlich, Jr. 2005. A děvčata ho komentovala: To je hezké, že váš spolek dává příležitost také dětem V tu chvíli po schodech přicházeli oba pánové Rajlichové a já jsem dívkám vysvětlil, že se musím jít pozdravit s panem Rajlichem starším a jeho (tehdy pětapadesátiletým) dítětem a smál jsem se. A ony se začaly překotně omlouvat. Nemusely objevily nebo jen správně vycítily jednu (velmi podstatnou) z vrstev, která se Honzovou výtvarnou prací vine jako jedna z jeho červených nití. Mám na mysli tu vrstvu, která si ve své mladistvé, někdy až bezstarostně dětské hravosti zachovává věčné mládí. Domníval jsem se, že touto vzpomínkou bych mohl svoji poznámku k Honzově práci vlastně zakončit, neboť jsem si téměř jist, že dalšími neméně důležitými vrstvami Honzových výtvarných prací (filozofii, humorem, formou, obsahem a technikami) se budou podrobněji i odborněji zabývat ostatní přispěvatelé této jubilejní knihy. Jenže teprve nedávno jsem měl možnost se poprvé po rocích naší známosti a spolupráce seznámit s ukázkami jeho rané i velmi rané tvorby. Odhlédnuto od několika dílek, která jsou vlastní snad většině dětí, obsahují tyto skicáky počáteční krajinářské záznamy, které se po celou dobu misí s portréty (převážně otce a dalších rodinných příslušníků, v dobách pozdějších pak budoucí nyní už řadu let současné manželky Aleny) a s kresbami, kde se to figurami a figurkami jen hemží, a to i když ony třeba leží. Podle používané techniky a materiálů jsou v nich rychle, jen jakoby psané záznamy tenkými či robustními tahy a jemnými či ostrými barevnými plochami a skvrnami. Vedle nich jsou ovšem zcela jasně vymezené kompozice, opět kreslené i malované, které svojí stavbou již nesou znaky zcela dokončených listů. (Při záznamech z cest je v jejich přesném vnímání prostoru už patrný odkaz k jeho pozdějším studiím architektury a designu.)
Schiele
After Egon Schiele (1890-1918) freed himself from the shadow of his mentor and role model Gustav Klimt, he had just ten years to inscribe his signature style into the annals of modernity before the Spanish flu claimed his life. Being a child prodigy quite aware of his own genius and a passionate provocateur, this didn't prove to be too big a challenge.
His haggard, overstretched figures, extreme depiction of sexuality and self-portraits, in which he staged himself with emaciated facial expressions bordering between brilliance and madness, had none of the decorative quality of Klimt's hymns of love, sexuality and yearning devotion. Instead, Schiele's work spoke of a brutal honesty, one that would upset and irreversibly change Viennese society.
Although his works were later defamed as "degenerate" and for a time were almost forgotten altogether, they influenced generations of artists-from Gunter Brus and Francis Bacon to Tracey Emin. Today, his then misunderstood oeuvre continues to fetch exorbitant prices on the international art market.
This monograph, first published in an XL edition, is now available in a slightly abridged, more compact edition to celebrate TASCHEN's 40th anniversary and features the paintings and drawings that retrace the fertile last decade of Schiele's life. These works are accompanied by essays introducing his life and oeuvre, situating the Austrian master in the context of European Expressionism and charting his extraordinary legacy.
About the series
TASCHEN turns 40 this year! Since we started our work as cultural archaeologists in 1980, TASCHEN has become synonymous with accessible publishing, helping bookworms around the world curate their own library of art, anthropology, and aphrodisia at an unbeatable price. In 2020, we celebrate 40 years of incredible books by staying true to our company credo. The 40 series presents new editions of some of the stars of our program-now more compact, friendly in price, and still realized with the same commitment to impeccable production.
