Najnovšie - Výtvarné umenie strana 34 z 95

Fundamental Painting (1975): Lessons in Minimalist Painting is the first account of this 1970s current and its role in the history of 20th century painting. The term Fundamental Painting was coined by the Stedelijk Museum Amsterdam as the title of a 1975 exhibition that sought to highlight a new kind of painting emerging on both sides of the Atlantic. It was built around Robert Ryman and included 18 artists from Europe and the United States. The then museum director of the Stedelijk Edy de Wilde called their artistic scope "a reflection on the foundations of painting." In the first part of this book, Rajlich traces how the curators defined this specific current and its public as well as its critical reception. In the second part, she explains in detail the elements of paintings, how they are used in Fundamental Painting, and why. Next, Rajlich surveys the use of these painterly elements across 20th century abstract and non-objective painting in relation to the development of Minimalist painting. The last part of this book examines the effect of Fundamental Painting on its viewer in the context of art across the ages. It argues that Fundamental Painting goes beyond formalist concerns and seeks to engage with the concept of beauty as understood through the philosophy of aesthetics. Claudia Rajlich is a specialist in 20th century art and painting in general. She has extensive experience as an author, curator and art advisor for both public and private institutions. Her recent research has focused on non-objective art, the art market, and interdisciplinary questions around art collecting. Kniha Fundamental Painting (1975): Lessons in Minimalist Painting přináší první ucelené pojednání o fundamentální malbě a její roli v dějinách malířství 20. století. Termín fundamentální malba vytvořilo amsterdamské Stedelijk Museum a v roce 1975 jej použilo pro název výstavy, která se snažila upozornit na nový druh malby vznikající na obou stranách Atlantiku. Výstava představila 18 umělců z Evropy a ze Spojených států, včetně zakladatelské osobnosti Roberta Rymana. Tehdejší ředitel muzea Edy de Wilde označil jejich umělecké směřování jako reflexi základů malby. V první části knihy sleduje Claudia Rajlich, jak kurátoři definovali tento specifický proud a jak jej přijala kritická obec i veřejnost, ve druhé části pak autorka podrobně popisuje jednotlivé prvky obrazů a vysvětluje, jak je fundamentální malba používá a proč. Následně také zkoumá použití těchto malířských prvků v abstraktním a neobjektivním malířství 20. století ve vztahu k vývoji minimalistické malby. Závěr knihy je věnován působení fundamentální malby na diváka v kontextu umění v průběhu staletí. Autorka se domnívá, že tento druh malby překračuje rámec formalistických vymezení a že je významně provázán s konceptem krásy, jak jej chápe filozofie estetiky. Claudia Rajlich se specializuje na výtvarné umění 20. století, zejména na malbu. Má bohaté zkušenosti jako autorka, kurátorka a umělecká poradkyně pro veřejné i soukromé instituce. Aktuálně se zabývá neobjektivním uměním, trhem s uměním a interdisciplinárními otázkami, které se týkají sbírání umění.

Jaroslav Valečka je absolventem ateliéru Jiřího Sopka na pražské akademii výtvarného umění a na scéně se pohybuje od poloviny devadesátých let 20. století. Během své pětadvacetileté činnosti si vytvořil poutavý umělecký styl, pro nějž čerpá podněty z jemu blízkých severočeských Sudet, které jsou pro něj panoptikem a jež transformuje svojí imaginací. Záměrně pracuje s literárním obsahem a nadsázkou. Programově se navrací k nízkým formám kultury, které byly s nástupem postmoderny rehabilitovány. Za svoji dosavadní kariéru je autorem četných úspěšných výstav jak v zahraničí, tak v Čechách (například Špálova galerie v Praze, Alšova jihočeská galerie). Kniha, v níž je výběrově zastoupena tvorba z posledních deseti let, navazuje na předchozí úspěšnou monografii Edwarda Lucie-Smithe z roku 2015 a mapuje tak Valečkovu tvorbu z posledních let. Vedle přátel z řad britských stuckistů (Paul Harvey, Charles Thomson) přispěli do této publikace Markéta Hornerová, Rea Michalová, Jolana Pastor, Edward Lucie-Smith, Zuzana Štěpanovičová, Kateřina Tučková, Martina Vítková a Radek Wohlmuth. Pro čtenáře může být zajímavá i biografie samotného umělce, v níž píše o svém životě.

