Knihy - Dejiny, teória umenia strana 3 z 45
zobraziť:
How Art Works
What goes into creating art? How can we learn to "read" paintings? What are the key elements of composition?
If you've ever found yourself seeking the answers to the above questions and more, then this may be the book for you! An art book like no other, How Art Works uses practical graphics to demonstrate the techniques, styles, materials, and concepts that lie behind great art. It shows you how to interpret paintings, drawings, and sculptures, and reveals how art is made, laying out the key techniques and materials in visual detail. It also explains the nuts and bolts of the technical aspects behind art, such as perspective and composition, and shows how to identify major artistic styles and movements.
This awe-inspiring art history book features:
- Oil and watercolour painting, drawing, ceramics, sculpture, and more
- Explains the technical aspects of visual arts including perspective, light, colour, form, and texture
- A selection of major art movements such as Impressionism, Cubism, Surrealism and more
- Shows how information, messages, and emotion can be conveyed through art
- Highlights key inventions and developments
Providing all you need to know to build on your artistic understanding and appreciation, this is the perfect book for art lovers of all kinds, whether you're an art student, or you're simply a lover of visual art and are looking to discover more about art but aren't sure where to begin.
At DK, we believe in the power of discovery.
So why stop there?
How Art Works is part of DK's widely successful How Stuff Works series. Discover the inner workings of the mind with How the Brain Works, succeed in all things science with How Science Works and discover the cosmos like you've never known before with How Space Works. Whatever topic sparks your interests, there's a plethora of knowledge to discover!
Americans in Paris
Americans in Paris: Artists Working in Postwar France, 1946-1962 delves into the various circles of artists who lived in France following World War II. Featuring new scholarship and illuminating essays, this groundbreaking volume illustrates many of the paintings, sculptures, drawings, prints, photos, and films produced during these fertile years.
Americans in Paris introduces the story of the American creative community that inhabited the City of Light following World War II. Proposing Paris as decisive for the development of postwar American art, this volume investigates the academies where many of these artists studied, the spaces where their work was exhibited, the aesthetic discourses that animated their conversations, their interactions with European artists, and the overarching issue of what it meant to be an American abroad.
Zmena v praxi
Afirmáciu kultúrnej zmeny v prvej polovici 20. storočia autori a autorky hodnotia a interpretujú „zdola“, na základe kritérií a postupov, ktoré určujú skúmané texty. Berú do úvahy najmä progresívny vektor slovenskej kultúrnej tradície a všímajú si množstvo odlišných a často aj protirečivých dobových predstáv o pohybe „vpred“. Z viacerých strán sa snažia nazrieť na slovenské modernizácie a uchopiť podoby modernizačného naratívu, pre ktorý často vágne definovaná „zmena“ bola ústredným pojmom s mobilizačným potenciálom. Publikácia Zmena v praxi (limity – možnosti – spory) ponúka preto súbor čiastkových autorských interpretácií konfrontujúcich sa s tou istou široko koncipovanou otázkou: ako sa projekt modernej kultúry realizoval v slovenských podmienkach? A tiež: z akých umeleckých a ideových zdrojov čerpal? Bol napokon nástup modernosti naviazaný aj na modernizačné projekty, ktoré nielen v slovenskom prostredí vznikli skoršie? Je možné hľadať produktívne inonárodné analógie a vyhnúť sa izolovanému pohľadu na jednotlivé modernizačné gestá?
Z galerie ven!
