Najnovšie - Dejiny, teória umenia strana 18 z 32
zobraziť:
The Art Museum in Modern Times
The National Portrait Gallery, the National Gallery and the Royal Academy all saw either radical architectural interventions or rethinks of their mission under Charles Saumarez Smith's leadership, making him uniquely qualified to explore the ways in which art museums have changed over the past century and examine where they might be headed in the future.
For this book, Saumarez Smith has undertaken an odyssey to art museums across the globe. From Tate Modern in London to the Benesse House Museum on the Japanese island of Naoshima; from the Getty Center in Los Angeles to the Museum of New and Old Art, a ferry-ride from Hobart in Tasmania; from the Pompidou Centre in Paris to the West Bund Museum in Shanghai - he has visited them all, casting an acute eye on the way the experience of art is shaped by the buildings that house it and the organizing principles by which it is displayed.
What has changed over the past century? Where the public once visited museums to be educated in art history, he argues, they are now more likely to be in search of a private, aesthetic experience. Museum displays that were automatically didactic, chronological and either national or Western in viewpoint are now thematic and global. While museums used to be invariably in city centres, they may now be in remote locations, destinations of cultural pilgrimage. And where architects once created neutral spaces in which to display art, they now build spectacular architectural landmarks, stamping an identity on run-down neighbourhoods and sparking regeneration through cultural tourism.
With 122 illustrations in colour
Scottish Art
What makes Scottish art Scottish? In this now classic text, Murdo Macdonald explores the distinctive characteristics of Scottish art over the centuries - such as the heritage of Celtic design with its emphasis on intricate pattern; the importance of the landscape, particularly the Highlands and the sea; and a close connection with France. It ranges from the earliest art to survive - Neolithic standing stones - through the art of the Picts and Gaels, and the tumultuous centuries of the Reformation, to the great flowering of Scottish art in the Enlightenment. The final chapters focus closely on art produced since 1900, with succinct and revealing analyses of the Scottish Colourists and the major figures of contemporary art in all media. Masterpieces from the Book of Kells to paintings by Charles Rennie Mackintosh and Joan Eardley are illustrated in full colour, and such key works are set in a clearly explained historical context throughout. At a time when issues of Scottish identity are the subject of fierce debate, Macdonald's lucid and deeply researched book makes a significant contribution to the understanding of Scotland's artistic past and present.
With 208 illustrations in colour
William Blake
Prophet, poet, painter, engraver - William Blake (1757-1827) was an artist of uniquely powerful imagination and far-reaching creative gifts. His work expresses the spiritual drama of the English national being, integrating poetry and visual art in a sustained work of visionary creativity unparalleled in English art history.
Revealing Blake to be far more than a revolutionary social radical, this classic study reshapes our understanding of the artist's achievement. Kathleen Raine details the enriching effect of mystical, alchemical and gnostic philosophy on Blake's art. She unravels the complex, deeply felt symbolism expressed in his paintings and prints, and describes the powerful impact of his reading of Dante, Milton and the Bible.
Raine's compelling text guides the reader through the life and thought of this extraordinary artist. Fully alive to the uniqueness of Blake's art - which has 'a reality, a coherence, a climate' all its own - she introduces famous work such as Jerusalem, Songs of Innocence and of Experience, The Four Zoas and The Book of Job, relating them to Blake's world view and explaining their prophetic qualities, their fierce energy, and their central place in British Romantic art.
Contemporary Painting
Painting is a continually expanding and evolving medium. The radical changes that have taken place since the 1960s and 1970s - the period that saw the shift from a modernist to a postmodernist visual language - have led to its reinvigoration as a practice, lending it an energy and diversity that persist today.
In Contemporary Painting, renowned critic and art historian Suzanne Hudson offers an intelligent and original survey of the subject: a rigorous critical snapshot that brings together more than 250 renowned artists from around the world, whose ideas and aesthetics characterize the painting of our time. These luminaries include Cecily Brown, Theaster Gates, Josh Smith, Jenny Saville, Julie Mehretu, Takashi Murakami, Gabriel Orozco, Christina Quarles, Kara Walker, Kehinde Wiley, Zhang Xiaogang and many others.
Organized into seven thematic chapters exploring aspects of contemporary painting, this is an essential volume for art history enthusiasts, students, critics and practitioners.