Genius. Anti-artist. Charlatan. Impostor! Since 1914 Marcel Duchamp has been called all of these. No artist of the 20th century has aroused more passion and controversy, nor exerted a greater influence on art, the very nature of which Duchamp challenged and redefined as concept rather than product by questioning its traditionally privileged optical nature. At the same time, he never ceased to be engaged, openly or secretly, in provocative activities and works that transformed traditional artmaking procedures. Written with the enthusiastic support of Duchamp's widow, this is one of the most original and important books ever written on this enigmatic artist, and challenges received ideas, misunderstanding and misinformation. With 172 illustrations in colour

Painting isn't as hard as it looks. And it's fun. Whether you're a total beginner or have been painting for years, this indispensable guide cuts through the jargon and provides clear, practical advice and tips to help develop your skills. Techniques and ideas are described and explained, inspiring you to make your own great paintings. Addressing the fundamentals of painting with watercolour, oil and acrylic, the book encourages you to explore the limitless possibilities painting has to offer. Read This if You Want to Be Great at Painting is an accessible and jargon-free guide to painting, including watercolour, oil and acrylic. The book includes more than 40 examples of great paintings by masters and contemporary artists and simple diagrams and practical activities help you practice each technique.

First published in 1814 and expanded in 1821 - long before the era of colour photography or print - Syme's edition of Werner's Nomenclature of Colours attempted to establish a universal colour reference system to help identify, classify and represent species from the natural world. Werner's set of 54 colour standards was enhanced by Patrick Syme with the addition of colour swatches and further references from nature, taking the total number of hues classified to 110. The resulting resource proved invaluable not only to artists but also to zoologists, botanists, mineralogists and anatomists. In Nature's Palette this technicolour trove has, for the first time, been enhanced with the addition of illustrations of the animals, vegetables and minerals Werner referenced alongside each colour swatch and accompanied by expert text explaining the uses and development of colour standards in relation to zoology, botany, minerology and anatomy. This fully realized colour catalogue includes elegant contemporary illustrations of every animal, plant or mineral that Syme cited. Readers can see for themselves Tile Red in the Cock Bullfinch's breast, Shrubby Pimpernel and Porcelain Jasper; or admire the Berlin Blue that Syme identified on the wing feathers of a Jay, in the Hepatica flower and in Blue Sapphire. Displays of contemporary collector's cabinets of birds, butterflies, eggs, flowers and minerals are interspersed at intervals throughout the compendium, with individual specimens colour matched to colour swatches. Still a much-loved reference among artists, naturalists and everyone fascinated by colour today, Werner's Nomenclature of Colours finds its fullest expression in this beautiful and comprehensive colour reference system.

Tomas Rajlich is internationally recognized as a major figure in European painting. His monochromatic canvases based on the Minimalist grid are the result of meticulous research on the fundamental elements of painting. In the 100 small-scale paintings brought together in this booklet, he explores the combination of the impersonal, the gestural and the creative force of light; they are variations on the intensity, luminosity and facture of the paint, while clearly remaining a factual painting. Emerging in the early 1970s, he is often associated with Minimalism and Fundamental Painting a term coined by the Stedelijk Museum Amsterdam in 1975. The current includes Robert Ryman, Robert Mangold, Agnes Martin, and the early years of Brice Marden and Gerhard Richter. An artist of uncompromising integrity, he maintains a position as one of the most significant living postwar and contemporary painters of his generation. His works have been the subject of major retrospectives and included in the collections of renowned museums worldwide, such as the Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, Centre Georges Pompidou, Paris, and the Museum of Modern Art, New York. Tomas Rajlich patří k mezinárodně uznávaným nejdůležitějším osobnostem evropského malířství. Jeho monochromatická plátna založená na minimalistické mřížce jsou výsledkem důkladného výzkumu základních prvků malby. Na stovce maleb malého formátu, obsažených v této knize, zkoumá kombinaci neosobní, gestické a tvůrčí síly světla, jedná se o variace na intenzitu, svítivost a lom barvy, přičemž zcela zřejmě zůstávají věcnou malbou. Na počátku sedmdesátých let byl často spojován s minimalismem a fundamentální malbou pojmem, který zavedlo amsterdamské Stedelijk Museum v roce 1975. Tento proud zahrnuje osobnosti, jako byli Robert Ryman, Robert Mangold, Agnes Martin, v prvních letech též Brice Marden a Gerhard Richter. Rajlich si jako umělec nekompromisní integrity udržuje pozici jednoho z nejvýznamnějších žijících poválečných a současných malířů své generace. Jeho díla byla představena na významných retrospektivních výstavách a stala se součástí sbírek renomovaných světových muzeí, jako jsou Museum Boijmans Van Beuningen v Rotterdamu, Centre Georges Pompidou v Paříži či Museum of Modern Art v New Yorku.