Veřejný prostor a umění mají jedno společné – slouží komunikaci. Město poskytuje veřejný prostor fyzickému pohybu, chůzi, dopravě, ale i setkávání a navazování sociálních kontaktů, je místem vyslovené i mlčenlivé vzájemné komunikace lidí. Umělecká díla vystavená pod širým nebem hrají v utváření tohoto veřejného prostoru komunikace důležitou roli. Oslovují procházející diváky, připomínají cosi ze společné minulosti komunity a posilují tak identitu místa, nebo naopak probouzejí veřejnou debatu provokativně novými tématy. Komunikují však nejen s lidmi, ale i s okolními stavbami a fyzickým prostorem města, jemuž vtiskují důležité akcenty, povyšují jeho estetickou úroveň. Právě tyto dvě role uměleckých děl ve veřejném prostoru jsou osou našeho projektu. Zajímalo nás, jak umělecká díla vnášejí do veřejného prostoru témata veřejného zájmu a jak dotvářejí fyzickou tvář města, ať formou stálých objektů, dočasných uměleckých intervencí, venkovních galerií nebo sochařských festivalů. Ve čtyřech oddílech je představeno přes 60 uměleckých děl, jež byla vytvořena po roce 1989, krátký historický úvod připomíná i starší období od 60. let. Eseje pak reflektují toto téma z různých perspektiv – z hlediska smyslu a role uměleckých děl ve veřejném prostoru, jednotlivých forem uměleckých intervencí, historického vývoje i situace ve vybraných městech i v krajině.
Matej Al-Ali, Ateliér SAD, Tomáš Beneš, David Böhm & Jiří Franta, Eugen Brikcius, Ondřej Císler, Lubomír Čermák, David Černý, Jiří David, Federico Díaz, Lea Dostálová, Petr Dub, ellement architects, Epos 257, Festival Kukačka, Festival m3 – Umění v prostoru, Festival nahých forem, Václav Fiala, Vojtěch Fröhlich, Vladislav Gajda, Kurt Gebauer, Galerie Artwall, Guma Guar, Miloslav Sonny Halas, Radim Hanke, Lukáš Houdek, Dalibor Chatrný, Miloslav Chlupáč, Magdalena Jetelová, Miroslav Jirava, Pavla Voborník Kačírková, Čestmír Kafka, Ivan Kafka, Marian Karel, Krištof Kintera, Lenka Klodová, Eva Kmentová, Milan Knížák, Marius Kotrba, Jiří Kovanda, Kuba & Pilař architekti, Dominik Lang, Landscape festival, Milan Mikuláštík, Tomáš Moravec, Jakub Nepraš, Karel Nepraš, Jiří Novák, Vratislav Karel Novák, Libor Novotný, Ivar Otruba, Performance Festival Malamut, Petr Pištěk, ProLuka, Jiří Příhoda, Rafani, Karel Rechlík, Lukáš Rittstein, Jaroslav Róna, Viktor Rudiš, Tomáš & Ivan Rullerové, Zorka Ságlová, Pavla Sceranková, Signal festival, Skupina Ládví, Sochy v ulicích – Brno Art Open, Sporadical, Jan a Petr Stolínové, Čestmír Suška, Zdeněk Sýkora, Kateřina Šedá, Miloš Šejn, Jan Šépka, Šrámková architekti, Ivana Šrámková, Dagmar Šubrtová, Benedikt Tolar, Maxim Velčovský, Aleš Veselý, Margita Titlová Ylovsky, Dušan Zahoranský, Olbram Zoubek, Václav Zůna, Ztohoven
Editoři: Klára Pučerová, Petr Kratochvíl, Dan Merta, Petra Vlachynská
Texty: Petr Kratochvíl, Petra Vlachynská, Ludvík Hlaváček, Dan Merta, Denisa Václavová, Radoslava Schmelzová, Marie Foltýnová, Radek Horáček, Tomáš Knoflíček, Kateřina Kostková, Klára Pučerová
Překlad: Rani Tolimat, Tomáš Tolimat, Vít Zelenka
Tete a tete o francúzskom umení (I) do roku 1789
Francúzske umenie prešlo do roku 1789 zložitým vývojom. Špecifický charakter nadobudlo v stredoveku, keď sa medzi múrmi kláštorov zrodila gotika. Nasledovala Škola Fontainebleau (16. storočie) sformovaná na kráľovskom dvore a Francúzska škola (17. a 18. storočie), rozvíjaná v prostredí Kráľovskej akadémie. Francúzske transfery sa uskutočňovali vojenskými a cirkevnými cestami. Nové myšlienky podnietili kultúrnu výmenu v rámci Európy. Svedčia o tom diela v Svätom Antone, Spišskej Kapitule, na Krásnej Hôrke, Červenom Kameni, v Slovenskej národnej galérii v Bratislave či Východoslovenskej galérii v Košiciach. Kniha je bedekrom francúzskeho umenia na Slovensku.