With 245 illustrations in colour
The Art of Contemporary China
Fulfilling a need for an accessible, affordable introduction to a subject of sustained and growing significance in contemporary culture, this volume in the World of Art series redefines contemporary Chinese art in the last forty years since the end of China's Cultural Revolution, placing it in the context of unprecedented cultural, political and urban transformation.
This book offers neither an art historian's chronological review of Chinese art in post-Mao China, nor does it join the debate of previous terminologies coined by art critics; instead, it provides the most up-to-date understanding of contemporary Chinese art through original research and informed curatorial perspectives on the selected representative work, including painting, printmaking, sculpture, photography, installation, video, performance and participatory art. It is about art, but it is also about China; and thus is not about the past, but also about the present - the truly 'contemporary'.
With 154 illustrations in colour
How Photography Became Contemporary Art
A leading critic's inside story of "the photo boom" during the crucial decades of the 1970s and 80s
When Andy Grundberg landed in New York in the early 1970s as a budding writer, photography was at the margins of the contemporary art world. By 1991, when he left his post as critic for the New York Times, photography was at the vital center of artistic debate. Grundberg writes eloquently and authoritatively about photography's "boom years," chronicling the medium's increasing role within the most important art movements of the time, from Earth Art and Conceptual Art to performance and video. He also traces photography's embrace by museums and galleries, as well as its politicization in the culture wars of the 80s and 90s.
Grundberg reflects on the landmark exhibitions that defined the moment and his encounters with the work of leading photographers-many of whom he knew personally-including Gordon Matta-Clark, Cindy Sherman, and Robert Mapplethorpe. He navigates crucial themes such as photography's relationship to theory as well as feminism and artists of color. Part memoir and part history, this perspective by one of the period's leading critics ultimately tells a larger story about the crucial decades of the 70s and 80s through the medium of photography.
Dark Toys: Surrealism and the Culture of Childhood
A wide-ranging look at surrealist and postsurrealist engagements with the culture and imagery of childhood
We all have memories of the object-world of childhood. For many of us, playthings and images from those days continue to resonate. Rereading a swathe of modern and contemporary artistic production through the lens of its engagement with childhood, this book blends in-depth art historical analysis with sustained theoretical exploration of topics such as surrealist temporality, toys, play, nostalgia, memory, and 20th-century constructions of the child. The result is an entirely new approach to the surrealist tradition via its engagement with "childish things." Providing what the author describes as a "long history of surrealism," this book plots a trajectory from surrealism itself to the art of the 1980s and 1990s, through to the present day. It addresses a range of figures from Marcel Duchamp, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Hans Bellmer, Joseph Cornell, and Helen Levitt, at one end of the spectrum, to Louise Bourgeois, Eduardo Paolozzi, Claes Oldenburg, Susan Hiller, Martin Sharp, Helen Chadwick, Mike Kelley, and Jeff Koons, at the other.
Praha, hlavní město 20. století
Derek Sayer ve své monumentální knize Praha, hlavní město dvacátého století skládá střípky kulturních dějin Prahy a Československa mezi dvěma světovými válkami, aby ukázal, jak zapadají do mozaiky evropských dějin. Autor si všímá kontaktů Guillaumea Apollinaira, André Bretona, Paula Eluarda a dalších světových surrealistů s Vítězslavem Nezvalem, Karlem Teigem, Toyen, Jindřichem Štýrským, ale i Prahou obecně.
V jednom fragmentu dějin umění se často zrcadlí celá meziválečná situace. Události v Sayerově Praze se jeví jako úryvky z prorockých snů předznamenávajících události evropského či světového významu. Sny avantgardy se v tomto prostoru snadno překlápějí do těch nejhorších nočních můr dvacátého století, a naopak, kruté žerty dějin se z odstupu jeví jako příklady černého humoru doprovázené osvobozujícím smíchem. V Sayerově knize čtenář prochází tkanivem meziválečné Prahy, tak jako spáč ve snu prochází noční krajinou, v níž se mu objevují fragmenty jeho vlastních dějin, jeho zklamání i touhy.
Praha byla ve dvacátém století svědkem revolucí a invazí, národního osvobození a etnických čistek, holocaustu, soudních procesů a snů o socialismu s lidská tvář. V době, kdy Praha byla hlavním městem nejvýchodnější parlamentní demokracie v Evropě, byla také ohniskem umělecké a architektonické moderny a centrem surrealismu hned za Paříží.
