Najnovšie - Výtvarné umenie strana 35 z 95

An important reassessment of the later career and life of a beloved baroque artist Hailed as one of the most influential and expressive painters of the seventeenth century, Artemisia Gentileschi (1593-ca. 1656) has figured prominently in the art historical discourse of the past two decades. This attention to Artemisia, after many years of scholarly neglect, is partially due to interest in the dramatic details of her early life, including the widely publicized rape trial of her painting tutor, Agostino Tassi, and her admission to Florence's esteemed Accademia del Disegno. While the artist's early paintings have been extensively discussed, her later work has been largely dismissed. This beautifully illustrated and elegantly written book provides a revolutionary look at Artemisia's later career, refuting longstanding assumptions about the artist. The fact that she was semi-illiterate has erroneously led scholars to assume a lack of literary and cultural education on her part. Stressing the importance of orality in Baroque culture and in Artemisia's paintings, Locker argues for her important place in the cultural dialogue of the seventeenth century.

Highlights from one of the world's most impressive private collections of Dutch Golden Age masterpieces Over the past 35 years, husband-and-wife collector duo Rose-Marie and Eijk van Otterloo have acquired an unparalleled private collection of 17th-century Dutch and Flemish paintings, representing a selection of work by the Dutch Golden Age's most important artists. This volume compiles some two dozen masterworks from the van Otterloo Collection, which was donated by the couple to the Museum of Fine Arts, Boston in 2017, as one of the most generous gifts in the museum's history. Included among these visually splendid paintings is one of the world's best-preserved Rembrandts, previously housed in a private collection: his 1632 piece Portrait of Aeltje Uylenburgh, which depicts its elderly sitter in dark robes and a delicate white millstone collar. Works by other Dutch Masters such as Cuyp, Rubens, Anthony van Dyck and Jan Brueghel the Elder round out the collection with a variety of pictorial subjects, from genre scenes to seascapes to still lifes. Accompanied by biographical and art historical information to provide context for the artists and their work, the series of lavish reproductions assembled in this volume invites readers to immerse themselves in the careful composition and beautiful light quality of this era's finest paintings.

Tartalom Zólyom vármegye a középkorban ZOLNA. Szent István-templom FELSŐMICSINYE. Szent Mihály-templom NAGYÓCSA. Mindenszentek-templom CSERÉNY. Szent-Márton-templom PÓNIK. Evangélista Szent János-templom

Publikace Jiřího Sozanského je bohatě ilustrovaná jeho díly od 70.tých let minulého století až po nejnovější práce. Textová část, která je rozsáhlá, zahrnuje vzpomínky autora na dětství a dospívání v období totality, jeho postoje a umělecký vývoj, neodmyslitelné od občanského postoje. Významný je textový a výtvarný obraz matky zpřítomňovaný touto knížkou, který nenaplňuje běžná očekávání, jaké by mohlo být vzpomínání na matku; většina záznamů navíc přesahuje téma matky a života s matkou, dětství, dospívání, jde více o záznamy profesního života v dobách nepříznivých, či méně nepříznivých, který začal před vytouženým a vybojovaným vstupem na AVU. Matka v knížce není záchrana, idylická síla, sentimentální vzpomínka. Je to existující fakt života, nejde jej odmítnout, ani překročit, ani idealizovat. Přesto je kniha poctou matce.

Publikácia je nominovaná na výročnú cenu časopisu Pamiatky a múzeá 2020. Vydaniu katalógu predchádzala rovnomenná výstava, nad ktorou prevzalo záštitu Britské veľvyslanectvo na Slovensku. Aj tento edičný projekt bol podporený z verejných zdrojov Fondom na podporu umenia. Slovenský text vrátane registrov a konkordancie sprevádza anglický preklad. Zahŕňa všetky grafické diela vo fonde galérie, ktoré s Britskými ostrovmi spája autor predlohy, rytec alebo vydavateľ. Sú zoradené v súvislostiach, ktoré naznačila štruktúra zbierky, teda sčasti chronologicky, sčasti tematicky, resp. vzhľadom na žáner. Najstaršie listy pochádzajú z knižného vydania Vergíliových veršov v anglickom preklade Johna Drydena z roku 1697. Ďalším relatívne uceleným súborom grafických listov je sedem vedút s najvýznamnejšími architektonickými dielami v Dubline od dielo popredného írskeho grafika a rytca Jamesa Maltona, ktoré vytvoril v 90. rokoch 18. storočia. V kolekcii však prevládajú portréty. Ilustrujú dejiny ostrovnej monarchie v dobe, keď vznikli. To bol účel, pre ktorý ich v 19. storočí vydával Hermann Julis Meyer ako súčasť populárnych konverzačných príručiek. Pozornosť však treba obrátiť najmä na veľký grafický list, reprodukujúci podobizeň vojvodkyne z Devonshiru od Joshua Reynoldsa. Katalóg voľne nadväzuje na katalóg talianskej grafiky z roku 2019. Na záver vysvetlenie: zelená farba obálky je farbou zberateľskej pečiatky Ernesta Zmetáka.