Historička umenia PhDr. Marta Herucová, Ph.D. pochádza zo starej bratislavskej rodiny. Študovala na univerzitách v Bratislave a v Olomouci. Pracuje na Ústave dejín umenia Centra vied o umení Slovenskej akadémie vied. Publikovala desiatky prác zameraných na identifikačné, ikonografické a interpretačné problémy, napr. o buste Cecílie Gonzagy v Levoči (Paríž 2021), Fantacchiottiho soche anjela v Stupave (Florencia 2021), orientálnych obrazoch v Topoľčiankach (Oxford 2020), umení okolo roku 1800 na Slovensku (Opava 2019) a ďalších. Zaujíma sa o dokumentovanie umeleckých artefaktov ako základov kultúry.
Terény performance
Performance a performativita jako koncept, metoda, téma a otázka v českých humanitních a společenských vědách a umělecké tvorbě. Čím je stále aktuální zkoumání jednání v jeho konkrétní tělesnosti? Jakými trajektoriemi procházejí terénem performance divadelníci, tanečnice, političtí vědci, architektky, filosofové, historičky, performeři, socioložky, novináři, dramaturgyně, teatrologové, teoretičky rituálu? Společná publikace tvůrkyň a tvůrců z akademické i umělecké oblasti, včetně prostoru na pomezí obou, otevírá prostor pro jejich setkání i specifika. A to skrze netradiční materiální i textové formy jako např. akademický fanzin, facebooková diskuze, gamebook, či liturgií vonící záložka.
Multimedialita kaligrafických inspirací ve světovém kontextu a českém umění po roce 1945
Knižní studie se věnuje tématu kaligrafických inspirací v kontextu světových a českých dějin umění. Inspirace v oblasti čínské nebo japonské kaligrafie totiž výraznou měrou přispěly k rozvoji mezioborových přístupů, zejména v souvislosti s hledáním společných východisek malířské a básnické tvorby, ale také v prolínání výtvarného umění s hudební, taneční nebo filmovou oblastí. Kniha se věnuje charakteristice dvou jednotících prvků kaligrafie – motivu kruhu a spirály. Zkoumá především to, jak umění vyjadřuje ontologický význam tělesnosti a cirkularity těla prostřednictvím uvolnění malířského gesta, rozvíjení performativních projevů a fyzického propojení umělce s dílem. Další důležitou problematikou je periodické obnovování historického času, které se ukazuje být zásadní pro moderní i současné umělecké uvažování. Kruh jako symbol začátku – výchozí bod filozofického myšlení nebo vzniku uměleckého díla – v sobě zároveň obsahuje návaznost, cyklické opakování uměleckého, historického či sociopolitického kontextu.
The British Surrealists
The lives, loves and works of key British Surrealists revealed by one of the last surviving members of this movement, bestselling author and artist Desmond Morris.
Feted for their idiosyncratic and imaginative works, the surrealists marked a pivotal moment in the history of modern art in Britain. Many banded together to form the British Surrealist Group, while others carved their own, independent paths.
Here, bestselling author and surrealist artist Desmond Morris - one of the last surviving members of this important art movement - draws on his personal memories and experiences to present the intriguing life stories and complex love lives of this wild and curious set of artists. From the unpredictability of Francis Bacon to the rebelliousness of Leonora Carrington, from the beguiling Eileen Agar to the 'brilliant' Ceri Richards, Morris brings his subjects' foibles and frailties to the fore.