Se zaměřením na tyto roky zkoumá Sayer pražské velkolepé moderní budovy, památky, obrazy, knihy, filmy, opery, výstavy a mnoho dalšího. Praha byla místem, kde se utopické fantazie století opakovaně rozplývaly, a jako taková byla šitá na míru surrealistickému černému humoru André Bretona. Sayer hovoří o tom, jak město produkovalo bezkonkurenční znalce ponuré komedie, od Franze Kafky a Jaroslava Haška po Milana Kunderu a Václava Havla.
Centones
Roman Štětina převádí své práce založené na textu zpět do slov. Čtyři performance, tři videa, tři audio nahrávky, dva texty a jedna výstava. Adaptace adaptace. Jako předlohu pro původní díla často využívá cizí texty, jejichž vyznění posouvá pomocí různých interpretačních nebo prezentačních strategií. Vedle sebe najdeme vysílání rádia, odborné studie, úryvky románu a divadelních her, volné myšlenkové asociace, pozorování vlastního těla, zápisky všedního dne, recitace básní nebo dětské popisy. Recyklace jako nový realismus. Jednotlivé žánry a promluvy se přepisem dostaly na stejnou úroveň. Podobně jako modernistická typografie nepoužívala velká písmena, protože při mluvení je nikdo nevyslovuje. Absence hierarchie nabízí nové čtení. Metoda, která vede až k domněnce, že skrze věci vidíme podstatu života, a proto nás věta z rádia dojímá přinejmenším tak, jako věta nějakého básníka
Quick Guide to Design Thinking
Design thinking is an increasingly widespread approach. In recent years it has been launched as a method that enables even the most conservative company to adopt agile, innovative and entrepreneurial mindsets and to think outside the box.
But what is design thinking, how did it emerge, and what does it do? In ‘Quick guide to design thinking’ Ida Engholm highlights the concept of design thinking and shows it from a Danish perspective.
The book outlines the research behind design thinking and provides an overview of the many different professions, theories and methods that have contributed to developing and defining design thinking as a research and practice field. Further, it offers an introduction to current debates about design thinking and concludes in a call for design activism as a path to a sustainable future.
István Gróh
István Gróh a dokumentovanie stredovekých nástenných malieb v Uhorsku. Tak znie plný názov ďalšej knižnej novinky OZ Georgius Bubek, ktorej autorom je historik umenia Peter Buday z Katedry dejín výtvarného umenia FF UK v Bratislave.
Kniha na viac ako 150 stranách približuje dielo významného maďarského pamiatkara a reštaurátora Istvána Gróha (1867 – 1936), ktorý koncom 19. a začiatkom 20. storočia odkryl viaceré významné nástenné maľby v stredovekých chrámoch vtedajšieho Uhorska, vrátane Koceľoviec, Ochtinej, Štítnika, Rimavskej Bane či Šivetíc.
Veľký význam pre odborníkov majú jeho dokumentačné kópie odkrytých fresiek, ktoré patria dodnes medzi základné pramene umeleckohistorického výskumu. Knižná novinka z pera P. Budaya prináša veľkú časť z nich v rozsiahlejj obrazovej prílohe.
Liturgický textil a způsoby jeho prezentace
Metodika přímo navazuje na předchozí metodiku s názvem Liturgické textilie a jejich památková ochrana, přičemž se zaměřuje na specifika prezentace textilií v památkově chráněných objektech (např. zámeckých kaplích) včetně zdůraznění jejich liturgické funkce (druhová skladba, církevní slavnosti). U parament s druhotně využitými světskými textiliemi jde o identifikaci jejich původní funkce a zařazení do širších kulturních souvislostí a doplnění o obrazovou dokumentaci (např. analogické vzory na šlechtických portrétech) a o zdůraznění didaktické funkce prezentace vůči návštěvníkům. Součástí metodiky jsou také shrnující kapitoly o dějinách muzejní prezentace. Další kapitoly se věnují praktickým otázkám (světelná intenzita, vlhkost, různé způsoby prezentace a jejich specifika, výhody a nevýhody, včetně přímé konfrontace se zahraničními přístupy).
Mestermű születik: 45 izgalmas történet a Budai Várból
Mestermű született egykor, és az születik újjá most a Budavári Palotanegyedben a Nemzeti Hauszmann Program keretében.
