Najnovšie - Dejiny, teória umenia strana 22 z 32
zobraziť:
Bauhaus Imaginista
Bauhaus Imaginista is a major international project marking the centenary of this fascinating and popular school, which championed the idea of artists working together as a community. The Bauhaus reconnected art with everyday life, and was active in the fields of architecture, performance, design and visual art. Its original teachers included such renowned figures as Paul Klee, Wassily Kandinsky, Laszlo Moholy-Nagy and Josef Albers.
Placing a rare emphasis on the international dissemination and reception of the Bauhaus, this book accompanies a touring exhibition, and presents four chapters that extend from Bauhaus education to the school's diverse history beyond Europe. Rethinking the Bauhaus school from a global perspective, it sets the school's entanglements against a century of geopolitical change. The reader is taken to art and design museums, campus galleries and art institutes in India, Japan, China, Russia, Brazil and the United States, as well as Berlin.
Landscapes in Oil
Landscapes in Oil is the first-ever comprehensive guide to classical landscape painting reinterpreted for the twenty-first century. Drawing from the tradition established by American painters of the Hudson River School - artists like Thomas Cole, Frederic Church, and George Inness - author and painter Ken Salaz reveals great masters' philosophy and methods, updating their approaches for the contemporary landscape painter. Beginning painters are given the basic tools and step-by-step demonstrations, intermediate painters are challenged with unpublished techniques that allow them to break through to the next level, and advanced painters learn to apply their skills under unified theories.
Landscapes in Oil devotes a chapter to each of the fundamental elements of landscape painting - drawing, value, color, composition, and light quality - and offers critical advice on selecting tools and materials, choosing colors, and structuring your palette for best results. Emphasizing the necessity of plein air drawing and painting, Salaz demonstrates how to translate small, quick studies made outdoors into full-scale studio paintings. He provides detailed step-by-step breakdowns of the creation of four of his own paintings, focusing not only on application but also on the ideas that underpin every decision a landscape painter must make.
The scores of landscape masterworks, past and present, that illustrate this book have been carefully chosen for their aesthetic power and because each embodies a specific aspect of the landscape painter's craft. For Salaz, landscape painting is a noble pursuit, and the goal of the landscape artist is not to paint "pretty pictures" but to create compelling images that express human beings' profound connection to nature in all its diversity and grandeur. At a time when classical landscape is enjoying a renaissance in art schools, ateliers, and galleries across North America, this book is an essential resource for beginning and experienced painters alike.
The Short Story of Modern Art
The Short Story of Modern Art explains the how, why and when of modern art - who introduced certain things, what they were, where they were produced, and why they matter.
Simply constructed, the book explores 50 key works - from the realist painting of Courbet to a contemporary installation by Yayoi Kusama - and then links them to the most important movements, themes and techniques. Accessible, concise and richly illustrated, the book reveals the connections between different periods, artists and styles, giving readers a thorough understanding and broad enjoyment of modern art.
Seven Keys to Modern Art
As artists push further and further beyond their, and our, comfort zones, this book aims to help decipher the bizarre and often intimidating aspects of modern and contemporary art by exploring twenty works of art in terms of seven `keys'. History, biography, aesthetics, experience, theory, criticism and the market represent conventional `modes of existence' for every artwork discussed, but in a fascinating variety of ways. Simon Morley shows how twenty well-known but little-understood works of art can serve as useful springboards not only for understanding each other, but also for appreciating works by the same artists, and from the wider world of art in general.
Rather than proceeding on the basis of familiar art `movements' or `-isms', Morley focuses on just twenty individual works of art, from Matisse's The Red Studio to Doris Salcedo's Untitled. Representing a variety of media, styles, subjects and intentions, being the creations of men and women of different periods and places, coming from disparate social and ethnic backgrounds, these works show a rich diversity in modern and contemporary art.
Kariéra s paletou
Velkým tématem moderní doby se po roce 1800 stal sám umělec, jeho postavení ve společnosti i budování jeho uměleckého sebevědomí tváří v tvář anonymnímu publiku. Svou roli sehrála nově zavedená veřejná prezentace děl na uměleckých výstavách či téma institucionalizace a reflexe uměleckého provozu. Více či méně stylizované a inscenované obrazy, jejichž prostřednictvím umělci zachycovali prosazování vlastní profese ve společnosti, zahrnují zobrazení sebevědomého tvůrce, romantickou introspekci sebe sama i oslavování a kritiku ikon uměleckého i národního společenství. Kritické analýzy různých fází a souvislostí tohoto vývoje jsou opakovaně součástí uměleckohistorického bádání, stejně tak jako jsou v hledáčku i příbuzných oborů. Kniha s texty od předních odborníků na dané období si klade za cíl uchopit toto téma z různých současných pohledů a ukázat ho v přesazích propojujících české umění s evropským kontextem.