His vivid account is laced with his inimitable wit, and profusely illustrated by images of the artists and their artworks. Featuring thirty-four surrealists - some famous, some forgotten - Morris's intimate book takes us back in time to a generation that allowed its creative unconscious to drive their passions in both art and life.
With 105 illustrations
Umění vnímat umění - guerilla writing about art
Michael Třeštík svým „guerilla“ přístupem přináší svěží pohled na svět umění. S partyzánskou odvahou a lehkostí proplouvá teorií a historií. Originálním způsobem nahlíží na výtvarná díla, klade si neotřelé otázky a nabízí na ně ještě neotřelejší, a především srozumitelné odpovědi. To vše v knize, která se vejde na noční stolek a vydá za celou knihovnu. Pokud si umění nechcete jen prohlížet, ale máte zájem jej opravdu vnímat, autor vám otevře oči.
Prime: Art's Next Generation
The most exciting rising stars in contemporary art - who's who and what's next - featuring 107 artists born since 1980, as chosen by a new generation of art experts and leaders
This stunningly illustrated survey brings together more than 100 of the most innovative and interesting contemporary artists working across all media and spanning the globe. These are tomorrow's art superstars as chosen by the future leaders of the art world: the curators, writers, and academics with their fingers on the pulse of contemporary art and culture.
Artists featured include: Lawrence Abu Hamdan; Farah Al Qasimi; Korakrit Arunanondchai; Firelei Baez; Meriem Bennani; Amoako Boafo; Danielle Brathwaite-Shirley; Jordan Casteel; Jesse Darling; Jade Fadojutimi; Louis Fratino; Lauren Halsey; Kudzanai-Violet Hwami; Joy Labinjo; Lina Lapelyte; Carolyn Lazard; Ad Minoliti; Tyler Mitchell; Toyin Ojih Odutola; Ima-Abasi Okon; Thao Nguyen Phan; Christina Quarles; Tschabalala Self; Paul Mpagi Sepuya; Shen Xin; Avery Singer; Martine Syms; Salman Toor; Zadie Xa
The 100+ nominators originate from institutions including: Baltimore Museum of Art; Bellas Artes Projects (Manila); ESPAC (Mexico City); The Factory Contemporary Arts Centre (Ho Chi Minh City); KW Institute for Contemporary Art (Berlin); MoMA (New York); Museo de Arte Moderno (Medellin); Museums Victoria (Melbourne); RAW Material Company (Dakar); Sharjah Art Foundation; Studio Museum in Harlem (New York); Tai Kwun Contemporary (Hong Kong); Tate Modern (London); Whitechapel Gallery (London); Whitney Museum of American Art (New York); and X Museum (Beijing)
Duna. Mítoszok Dunája a Duna mítosza
Európa egyik legnagyobb folyója. Ez már önmagában is érdekes volna, de a Duna ennél sokkal több. Közel háromezer kilométeres útja során tíz országot és annál is több népet érint. Óriási hajóút, vízi sztráda. Olykor határ is. És persze hagyomány, história, sors, kultúra. Közös sors és közös kultúra.
Ovidius és Pindarosz. A francia pokoljáró dudás, Louis-Ferdinand Céline. Esterházy Péter, Claudio Magris, Nick Thorpe, August Strindberg és Tímár György. A Nibelung-monda hősei, akik a világhódító Attila udvarába igyekeztek. A török alattvalóként született szefárd zsidó, a később osztrák íróvá lett, majd Angliába sodródott bolgár–spanyol Elias Canetti. Patrick Fermor, akinek a ködös Albionban, miközben James Joyce Ulyssesét olvassa, a pesti Duna-korzó virágárus lánykái idéződnek eszébe.