A program névadója, Hauszmann Alajos építész a 19-20. század fordulójának kimagasló alkotójaként kaphatta meg végül Ferenc József megbízását, hogy életműve megkoronázásaként a Budavári Királyi Palota elnyerje legteljesebb alakját.
De hogyan zajlott az egykori építkezés? Kik voltak a kor kimagasló művészei és mesterei, akik feldíszítették a királyi termeket? Melyik uralkodó rendelte el a munkálatokat? Hogyan töltötték elődeink napjaikat a budai Várban? Miért semmisültek meg a romos, de helyreállítható épületek? És miként lehet megmenteni ma mindazt az értéket, amelyet Hauszmann alkotótársaival létrehozott?
Sal Endre legújabb kötetében részben korabeli lapokból vett történetekből rajzolja elénk a Budavári Palota fordulatokban bővelkedő sorsát, arcokat és utcákat elevenít meg, hogy felidézze a hajdani fénykort az élő emlékezet számára.
Kniha umenia
Cennino Cennini (1360 - 1427) bol renesančný taliansky maliar, do dnešných dní je známy hlavne ako autor literárneho diela "Kniha o umení" (Il libro dell`arte), ktorú napísal niekedy koncom 14. storočia a je to kniha o dobovej tehnológii maľby. Obsahuje informácie a výrobné postupy o pigmentoch, štetcoch, kresliacich potrebách, maľbe obrazov a umenia fresky.
Cennini vytvoril praktický manuál pre dobového adepta umenia, plný dobrých rád a praktických technologických návodov a odporúčaní. Cenniniho kniha je ojedinelým svedectvom o stredovekom umení, na pomedzí stredoveku a rodiacej sa renesancie. O technológii maľby, žiarlivo stráženej v každej maliarskej dielni, každého majstra, ktorá sa odovzdávala učňom po kvapkách, počas dlhých rokov učňovskej výuky. Kniha je výnimočná nielen morálnymi ponaučeniami, ale hlavne praktickými technologickými radami, popisom materiálov a miestami aj vtipnými postrehmi.
Táto kniha je prvým slovenským vydaním.
Umění a evoluce / Art and Evolution
Knihu Umění a evoluce vydává nakladatelství UMPRUM u příležitosti životního jubilea profesora Jindřicha Vybírala.
Je sestavena z textů od předních tuzemských i zahraničních historiků umění a architektury, kteří ve svých příspěvcích publikovaných v češtině, slovenštině, angličtině a němčině v nejširším slova smyslu navazují na práci oslavence: odhalují přehlížené kontinuity a demaskují mnohdy zavádějící obrazy revoluce v umění a architektuře 19. a 20. století.
Klasickou knihu, představující uzavřený systém, doprovází její potenciální evoluční nástupce: digitální tabula gratulatoria. Instagramová stránka Festschrift_JV je v kontrastu k tištěné publikaci otevřená: svým příspěvkem na ni může přispět kdokoli, kdykoli a odkudkoli.
Antické umění ve sbírce Národního muzea
Bohatě obrazově vypravená kniha mapuje největší sbírku antických památek v Čechách a na Moravě. Publikace zachycuje období od počátku 4. tisíciletí př. n. l. do doby pozdně antického Říma, geograficky se věnuje území od Kypru přes starověké Řecko a helénistický svět až po Itálii doby Etrusků a Římskou říši. Zasvěcené výkladové texty doprovázejí stovky fotografií uměleckých předmětů různých druhů keramiky, soch i sošek, kovových předmětů, zrcadel, šperků, reliéfů i skleněných památek. Každý vyobrazený předmět je opatřen stručným popisem.
Lacná kniha Shaping the World: Sculpture from Prehistory to Now (-25%)
In this wide-ranging, thought-provoking and sometimes provocative new book, leading sculptor Antony Gormley, informed and energised by a lifetime of making, and art critic and historian Martin Gayford, explore sculpture as a transnational art form with its own compelling history. The authors' lively conversations and explorations make unexpected connections across time and media. Sculpture has been practised by every culture throughout the world and stretches back into our distant past.
The first surviving shaped stones may even predate the advent of language. Evidently, the desire to carve, mould, bend, chip away, weld, suspend, balance - to transform a vast array of materials and light into new shapes and forms - runs deep in our psyche and is a fundamental part of our human journey and need for expression. With more than 300 spectacular illustrations, Shaping the World juxtaposes a rich variety of works - from the famous Lowenmensch or Lion Man, c.