Karel Vaňura, malíř a sklář, je jedním z nejoriginálnějších tvůrců v českém umění 2. poloviny 20. století, dokládá to i tato monografie s množstvím reprodukcí obrazů, asambláží, skleněných vitrají a realizací v architektuře. Vaňura nepřijímal, respektive mechanicky nepřejímal dobové styly a směry, jeho tvorba je původní a autentická. Vaňura v mnoha dílech dosáhl originálních řešení, jak po vizuální, tak po technologické stránce; koncem šedesátých let byl označován jako jeden z nastupujících talentů československého umění, sklářského i malířského. Právě taková tvorba tvoří z českého umění druhé poloviny 20. století onu pestrou, lákavou směsici, která stále překvapuje a inspiruje a která ukazuje, že je stále co objevovat. Tato monografie je prvním komplexním zpracováním díla autora, který kromě vlastní tvorby jako uznávaný pedagog ovlivnil celé generace výtvarníků a který mnohokrát starost o práci ostatních kladl nad svou vlastní tvorbu.

On Alexander Calder's fruitful, creative and enduring relationship with MoMA, from the early wire sculptures to late abstractions Alexander Calder's work first appeared in the Museum of Modern Art's galleries in 1930, in the exhibition Painting and Sculpture by Living Americans. Over the next decades the artist's connection with the Museum would be deep, productive and mutually beneficial. Calder cultivated friendships and working relationships with notable figures, including Alfred H. Barr Jr., the Museum's founding director, and James Johnson Sweeney, with whom he collaborated on his expansive retrospective exhibition in 1943. His work is imprinted on MoMA's early history, not only for its material and conceptual innovation but also for its presence at significant moments, such as a mobile made to hang over the lobby's grand staircase on the occasion of the new Goodwin and Stone building (Lobster Trap and Fish Tail, which hangs there to this day); an elaborate candelabra to adorn the tables at a celebratory anniversary event; and a sculpture to fly off a flagpole to advertise the landmark exhibition Cubism and Abstract Art. Alexander Calder: Modern from the Start celebrates this extraordinarily fertile relationship between an institution and an artist who was both an important creative partner and, with his magnificent gift of 19 works in 1966, a major donor. Through MoMA, Calder came to be known as a pioneer of modern sculpture, and through Calder, MoMA came to understand itself as an American museum of modern art. After studying engineering, Alexander Calder (1898-1976) moved to Paris in the late 1920s, where he found himself at the center of the city's artistic avant-garde. There, he developed his Cirque Calder, a performance artwork comprising dozens of miniature handmade objects, and a group of standalone figurative works in wire. Turning toward abstraction in 1930, Calder invented the mobile--an abstract sculpture made of independent parts that incorporate natural or mechanical movement. He would continue to explore the possibilities of this visual language for the rest of his career, eventually shifting to monumental constructions and public works.

Already revered by his admirers during his lifetime as "Il Divino" (the Divine), Michelangelo Buonarroti embodies the ideal artist of the Renaissance in Italy. No sculptor or painter was able to depict man more impressively in stone and colour; his grandiose masterpieces are still world-famous today.

Palo Macho (1965) patrí k výrazným predstaviteľom súčasného umeleckého skla. Jeho špecifická pozícia v tejto disciplíne je v tom, že sa dlhoročne venuje maľbe na sklo. Prepája farby so sklom (jeho povrchom) na podobných princípoch, ako je tomu v klasickej maľbe. Nemá však k dispozícii plátno, ale sklenenú platňu, nie farby, ktorých tóny vidí okamžite, ale sklárske emaily, listre a drahé kovy, ktoré svoj výsledný odtieň vydajú až potom, čo prejdú taviacim a vypaľovacím procesom v sklárskej peci. Maľba má niekoľko vrstiev: podmaľba sa prekrýva s vnútornou maľbou i s maľbou na povrchu. Aj preto musí byť všetko vopred vymyslené, naplánované, overené. Neoddeliteľnou súčasťou je autorské gesto, dotyk ako stopa ruky, štetca, špachtle... Machove maľby na skle, kde sa hmota, objem a plocha skla spájajú s farbou a autonómnym maliarskym podaním, sú zvláštnym druhom maliarstva. K všetkým týmto výrazovým prostriedkom pristupuje ešte jeden aktívny a kľúčový prvok transparentnosť sklenej tabule a s ňou aj svetlo, ktoré je schopné meniť, dotvárať a oživovať vnímanie jeho diel. Druhé vydanie reprezentačnej monografie predstavuje Machovu tvorbu slovom a obrazom: jeho dielom vás sprevádzajú historičky umenia Katarína Bajcurová a Sylva Petrová, ktoré vo svojich textoch osvetľujú princípy jeho uvažovania a tvorby, ako aj miesto v širších medzinárodných kontextoch súčasného skla. Zásadne rozšírené a doplnené vydanie knihy prináša tiež text Meira Lubora Dohnala a rozhovor Petra Michaloviča s autorom o interpretáciách spoluprácach s inými významnými osobnosťami slovenského vizuálneho umenia (Ľudovít Fulla, Rudolf Fila, Jozef Jankovič, Ivan Csudai, Laco Teren, Jana Hojstričová, Svätopluk Mikyta) a ukážky spoločných diel. Zároveň mapuje aj najnovšiu tvorbu autora do roka 2020. Samostatná časť je venovaná fotodokumentácii dôležitých výstavných projektov. Knihu vydáva bilingválne (angličtina, slovenčina) vydavateľstvo Petrus v spolupráci s VŠVU a o.z. Atelier Studená10.