Mindannyian Duna-utazók, és mind szóhoz jutnak Száraz Miklós György magával ragadó esszéfolyamában. És még ki mindenki! Mikszáth, Széchenyi, Szabó Lőrinc, Ady, Balassi… Térben és időben is izgalmas vízi barangolásra invitálja olvasóját a szerző. Néhány ezer kilométer és néhány ezer év. Oda vissza, fel és alá, egyszer a főmederben, máskor a mellék- vagy holtágakon, de mindig a kultúra folyójának hömpölygő vagy csordogáló vizén.
Cezanne
An updated edition of this classic survey, a thorough overview of Paul Cezanne's life and work.
For Picasso he was 'like our father'; for Matisse, 'a god of painting'. Paul Cezanne (1839-1906) is widely regarded as the father of modern art. In this authoritative and accessible study, Richard Verdi traces the evolution of Cezanne's landscape, still-life and figure compositions, from the turbulently romantic creations of his youth to the visionary masterpieces of his final years. The painter's biography - his fluctuating reputation and strained relations with his parents, wife and close friend Emile Zola - is vividly evoked using excerpts from his own letters and from contemporary accounts of the artist.
Cezanne was torn between the desires to create art and to seek inspiration - to master the themes of the past, through his copying sessions in the Louvre, and to explore the eternal qualities of nature in the countryside of his native Provence. In this way the artist sought 'to make of Impressionism something solid and durable, like the art of the museums'. In this richly illustrated overview Verdi explores the strength, vitality and magnitude of Cezanne's achievement.
Theatres of Melancholy
The first substantial book on the French Neo-Romantics, a cosmopolitan group working in 1920s Paris who turned against modernist abstraction in favour of a new form of figurative painting.
In 1926, the Galerie Druet in Paris made waves presenting a group of young painters who had spurned modernist abstraction and returned to a form of figurative painting. For most of them this was the first time they had exhibited, but their impact was considerable. Art critic Waldemar George baptized them the 'Neo-Romantics' or the 'Neo-Humanists'. They were influenced by Picasso, in particular his Blue and Rose periods, but went beyond him to forge new ways of painting. These were artists who liked to play with forgotten references and obsolete visual devices such as trompe l'oeil. They produced work for secondary art forms including the theatre, set design and ballet. In some ways they were the first post-modernists in the history of art, yet until now there has only ever been one book about them, After Picasso, published ten years after their exhibition. Only more recently has their influence on contemporary artists and thinkers including Max Jacob, George Hugnet and Gertrude Stein been recognized. Though friends, these painters never formed a formal group or movement.
The Second World War sent them on different paths, with the Berman brothers and Tchelitchev moving to the United States. Before their departure, however, their activities attracted the attention and admiration of a cosmopolitan group of characters, including Gertrude Stein, Alfred Barr, Lincoln Kirstein, George Balanchine and many others including leading fashion figures of the day, Christian Dior and Elsa Schiaparelli.
Antropologie obrazu
Převratná a dnes již klasická práce Antropologie obrazu předního německého historika umění Hanse Beltinga v posledních dvaceti letech výrazně ovlivnila přemýšlení o dějinách umění. Jak již napovídá její podtitul, autor v ní přináší nový „návrh vědy o obrazu“. Kniha představuje originální, náročný a provokativní popis toho, co obrazy jsou a jak fungují.