Kniha vychází ve spolupráci se Západočeskou galerií v Plzni a Ústavem dějin umění AV ČR, v. v. i.
Oskár Čepan a výtvarné umenie
Dvojzväzková knižná edícia sa zameriava na výtvarno-teoretické myslenie Oskára Čepana, významného teoretika a historika literatúry a výtvarného teoretika i kritika. Prvý zväzok je súborným vydaním jeho pôvodných prác o výtvarnom umení vrátane výberu z doposiaľ nepublikovanej korešpondencie. Druhý zväzok obsahuje všetky edičné súbory pripravené O. Čepanom a preložené Nadeždou Čepanovou, okrem iného aj doteraz nevydanú, počas normalizácie zošrotovanú edíciu „Tatlinova iniciatíva“. Druhý zväzok knižnej edície, ktorá vychádza v spolupráci s VŠVU, dopĺňajú historicko-teoretické štúdie zhodnocujúce neodškriepiteľný prínos Oskára Čepana do slovenskej výtvarnej kultúry a jej reflexie.
Liptov ľudové umenie Folk Art
To čo sa v súčasnosti nazýva ľudovým umením, bolo v minulosti súčasťou každodenného života človeka. Ľudový výrobca pracoval s praktickým cieľom a jeho výrobky charakterizoval dokonalý súlad materiálu a techniky, funkcie a výzdoby. Každá vec ktorú zhotovil, musela byť taká, aby slúžila a aj ukázala, spájala sa v nej krása materiálu, výzdoby a účelnosti. Ľudia v Liptove spracovávali prírodné materiály a zhotovovali predmety, ktoré im slúžili v každodennom živote. Najpoužívanejšie boli predmety z dreva potrebné v domácnosti a gazdovstve, ale aj nábytok. Z prútia, korienkov a slamy sa plietli koše a košíky, hrnčiari robili a vypaľovali hlinené krčahy, misy, hrnce, pekáče a aj kachlice. Ovčiari si vyrezávali salašnícky riad, formy na oštiepky a črpáky na žinčicu. Ich oblečenie charakterizovala tzv. valaská paráda – bohato zdobené opasky, kapsy, klobúky, pracky a spony. Z ovčej vlny ľudia robili súkno, ktoré im slúžilo na odievanie, šili si z neho zimnú obuv a tiež používali ako prikrývky. Z koží oviec zruční remeselníci šili veľké mužské a ženské kožuchy, ale aj zdobené vesty bez rukávov. Ženy spracovávali ľanové a konopné vlákna, tkali z nich plátno, ktoré ozdobovali vytkávanými alebo vyšívanými vzormi. Modrotlačiari farbili biele plátno a potláčali ho krásnymi farebnými vzormi. Je potešiteľné, že takmer všetky výrobné a remeselné techniky a postupy sa v regióne uchovali až do súčasnosti ako živá tradícia.
Úvodné texty ku každej kapitole sú v anglickom jazyku.
Art of Renaissance Florence
In this vivid account Scott Nethersole examines the remarkable period of cultural, artistic and intellectual blossoming in Florence from ca.1400 to 1520 - the period traditionally known as the Early and High Renaissance. He looks at the city and its art with fresh eyes, presenting the well-known within a wider context of cultural reference. Key works of art - from painting, sculpture and architecture to illuminated manuscripts - by artists such as Michelangelo, Donatello, Botticelli and Brunelleschi are showcased alongside the unexpected and less familiar.