Monografie jednoho z nejvýraznějších sochařů výtvarné generace, která vstupuje do veřejného prostoru od devadesátých let. Michal Trpák (1982) hledá nejrůznější formy vyjádření a jako umělec i úspěšný organizátor obohacuje městskou krajinu, veřejné i soukromé interiéry překvapivými, nápaditými objekty. Od roku 2008 připravuje letní plenérové výstavy Umění ve městě, které se z Českých Budějovic postupně rozšiřují do dalších jihočeských měst. Bohatě fotografiemi vybavenou publikaci provází slovem spisovatelka Markéta Pilátová.

Barabási Albert-László kutatásainak köszönhetően a világ ma másképpen tekint a hálózatokra. Az elmúlt évtizedek egyik legígéretesebb tudományos módszertani újdonságának a hálózatkutatás és hálózati vizualizáció bizonyult, ami hatékony eszköznek tűnik kulturális, társadalmi jelenségek, így a képzőművészeti színtér vizsgálatához is. Barabási Albert-László - a BarabásiLab munkatársaival - kifejlesztette a komplexitás vizuális szókincsét, amit úttörő kutatásai ihlettek a fehérje-kölcsönhatásoktól kezdve az álhírek terjedéséig. A kétdimenziós vizualizációik és 3D adatszobrok lehetővé tették, hogy lássuk, miként működnek valójában az életünket irányító komplex rendszerek. A Rejtett mintázatok a BarabásiLab vizuális nyelvének evolúcióját dokumentálja. A kötet a BarabásiLab munkájának retrospektív kiállítása alkalmából jelenik meg, amely a budapesti Ludwig Múzeumban debütált, majd a németországi Karlsruhe Művészeti és Médiaközpontjába utazik. A gazdagon illusztrált összeállítás több tucat színes képet és ábrát tartalmaz, a művészet és a formatervezés világa vezető hangjainak kommentárjaival és kurátorok magyarázataival. A hálózati vizualizáció alakulásának és fejlődésének nyomon követésével - a BarabásiLab meghatározó projektjeinek bemutatásán keresztül - az átfogó módszer képzőművészeti alkalmazásához juthat el az érdeklődő. Barabási kutatásaiban többnyire láthatatlan összefüggések keresése, az ismétlődő mintázatok felderítése áll a középpontban, amelyek összekapcsolják a természetet, a társadalmat, a nyelvet és a kultúrát. A hálózati szemlélet olyan átfogó, univerzális módszerrel kecsegtet, amelynek segítségével szinte minden összefüggés (pl. a művészeti karrierek sikeressége) természettudományos precizitással vizsgálható.

Pop artist, painter of modern life, landscape painter, master of color, explorer of image and perception-for six decades, David Hockney has been known as an artist who always finds new ways of exploring the world and its representational possibilities. He has consistently created unforgettable images: works with graphic lines and integrated text in the Swinging Sixties in London; the famous swimming pool series as a representation of the 1970s California lifestyle; closely observed portraits and brightly colored, oversized landscapes after his eventual return to his native Yorkshire. In addition to drawings in which he transfers what he sees directly onto paper, there are multiperspective Polaroid collages that open up the space into a myriad of detailed views, and iPad drawings in which he captures light using a most modern medium-testaments to Hockney's enduring delight in experimentation. This special edition has been newly assembled from the two volumes of the David Hockney: A Bigger Book monograph to celebrate TASCHEN's 40th anniversary. Hockney's life and work is presented year by year as a dialogue between his works and voices from the time period, alongside reviews and reflections by the artist in a chronological text, supplemented by portrait photographs and exhibition views. Together they open up new perspectives, page after page, revealing how Hockney undertakes his artistic research, how his painting develops, and where he finds inspiration for his multifaceted work. About the series TASCHEN turns 40 this year! Since we started our work as cultural archaeologists in 1980, TASCHEN has become synonymous with accessible publishing, helping bookworms around the world curate their own library of art, anthropology, and aphrodisia at an unbeatable price. In 2020, we celebrate 40 years of incredible books by staying true to our company credo. The 40 series presents new editions of some of the stars of our program-now more compact, friendly in price, and still realized with the same commitment to impeccable production.