„Význam Beltingova textu netkví pouze v jeho schopnosti ptát se například na roli smrti v soudobé civilizaci. Téma, které mě osobně se skoro dvacetiletým odstupem od prvního přečtení zasáhlo nejvíce, je rozhodně způsob, kterým Belting vidí a popisuje zásadní společenské změny, jež do našeho světa přinášejí virtuální obrazy. V roce 2001 jako by předpovídal vývoj a dopad moderních technologií na náš každodenní život.“ / Z úvodního textu Ivana Folettiho /
Na sklade 1Ks
18,03 €
18,98 €
Umění a kýč
„Milý Tomáši, píšeš mi melancholicky, že Tvoje knížka o kýči není „politically correct“, že postmodernismus již dávno smazal rozdíl mezi kýčem a uměním, že kýč se stal tak všudypřítomný, že odhalovat ho vypadá jako projev elitismu. Ano, je tomu přesně tak. Mluvit o kýči se stalo neslušné ve chvíli, kdy svět se stal kýčem. Všimni si, že Kafka píše o byrokracii v době, kdy byrokracie je ještě téměř nevinná. Ve chvíli, kdy pohltila zcela naše životy, stala se samozřejmá, a proto neviditelná. Jaromír John napsal román Výbušný zlotvor, kde vypráví o hrůze automobilu; ale v té době jich bylo v Praze velice málo. Chci tím říci toto: fenomén je rozpoznatelný v celé své hrůze jen v době, kdy ještě není rozšířen. Až se rozšíří, stane s čímsi „přirozeným“ (co známe od zrození, s čím počítáme, čemu se nedivíme). Jsme dnes obklopeni kýčem jako nikdy předtím: všude, v televizi, v novinách, v soukromém životě, v politice. I válka je už prezentována (jen se podívej, jak se píše o Sarajevu!) jako kýč. A právě proto, i když Tvá knížka nebude pochopena, je jí zapotřebí víc než kdy jindy. Tvůj Milan"
(Dopis Milana Kundery Tomáši Kulkovi z Paříže do Jeruzaléma)
Kniha studuje jednak specifickou estetickou kategorii kýče, jednak obecnou problematiku hodnocení uměleckého díla.
Lévi-Strauss a hudba
Lévi-Strauss a hudba, Nattiezova studie z roku 2008, představuje jednak souhrnný pohled na problematiku hudby v Lévi-Straussove díle, ale zároveň se na tomto muzikologickém pozadí kriticky vyrovnává s lévi-straussovskou antropologií jako takovou. Nattiez ukazuje, že hudba má v Lévi-Straussove strukturalistickém projektu význam zcela klíčový, neboť právě ona mu poskytuje model pro strukturální analýzu mýtu, tak jak bude rozvíjen zvláště v jeho čtyřsvazkovém souboru Mythologica. Nattiez si ovšem ohledně tohoto hudebního modelu klade mnoho podstatných otázek: mezi ně patří zejména problém srovnávání hudby a jazyka, jisté nesnáze spojené s Lévi-Straussovou metodologií, ale i některé nesrovnalosti týkající se Lévi-Straussovy interpretace konkrétních hudebních děl (především Wagnera). Díky tomu se tato zároveň kritická i obdivná monografie může stát také pozoruhodným a netradičním uvedením do Lévi-Straussovy strukturální antropologie jako takové.
Egyiptomi hieroglifák
Az első hieroglifák a késői dinasztiákat megelőző időszakban rövid jeligeszerű szövegekben jelentek meg a kőtöredékeken és a cserépdarabokon, melyek különböző lelőhelyekről származnak és amelyeket időben valószínűleg az i. e. 3100-3000 korszakba lehet helyezni, miközben az utolsó keltezett példákra a templomi feliratokon akadhatunk rá Filé szigetén, melyeket 394-ben véstek, tehát három és fél évezreddel később.
Ez az írásmód eredetileg a legkülönfélébb anyagokra írt különböző fajtájú szövegírásra szolgált, tehát hieratikus írásra, minek folytán a hieroglifák fokozatosan a vallási és monumentális kontextusokra kezdtek el korlátozódni, leggyakrabban kőbe vésett domborművek formájában.
In Camera - Francis Bacon
A lavishly illustrated look at the sources behind the paintings of Francis Bacon.
Francis Bacon famously found inspiration in photographs, film-stills and mass-media imagery. In this new, updated edition of In Camera, Martin Harrison reveals how these sources informed some of Bacon's most important paintings and triggered decisive turning points in the artist's stylistic development.
Key influences, including the masters Velazquez, Poussin and Rodin, the photographer Eadweard Muybridge and the film director Sergei Eisenstein, are given close consideration. Bacon's work is examined in relation to the precedents set by other artists working in the tradition of making use of mechanical reproductions, including Pablo Picasso and Walter Sickert, and in the context of his contemporaries Lucian Freud, Mark Rothko, Graham Sutherland and Patrick Heron.