35,000 BCE to Michelangelo's luminous Pieta in Rome, the Terracotta Warriors in China to Rodin's The Kiss, Marcel Duchamp's ready-mades, Olafur Eliasson's extraordinary Weather Project and Kara Walker's Fons Americanus, and Tomas Saraceno's ongoing Aerocene project, as well as examples of Gormley's own work. Antony Gormley and Martin Gayford take into account materials and techniques, and consider overarching themes such as light, mortality and our changing world. Above all, they discuss their view of sculpture as a form of physical thinking capable of altering the way people feel, and they invite us to look at sculpture we encounter - and more broadly the world around us - in a completely different way.
Na sklade 1Ks
37,46 €
49,95€
dostupné aj ako:
Shaping the World: Sculpture from Prehistory to Now
In this wide-ranging, thought-provoking and sometimes provocative new book, leading sculptor Antony Gormley, informed and energised by a lifetime of making, and art critic and historian Martin Gayford, explore sculpture as a transnational art form with its own compelling history. The authors' lively conversations and explorations make unexpected connections across time and media. Sculpture has been practised by every culture throughout the world and stretches back into our distant past.
The first surviving shaped stones may even predate the advent of language. Evidently, the desire to carve, mould, bend, chip away, weld, suspend, balance - to transform a vast array of materials and light into new shapes and forms - runs deep in our psyche and is a fundamental part of our human journey and need for expression. With more than 300 spectacular illustrations, Shaping the World juxtaposes a rich variety of works - from the famous Lowenmensch or Lion Man, c.
35,000 BCE to Michelangelo's luminous Pieta in Rome, the Terracotta Warriors in China to Rodin's The Kiss, Marcel Duchamp's ready-mades, Olafur Eliasson's extraordinary Weather Project and Kara Walker's Fons Americanus, and Tomas Saraceno's ongoing Aerocene project, as well as examples of Gormley's own work. Antony Gormley and Martin Gayford take into account materials and techniques, and consider overarching themes such as light, mortality and our changing world. Above all, they discuss their view of sculpture as a form of physical thinking capable of altering the way people feel, and they invite us to look at sculpture we encounter - and more broadly the world around us - in a completely different way.
dostupné aj ako:
Decadence and Dark Dreams: Belgian Symbolism
Sensuousness, magic, a profound momentousness and irrationality are the hallmarks of the new art movement of Belgian Symbolism, which emerged during the 1880s. From Georg Minne and Fe licien Rops to Fernand Khnopff and James Ensor, the portraits, figure paintings and landscapes revealed a fascination with the eerie and the nefarious, with Thanatos und Eros. The remarkable feature of Belgian Symbolism is its predilection for the morbid and the bizarre.
Death and decay became leitmotifs in art. In around 1900, artists tried to link a new mysticism with an extravagant and precious style. The central figure in this context was the femme fatale as an expression of excess and lust, often paired with echoes of the esoteric and the demonic.
Many stimuli for European Symbolism had their origins in Belgium. This wide-ranging and lavishly illustrated volume examines this phenomenon.
V kategórii Dejiny a teória umenia nájdete analýzu vývoja umenia a jeho význam pre spoločnosť. Dejiny umenia nám umožňujú rozlúštiť tajomstvá za nespočetnými umeleckými dielami a poodhaliť, ako sa umelecké prúdy formovali a ovplyvnili kultúru a spoločnosť.
Tu sa dozviete o jednotlivých umeleckých obdobiach, školách a prúdoch, ktoré formovali tvorbu umelcov. Od staroveku cez renesanciu, barok, romantizmus až po moderné umenie, budete mať príležitosť pochopiť, ako sa menil vkus, štýly a techniky v priebehu času.
V kategórii "Dejiny, teória umenia" nájdete nielen pohľad na minulosť, ale aj analýzu umeleckého vývoja v kontexte kultúry, spoločenských udalostí a politických zmien. Táto kategória vás pozýva na filozofické a analytické hľadanie významov, symboliky a inšpirácie, ktoré sa skrývajú za obrazmi, sochami a inými umeleckými dielami.
Či ste študent umenia, nadšenec histórie alebo jednoducho túžite hlbšie porozumieť vývoju a kontextu umeleckých diel, táto kategória vám poskytne pohľad na cenný svet dejín a teórie umenia.