Alena Adamíková Portraits

Mark Ryden returns with 20 new incredible portraits of creatures. From his Snow Yak to his very personal interpretation of the California bear, for more than 20 years Mark Ryden has populated an incredible "pop surrealist" bestiary of half-animal, half-plush creatures. Freely inspired by the Rushton toys that enjoyed their heyday in America in the '60s and '70s, these creatures are now the object of a cult worship among fans of the artist, and are one of his marks of distinction in the world of contemporary art. This book reveals the details and backgrounds of the 20 new paintings Mark Ryden has created for his 2020's show at Emmanuel Perrotin's gallery in Shanghai, but also some of his most iconic master-pieces showcasing yaks and others creatures of his own mythology. With a statement essay from the artist and an introduction by Takashi Murakami ("the Warhol of Japan"), this "little pink book" will become an instant classic for the lovers of contemporary art and surrealism.

Publikácia venovaná rozsiahlemu celoživotnému dielu Miroslava Cipára v oblasti grafického dizajnu obsahuje komplexne spracovanú prezentáciu značiek, symbolov a logotypov. Jej cieľom je predstaviť Miroslava Cipára ako grafického dizajnéra - autora dnes už ikonických logotypov a symbolov (SNG, BHS, BIB, GMB a pod.) - a to nielen prostredníctvom dizajnérskej tvorby, ale aj cez textovú časť zameranú na jej teoretickú analýzu a reflexiu. Kniha CIPÁR&LOGO.ETC, ktorá vychádza v spolupráci so Slovenským centrom dizajnu, tak predstavuje výrazný zdroj poučenia a inšpirácie pre súčasné i budúce generácie tvorcov vizuálnej komunikácie na Slovensku i v zahraničí.

Reflections: Contemporary Art of the Middle East and North Africa brings together an extraordinary collection of work from the British Museum for the first time. The contemporary art of the Middle East and North Africa is rich and vibrant. Whether living in their countries of birth or in diaspora, the featured artists are part of the globalised world of art. Here we see artists responding to and making work about their present, histories, traditions and cultures, reflecting on a part of the world that has experienced extraordinary change in living memory. The British Museum has been acquiring the work of Middle Eastern and North African artists since the 1980s, and the collection - principally works on paper - is one of the most extensive in the public sphere. Collected within the context of a museum of history, the works offer insights into the nature of civil societies, the complex politics of the region, and cultural traditions in their broadest sense, from the relationship with Islamic art, to the deep engagement with literature. The introduction to the book by curator Venetia Porter explores the history of the collection and the works included. The essential framework for understanding the politics and context within which the artists are working is provided by Charles Tripp's essay. The works are grouped into seven chapters, each beginning with a short introduction. The authors explore the selection within themes such as faith, abstraction and the female gaze.

Tvorba Silvie Krivošíkovej je pomerne pestrá. Zahŕňa kresby, maľby, koláže, asambláže, priestorové objekty a inštalácie. Napriek tomu, že vo svojej tvorbe kladie zásadný dôraz na médium maľby, symbolickým previazaním jednotlivých diel je vzťah medzi plochou a priestorom. Jej diela sa tematicky viažu k priestoru, formám, tvarom, ale aj k práci s farbou, výrazne ich spája téma, častokrát s osobným charakterom. Obrazy Silvie Krivošíkovej sa nedajú označiť čisto za figuratívne alebo za abstraktné, každé jej dielo si prechádza touto polaritou čerpajúcou ako z figuratívnej maľby, taktiež aj z abstraktných foriem. Ako samostatná individuálna tvorkyňa stavia vo svojich dielach svojbytnú kvalitu, slobodne nakladá s kultúrnym odkazom, do foriem vkladá osobnú autorskú, hravú dimenziu. Autorka vytvára svieže možnosti a kvalitu súčasnej maľby. Monografia obsahuje sprievodný text kurátora a teoretika umenia Petra Vaňousa v anglickom a českom jazyku.