Baroque 1600-1780
The baroque period spanned the whole of Europe from 1600 to 1780. Beginning with Italian artists who brought drama to painting through dynamic compositions and pronounced contrasts between light and dark, the baroque was later exported by countless artists to their own countries, where the new style developed in very different ways. With its monumental historical paintings and magnificent portraits, catering to sovereign desires for splendor and demonstrations of both secular and religious power, the baroque rose to become the style of European court art. The latest phase of the baroque, known as rococo, began in about 1720 and was characterized by an increased sense of playfulness and intimacy.
French Painting 1830 - 1920
With over 450 works, this volume deals with the most important trends and groups in French painting from the middle of the 19th century to the first years of the 20th century: naturalism, realism, impressionism, postimpressionism, symbolism, or the Nabis. This is development is illustrated in the most beautiful paintings by Corot, Monet, Degas, Gauguin, Toulouse-Lautrec, Cézanne, Bonnard and many other painters.
Louvre
With more than eight million visitors a year, the Louvre is the museum with the most visits in the world. Its extensive collection of paintings reflects the history of European art from the 13th to the early 19th century. With over 400 plates, detail images, and descriptions, this volume provides an overview of the Louvre's collection of paintings.
Codex Aigas
Soubor autorských knih z Ateliéru ilustrace a grafiky UMPRUM 20032018
Tato česko-anglická publikace mapuje historii vydávání tiskovin, které vznikly na půdě Ateliéru ilustrace a grafiky UMPRUM - autorské knihy, komiksy, ziny, ilustrované texty, experimentální zlomky a noviny, individuální i kolektivní projekty. Jde o podstatné ukázky z nedávných dějin ateliéru, kniha však obsahuje také soupis všech autorských tiskovin v tomto ateliéru vzniklých.
Soubor doplňují texty Jana Rouse, Juraje Horvátha a Jana Čumlivského, rozhovory s dílenskými mistry Katedry grafiky, fotografie dílen, přehled absolventů
Grafická úprava Jan Čumlivski a Juraj Horváth.
How to Be a Children's Book Illustrator
In this visually captivating volume, a vibrant selection of loved and revered children's book illustrators reveals the secrets of their narrative techniques. Divided into a series of enchanting sections each created by individual illustrators, this unique and gift-worthy book tells the story of how to successfully depict narrative and compel an audience through visual art. Marvel at how composition and environment can create suspense, and how color, visual hierarchy, and symbolism can tell a story beyond just the action.
Learn how to inject dynamism and emotion into your illustrations to tell a tale that isn't just engaging, but is memorable and one that transcends generations.
Lavishly illustrated and with a luxurious finish, How to Be a Children's Book Illustrator is ideal for book lovers in general as well as anyone looking to unlock the secrets of children's book illustration.
Warhol
Andy Warhol je hlavný predstaviteľ popartového hnutia. Ako kreatívny a kritický pozorovateľ americkej spoločnosti dokázal stvárniť aktuálne témy, ako sú spotreba, materializmus, médiá a celebrity. Venoval sa reklame, komiksom, potlači predmetov bežnej spotreby, portrétoval najslávnejšie tváre Hollywoodu, a tým všetkým prispel k radikálnemu prehodnoteniu toho, čo je a čo nie je umelecké dielo. Práve vďaka Warholovi sa plechovka Campbellovej polievky a fľaša Coca-Coly stali objektami s rovnakou umeleckou hodnotou ako predmety na klasických zátišiach.
Spolu s tým Warhol radikálne zmenil vnímanie samotného umelca. Svojou slávnou vetou „chcem byť stroj“ dal najavo opovrhnutie voči konceptu autorstva. Pracoval metódami masovej produkcie, mal desiatky asistentov a svoje štúdio rád nazýval fabrikou. Táto kniha prináša pohľad do Warholovho rozsiahleho a pestrofarebného životného diela, ktoré do umenia vnieslo témy ako bývanie, výroba a konzum, a tak úplne prehodnotilo vnímanie „vysokého“ a „nízkeho“ umenia.