With the aid of over 270 illustrations, including valuable source images and documents, In Camera is a bravura accomplishment of original research, addressing important questions about Bacon's painting practice and shedding fresh light on his life and work.
Japanese Woodblock Prints. 40th Ed.
From Edouard Manet's portrait of naturalist writer Emile Zola sitting among his Japanese art finds to Van Gogh's meticulous copies of the Hiroshige prints he devotedly collected, 19th-century pioneers of European modernism made no secret of their love of Japanese art. In all its sensuality, freedom, and effervescence, the woodblock print is single-handedly credited with the wave of japonaiserie that first enthralled France and, later, all of Europe-but often remains misunderstood as an "exotic" artifact that helped inspire Western creativity.
The fact is that the Japanese woodblock print is a phenomenon of which there exists no Western equivalent. Some of the most disruptive ideas in modern art-including, as Karl Marx put it, that "all that is solid melts into air"-were invented in Japan in the 1700s and expressed like never before in the designs of such masters as Hokusai, Utamaro, and Hiroshige in the early 19th century.
This volume, derived from the original XXL monograph, lifts the veil on a much-loved but little-understood art form by presenting the most exceptional Japanese woodblock prints in their historical context. Ranging from the 17th-century development of decadent ukiyo-e, or "pictures of the floating world," to the decline and later resurgence of prints in the early 20th century, the images collected in this edition make up an unmatched record not only of a unique genre in art history, but also of the shifting mores and cultural development of Japan.
From mystical mountains to snowy passes, samurai swordsmen to sex workers in shop windows, each piece is explored as a work of art in its own right, revealing the stories and people behind the motifs. We discover the four pillars of the woodblock print-beauties, actors, landscapes, and bird-and-flower compositions-alongside depictions of sumo wrestlers, kabuki actors, or enticing courtesans-rock stars who populated the "floating world" and whose fan bases fueled the frenzied production of woodblock prints. We delve into the horrifying and the obscure in prints where demons, ghosts, man-eaters, and otherworldly creatures torment the living-stunning images that continue to influence Japanese manga, film, and video games to this day. We witness how, in their incredible breadth, from everyday scenes to erotica, the martial to the mythological, these works are united by the technical mastery and infallible eye of their creators and how, with tremendous ingenuity and tongue-in-cheek wit, publishers and artists alike fought to circumvent government censorship.
As part of our 40th anniversary series, this edition compiles the finest extant impressions from museums and private collections across the globe in a lightweight, accessible format, offering extensive descriptions to guide us through this frantic period in Japanese art history.
V kategórii Dejiny a teória umenia nájdete analýzu vývoja umenia a jeho význam pre spoločnosť. Dejiny umenia nám umožňujú rozlúštiť tajomstvá za nespočetnými umeleckými dielami a poodhaliť, ako sa umelecké prúdy formovali a ovplyvnili kultúru a spoločnosť.
Tu sa dozviete o jednotlivých umeleckých obdobiach, školách a prúdoch, ktoré formovali tvorbu umelcov. Od staroveku cez renesanciu, barok, romantizmus až po moderné umenie, budete mať príležitosť pochopiť, ako sa menil vkus, štýly a techniky v priebehu času.
V kategórii "Dejiny, teória umenia" nájdete nielen pohľad na minulosť, ale aj analýzu umeleckého vývoja v kontexte kultúry, spoločenských udalostí a politických zmien. Táto kategória vás pozýva na filozofické a analytické hľadanie významov, symboliky a inšpirácie, ktoré sa skrývajú za obrazmi, sochami a inými umeleckými dielami.
Či ste študent umenia, nadšenec histórie alebo jednoducho túžite hlbšie porozumieť vývoju a kontextu umeleckých diel, táto kategória vám poskytne pohľad na cenný svet dejín a teórie umenia.