Lieb Ferenc. Egy rokokó festő Felső-Magyarországon
Lieb Ferenc új szereplő a 18. századi magyarországi művészet történetében: kastélyok és templomok rokokó falképeinek a közelmúltban azonosított mestere. A gazdagon illusztrált kismonográfia bemutatja az Iglóról Miskolcra, majd Leleszre vándorolt festő eddig megismert életművét, középpontban az edelényi kastély nemrég restaurált kifestésével. Lieb jelentős munkái még a monoki Andrássy-kastély, a tőketerebesi pálos rendi templom és a taktabáji református templom fal- és mennyezetképei az 1770-es, 1780-as évekből. A falképek stílusa, technikája, dokumentumértéke külön fejezetet kapott a könyvben, akárcsak az alkotó családjával, megbízatásaival kapcsolatos levéltári források közlése. Az eredeti tehetségű, vidéki festőről még korántsem tudunk mindent, ám díszítő- és mesélő kedve, jellegzetes figurái, derűs színvilága személyessé és vonzóvá teszik művészetét.
A 160 oldalas könyvet 174 kép illusztrálja, a többségük Batár Zsolt felvétele.
A szerző művészettörténész, a barokk kor kutatója. Johann Lucas Kracker bécsi születésű, Egerbe települt festőről írott monográfiáját a budapesti Enciklopédia Kiadó jelentette meg 2004-ben magyar és német nyelven.
Na sklade 1Ks
16,13 €
Úvod do novodobej emblematiky a príklady aplikovaných emblémov v Trnave
Kniha Zuzany Dzurňákovej s názvom Úvod do novodobej emblematiky a príklady aplikovaných emblémov v Trnave sa venuje, v slovenskej umenovede, pomerne okrajovej tematike, a to emblémom, ktoré sú špecifickou umeleckou formou, nakoľko sa ich forma skladá z textovej a obrazovej časti. Sú dôležitým ikonografickým a ikonologickým prameňom, zvlášť potrebným pre poznanie dobovej barokovej kultúry. Autorka sa zameriava na pre ňu známe prostredie mesta Trnavy, kde nachádzame pomerne značné zastúpenie príkladov aplikovaných emblémov, čo viac-menej súviselo s faktom existencie historickej Trnavskej univerzity a jej tlačiarne, vďaka čomu boli prítomné aj knihy emblémov, slúžiace pre ich následnú aplikáciu na freskách a obrazoch. Práve tie sa pokúsila autorka analyzovať a interpretovať v širšom výtvarnom a kultúrno-historickom kontexte a poukázať na ich výnimočné postavenie v dejinách barokového umenia.
A New Way of Seeing
From a carved mammoth tusk (c. 40,000 bce) to Duchamp's Fountain (1917), and Bosch's Garden of Earthly Delights (1505-10) to Louise Bourgeois's Maman (1999), a remarkable lexicon of astonishing imagery has imprinted itself onto cultural consciousness over the past 40,000 years - a resilient visual vocabulary whose meaning has proved elastic and endlessly renewable from era to era. It is to these works that Kelly Grovier devotes himself in this radical new art history.
Stepping away from biography, style and the chronology of `isms' that preoccupies most art history to focus on the artworks themselves, Grovier tells a new story in which we learn from the artworks, not just about them. Looking closely at each work, he identifies an `eye-hook' - the part of the artwork that `bridges the divide between art and life, giving it palpable purpose and elevating its value beyond the visual to the vital' - and encourages us to squint through this narrow aperture to perceive the work's truest meanings. This book is unique in emphasizing the durability of what is made over the ephemerality of its making and serves as a rejoinder to a growing sensibility that conceives of artists as brands and the works they create as nothing more than material commodities to hoard, hide, and flip for profit.
Lavishly illustrated with many of the most breathtaking and enduring artworks ever created, as well as many that inspired or took inspiration from them, this refreshing book will spark a debate about how it is that artworks articulate who we are and what it means to be alive in the world.
Basquiat
The legend of Jean-Michel Basquiat is as strong as ever. Synonymous with New York in the 1980s, the artist first appeared in the late 1970s under the tag name SAMO, spraying caustic comments and fragmented poems on the walls of the city. He appeared as part of a thriving underground scene of visual arts and graffiti, hip hop, post-punk, and DIY filmmaking, which met in a booming art world.
As a painter with a strong personal voice, Basquiat soon broke into the established milieu, exhibiting in galleries around the world.Basquiat's expressive style was based on raw figures and integrated words and phrases. His work is inspired by a pantheon of luminaries from jazz, boxing, and basketball, with references to arcane history and the politics of street life-so when asked about his subject matter, Basquiat answered "royalty, heroism and the streets." In 1983 he started collaborating with the most famous of art stars, Andy Warhol, and in 1985 was on the cover of The New York Times Magazine. When Basquiat died at the age of 27, he had become one of the most successful artists of his time.This book allows an unprecedented insight into Basquiat's art, with pristine reproductions of his most seminal paintings, drawings, and notebook sketches.