V týchto dňoch vychádza vo vydavateľstve Design friendly očakávaná a potrebná monografia o živote a diele jednej z najvýraznejších osobností nášho moderného umenia, maliara Ferdinanda Hložníka.  Autorom rozsiahlej publikácie je prof. Ľudovít Petránsky, ktorý doteraz napísal tri knihy o staršom bratovi Ferdinanda, Vincentovi Hložníkovi. Autorom citlivej grafickej úpravy je Peter Bližnák. Prítomná monografia o  živote a diele Ferdinanda Hložníka je vlastne prvou publikáciou tohto druhu v umenovednej spisbe.  Kniha, ktorá má takmer štyristo strán, je zostavená z textovej a obrazovej časti, ktoré v podstatnej miere odrážajú vznik a vývoj umelcovej tvorby. Maliarova práca je citlivo interpretovaná v kontexte doby a výtvarného úsilia jeho Generácie ale aj mladších umelcov. Publikovaný výskum ukazuje, že Ferdinand Hložník v šesťdesiatych a ďalších rokoch minulého storočia nielen bol názorovo príbuzný s mladšími, ale neraz aj iniciatívnejší. Na základe vlastného tvorivého programu dokázal syntetizovať umeleckú problematiku domáceho a európskeho maliarstva. Text knihy na základe priekopníckeho vedeckého  výskumu je písaný pútavo a je prístupný pre široké vrstvy čitateľov. Prináša novátorský pohľad nielen na pramene Hložníkovho diela, ale aj veľkej časti nášho moderného umenia.

Publikace se zabývá formováním programově slovenské výtvarné moderny v období první Československé republiky (19181938) v kontextu oficiální ideologie čechoslovakismu a ve vztahu k českému výtvarnému umění. Pro mnohé umělce, teoretiky a historiky umění na území Slovenska, kteří jako součást inteligence cítili povinnost v nově zformovaném státě vytvářet a potvrzovat národní identitu prostřednictvím umění, bylo hledání slovenskosti v umění zásadní. Toto hledání bylo ovlivněno charakterem česko-slovenských kulturních vztahů, vzájemnými nedorozuměními a stereotypy. Podoby slovenského modernismu se utvářely v úzké vazbě na českou modernu a zároveň jako rezistence vůči ní. V tomto smyslu můžeme zdůrazňování slovenskosti ve výtvarném umění, a to i důrazem na námět, považovat za snahu nesplynout umělecky s proudem české moderny. Tato studie tak sleduje, jakým způsobem se konstruuje národní identita prostřednictvím výtvarného umění a jakou roli při tom sehrává širší kulturní a politické pozadí uměleckého provozu.