In large-scale format, the book offers vivid proximity to the artist's intricate marks and scribbled words, further illuminated by texts from writer and curator Carlo McCormick, a contemporary of Basquiat's on the New York scene, and curator and art historian Eleanor Nairne. Richly illustrated year-by-year chapter breaks follow the artist's life and quote from his own statements and contemporary reviews to provide both personal background and historical context.
Stručná encyklopédia tanečného umenia
Stručná encyklopédia tanečného umenia je výsledkom dlhoročnej systematickej zberateľskej a výskumnej činnosti autora Mgr. Emila T. Bartka, PhD. Je prvým komplexným encyklopedickým dielom v oblasti tanečného umenia na Slovensku. Prináša široký záber do rôznorodého, druhovo a žánrovo bohatého sveta tanečného umenia. Menné a vecné encyklopedické heslá nám odkrývajú cenné informácie zo všetkých oblastí tanečného umenia ľudového, klasického tanca a baletu, moderného i súčasného tanca.
Čitateľ v nej nájde najdôležitejšie životopisné informácie o významných osobnostiach z oblasti svetového a slovenského tanečného umenia. Autor obohatil obsah encyklopédie aj o umelecké a vzdelávacie inštitúcie, súbory, skupiny, zoskupenia, festivaly, súťaže a časopisy z oblasti tanečného umenia.
Ďalšou veľmi prínosnou súčasťou encyklopédie sú údaje dotýkajúce sa teórie tanečného a hudobného umenia, vrátane tanečnej a hudobnej terminológie.
Vydanie pôvodnej publikácie o tanečnom umení v slovenskom jazyku je nepochybne sviatkom pre všetkých obdivovateľov a milovníkov tanečného umenia.
Prostory zjevnosti
Předkládané stati tvoří sice soubor samostatných studií, přesto jsou alespoň trochu provázané – pokoušejí se z fenomenologického hlediska prozkoumat způsob, jak může skrze výtvarné dílo vyvstat zjevnost jsoucího. Sborníček vznikl na laskavý popud vydavatele, jehož si velmi vážím. Obsahuje texty, které už byly publikovány (podrobnější údaje nalezne čtenář v ediční poznámce). Protože však šlo o publikace v německém jazyce nebo v méně dostupných edicích, bude snad mít jejich nové sebrání pro čtenáře přece nějaký další užitek.
Nobrow 10 Studio Dreams
To celebrate 10 years of Nobrow we are curating an extra special edition of the Nobrow magazine, featuring 70 artists responding to our theme of `Studio Dreams'. In 2010 we commissioned Jan Van der Veken to illustrate our dream studio and his illustration provided the perfect starting point for this 10th edition. World-renowned creators turn their hand to creating their dream studio spaces (whatever that might mean for each one) in this unique, international showcase containing over 100 pages of illustration.
Psychoanalyst Meets Marina Abramovic
In summer 2015, performance artist Marina Abramovic and psychoanalyst Jeannette Fischer spent four days together at Abramovic's house in the Hudson Valley. Associating freely, they explored - from a psychoanalytical perspective - Abramovic's biography and art and what connects them.
A better understanding of herself, her personality and her work, was Abramovic's objective. She claims that conversations with artists abound, with one curator saying this and another saying that. Yet there is no book in which psychoanalysis puts her life and artistic work in context.
This new book aims to fill this gap. Yet it is not a therapist's report, nor a record of Fischer's analysis of Abramovic. It records the dialogue between artist and analyst attempting an interpretation of Abramovic's extraordinary violent performances that sometimes reach the brink of faint, even death. The two search for an understanding of the underlying structures and dynamics. Abramovic performs relationships, and she performs violence, yet she remains on her own in facing the pain and fear about it.
The book is arranged in a sequence of dialogues, separated by Fischer's comments on and images of four of Abramovic's performances to which the psychoanalyst refers.
Misere
The coming of the Industrial Revolution in the early 19th century witnessed unprecedented changes in society: rapid economic progress went hand-in-hand with appalling working conditions, displacement, squalor and destitution for those at the bottom of the social scale. These new circumstances presented a challenge to contemporary image-makers, who wished to capture the effects of hunger, poverty and alienation in Britain, Ireland and France in the era before documentary photography. In this groundbreaking book, the eminent art historian Linda Nochlin examines the styles and expressive strategies that were used by artists and illustrators to capture this misere, roughly characterized as poverty that afflicts both body and soul. She investigates images of the Irish Famine in the period 1846–51; the gendered representation of misery, particularly of poor women and prostitutes; and the work of three very different artists: Théodore Géricault, Gustave Courbet and the less wellknown Fernand Pelez. The artists’ desire to depict the poor and the outcast accurately and convincingly is still a pertinent issue, though now, as Nochlin observes, the question has a moral and ethical dimension – does the documentary style belittle its subjects and degrade their condition?
Table of Contents
Misere: An Introduction • 1. Misere: The Irish Paradigm • 2. The Gender of Misery •
3. Géricault, Goya and the Representation of Misery • 4. Representing Misery: Courbet’s
Beggar Woman • 5. Fernand Pelez: Master of Miserable Old Men • Conclusion
Dějiny umění Latinské Ameriky
Dějiny umění Latinské Ameriky vznikly v dílně Střediska iberoamerických studií Univerzity Karlovy na základě přednášek autorek knihy. Cílem publikace je poskytnout zájemcům z řad studentů i veřejnosti základní přehled o dějinách umění tohoto regionu. Představit jim odbornou literaturu vztahující se k tématu, jakož i významné muzejní a galerijní instituce, seznámit je se vztahy mezi Českou republikou a Latinskou Amerikou na poli kultury a umění, a nasměrovat je tak v jejich dalším studiu. Výklad je doplněn o vysvětlení pojmů a doprovází jej bohatá obrazová příloha. Jedná se o první takový titul na českém knižním trhu.
Na sklade 1Ks
23,10 €
Mastering Colored Pencil
Many people who bought colored pencils during the adult coloring book craze are now looking to learn new ways to be creative with them. In Mastering Colored Pencil, artist and colored pencil evangelist Lisa Dinhofer presents everything artists need to know about traditional and contemporary drawing techniques, materials, and color theory in order to master this versatile medium. Colored pencils, an inexpensive, easy to use, and mobile medium, are coming of age.
More and more artists are discovering the incredible qualities of drawing with colored pencils. The wide variety of vibrant color choices among the major manufacturers seems endless. At a recent count, there are more than fifty different reds in the colored pencil spectrum of Prismacolor, Faber-Castell, and Derwent.
The base of the pencils vary as well: wax, watercolor, pastel, and graphite. These can be interchanged or mixed together. The effects that can be achieved are limitless.
A work in pencil can be a drawing, a watercolor, or an oil painting. A wax pencil can sketch, can draw, can paint. A watercolor pencil can do the same.
The drawing can be transparent as a loose wash or as dense as an oil on canvas. Artists can work as small as a postage stamp or as large as a wall. Mastering Colored Pencil is illustrated throughout with Dinhofer’s fresh and sophisticated artwork and includes more than twenty-five step-by-step demonstrations, thoughtful exercises, workbook templates, and specific assignments that are sure to help every artist achieve striking results with pencils.
A special exhibition section includes work, technique descriptions, and insights from seven additional contemporary artists.
V kategórii Dejiny a teória umenia nájdete analýzu vývoja umenia a jeho význam pre spoločnosť. Dejiny umenia nám umožňujú rozlúštiť tajomstvá za nespočetnými umeleckými dielami a poodhaliť, ako sa umelecké prúdy formovali a ovplyvnili kultúru a spoločnosť.
Tu sa dozviete o jednotlivých umeleckých obdobiach, školách a prúdoch, ktoré formovali tvorbu umelcov. Od staroveku cez renesanciu, barok, romantizmus až po moderné umenie, budete mať príležitosť pochopiť, ako sa menil vkus, štýly a techniky v priebehu času.
V kategórii "Dejiny, teória umenia" nájdete nielen pohľad na minulosť, ale aj analýzu umeleckého vývoja v kontexte kultúry, spoločenských udalostí a politických zmien. Táto kategória vás pozýva na filozofické a analytické hľadanie významov, symboliky a inšpirácie, ktoré sa skrývajú za obrazmi, sochami a inými umeleckými dielami.
Či ste študent umenia, nadšenec histórie alebo jednoducho túžite hlbšie porozumieť vývoju a kontextu umeleckých diel, táto kategória vám poskytne pohľad na cenný svet dejín a teórie umenia.