Sedmdesátiletý junior Ano, je to tak. Jan Rajlich v tomto roce slaví sedmdesátiny. Chtělo by se říci: v plné svěžesti tvůrčí, pedagogické a v řadě dalších činností, např. neúnavné organizační, dokumentační a Jak by také ne, když přídomek mladší, junior (jr.) mu zůstane už na celý život. Je to pochopitelně proto, že se již v opravdu mladém věku vydal na obdobnou profesní dráhu jako jeho otec, jehož sté výročí narození si v tomto roce také připomínáme a který se dožil úctyhodného věku devadesáti šesti let. Práce obou Rajlichů je sice dobře rozlišitelná, ale protože se léta oba současně účastnili řady mezinárodních bienále, trienále i spolkových výstav (SBB, Sdruženi Q) a uskutečnili i několik výstav společných ve dvojici či skupině více tvůrců rodu Rajlichů, pro brněnské J. R. se rozlišeni starší a mladší zcela přirozeně vžilo a je tak také uváděno v desítkách a stovkách katalogů a dokumentů. Říkejme tedy pro zjednodušení nadále mladšímu: Honza Vzpomínám si: za necelou desítku sezon jsme ve spolupráci s HaDivadlem Brno uspořádali jako Sdruženi Bienále Brno celou řadu výstav. Spolkových, autorských i tematických. Protože Honza byl vedle dalších aktivních, především brněnských, kolegů jedním z těch, kteří se na jejich přípravě pravidelně podíleli, není divu, že k některým navrhoval i propagaci. V té době působily v divadle také dvě mladé a milé ženy, které nám organizačně i jinak pomáhaly. Schylovalo se k vernisáži výstavy Novoročenky PF06!. Postával jsem s těmi dámami ve foyer před plakátem, který navrhl právě Honza. Plakát nese v tiráži údaj Design: Jan Rajlich, Jr. 2005. A děvčata ho komentovala: To je hezké, že váš spolek dává příležitost také dětem V tu chvíli po schodech přicházeli oba pánové Rajlichové a já jsem dívkám vysvětlil, že se musím jít pozdravit s panem Rajlichem starším a jeho (tehdy pětapadesátiletým) dítětem a smál jsem se. A ony se začaly překotně omlouvat. Nemusely objevily nebo jen správně vycítily jednu (velmi podstatnou) z vrstev, která se Honzovou výtvarnou prací vine jako jedna z jeho červených nití. Mám na mysli tu vrstvu, která si ve své mladistvé, někdy až bezstarostně dětské hravosti zachovává věčné mládí. Domníval jsem se, že touto vzpomínkou bych mohl svoji poznámku k Honzově práci vlastně zakončit, neboť jsem si téměř jist, že dalšími neméně důležitými vrstvami Honzových výtvarných prací (filozofii, humorem, formou, obsahem a technikami) se budou podrobněji i odborněji zabývat ostatní přispěvatelé této jubilejní knihy. Jenže teprve nedávno jsem měl možnost se poprvé po rocích naší známosti a spolupráce seznámit s ukázkami jeho rané i velmi rané tvorby. Odhlédnuto od několika dílek, která jsou vlastní snad většině dětí, obsahují tyto skicáky počáteční krajinářské záznamy, které se po celou dobu misí s portréty (převážně otce a dalších rodinných příslušníků, v dobách pozdějších pak budoucí nyní už řadu let současné manželky Aleny) a s kresbami, kde se to figurami a figurkami jen hemží, a to i když ony třeba leží. Podle používané techniky a materiálů jsou v nich rychle, jen jakoby psané záznamy tenkými či robustními tahy a jemnými či ostrými barevnými plochami a skvrnami. Vedle nich jsou ovšem zcela jasně vymezené kompozice, opět kreslené i malované, které svojí stavbou již nesou znaky zcela dokončených listů. (Při záznamech z cest je v jejich přesném vnímání prostoru už patrný odkaz k jeho pozdějším studiím architektury a designu.)

After Egon Schiele (1890-1918) freed himself from the shadow of his mentor and role model Gustav Klimt, he had just ten years to inscribe his signature style into the annals of modernity before the Spanish flu claimed his life. Being a child prodigy quite aware of his own genius and a passionate provocateur, this didn't prove to be too big a challenge. His haggard, overstretched figures, extreme depiction of sexuality and self-portraits, in which he staged himself with emaciated facial expressions bordering between brilliance and madness, had none of the decorative quality of Klimt's hymns of love, sexuality and yearning devotion. Instead, Schiele's work spoke of a brutal honesty, one that would upset and irreversibly change Viennese society. Although his works were later defamed as "degenerate" and for a time were almost forgotten altogether, they influenced generations of artists-from Gunter Brus and Francis Bacon to Tracey Emin. Today, his then misunderstood oeuvre continues to fetch exorbitant prices on the international art market. This monograph, first published in an XL edition, is now available in a slightly abridged, more compact edition to celebrate TASCHEN's 40th anniversary and features the paintings and drawings that retrace the fertile last decade of Schiele's life. These works are accompanied by essays introducing his life and oeuvre, situating the Austrian master in the context of European Expressionism and charting his extraordinary legacy. About the series TASCHEN turns 40 this year! Since we started our work as cultural archaeologists in 1980, TASCHEN has become synonymous with accessible publishing, helping bookworms around the world curate their own library of art, anthropology, and aphrodisia at an unbeatable price. In 2020, we celebrate 40 years of incredible books by staying true to our company credo. The 40 series presents new editions of some of the stars of our program-now more compact, friendly in price, and still realized with the same commitment to impeccable production.

Színezd ki kedved szerint Magyarország nevezetességeit! Használd a fantáziád, alkoss szabadon, töltsd meg színekkel a könyv lapjait. Az oldalak könnyen kivehetőek, így az elkészült kép akár a szobád falát is díszítheti.

The baroque period spanned the whole of Europe from 1600 to 1780. Beginning with Italian artists who brought drama to painting through dynamic compositions and pronounced contrasts between light and dark, the baroque was later exported by countless artists to their own countries, where the new style developed in very different ways. With its monumental historical paintings and magnificent portraits, catering to sovereign desires for splendor and demonstrations of both secular and religious power, the baroque rose to become the style of European court art. The latest phase of the baroque, known as rococo, began in about 1720 and was characterized by an increased sense of playfulness and intimacy.