A Világhírű festők című művészeti sorozatunkban az európai festőművészet-történet tizenkét kiemelkedő alkotójának életművét mutatjuk be. A reneszánsz, a németalföldi, az impresszionista és a modern festészet világába tekinthetünk be, olyan művészek alkotásai révén mint Botticelli és Leonardo, Rembrandt, Renoir, Monet, Gauguin, Van Gogh, Cézanne, illetve Turner, Klimt, Picasso és Kandinszkij. A bájos kivitelű könyvek tömören, tartalmasan és igényesen foglalják össze az egyes művészek életútját és pályáját, bemutatva úgy a legfőbb műveiket, mint az alig ismert titkos gyöngyszemeket. A művészettörténeti ismertetés számtalan csodálatos festmény, rajz és grafika révén kel életre; ezek a kis könyvek igazi képes albumok, szemet gyönyörködtető kiadványok.

The revelation of a misidentified face in a photograph-once thought to be Vincent, now known to be Theo van Gogh-leads to a novelesque story of revised art history Full of surprising anecdotes, this book tells the story of the discovery in 2018 that one of only two known photographs of Vincent van Gogh (1853-1890) is, in fact, of his brother, Theo. The detective-style narrative continues from there to Samuel Delsaut, who found two drawings attributed to Van Gogh in 1958. The archives of the Delsaut family revealed details casting doubt on the authenticity of these drawings, along with abundant correspondence between Samuel's son and the son of Dr. Paul Gachet, who cared for Van Gogh in Auvers-sur-Oise. A real-life lesson in historical criticism, this book, beautifully illustrated with reproductions of Van Gogh's work, has resonance with our contemporary predicament distinguishing information from rumor, journalism from propaganda.

Hoci meno Karola Ondreičku staršieho rezonuje v povedomí kultúrnej verejnosti, s výnimkou výtvarného diela sa veľa dokladov o účinkovaní tohto umelca nezachovalo. Ondreičkovou tvorbou sa síce zaoberá každá štúdia alebo publikácia z dejín moderného umenia na Slovensku, ale vždy je to len niekoľko málo tých istých diel z jedného obdobia tvorby. Kurátori Aurel Hrabušický a Silvia Ilečková sa rozhodli predstaviť život a dielo maliara a grafika Karola Ondreičku podrobnejšie a odhaliť tak polohy, v akých tohto predstaviteľa slovenskej moderny nepoznáme.

Without a doubt, Picasso is one of the most important and versatile artistic personalities of the twentieth century. But how does a body of work become so successful, and how does it wind up in major collections, museums, and exhibitions? Not infrequently, it is the courage of individuals who recognize genius in the works and advocate for them in the face of conservatism and criticism. In Picasso's case, this role in Germany fell to the Bremen art dealer Michael Hertz. His commitment in the post-war period is not only due to Picasso's exhibition at the documenta 3 in 1964, but also to the Kunsthalle Bremen, which has one of the most extensive collections of the artist's prints. This volume brings together the outstanding printworks, including lithographs, linocuts, and artist's books. Picasso's oeuvre of prints can be regarded as a fascinating collection, in which can be read the triumph of the affordable medium in post-war Germany, as well as the dealer's strong commitment.

Written by Musa Mayer - Philip Guston's daughter and President of The Guston Foundation - this book brings Guston's life and his hugely rich and diverse output together into one succinct volume. Split into three sections covering Guston's early career, his mid-century Abstract Expressionist work, and his controversial but now hugely influential late period, the book offers a complete introduction and overview of a mercurial figure.

This exploration of Francisco Goya's graphic output reveals his technical virtuosity and boundless imagination This book presents the first focused investigation of Francisco Goya's (1746-1828) graphic output. Spanning six decades, Goya's works on paper reflect the transformation and turmoil of the Enlightenment, the Inquisition, and Spain's years of constitutional government. Two essays, a detailed chronology, and more than 100 featured artworks illuminate the remarkable breadth and power of Goya's drawings and prints, situating the artist within his historical moment. The selected pieces document the various phases and qualities of Goya's graphic work-from his early etchings after Velazquez through print series such as the Caprichos and The Disasters of War to his late lithographs, The Bulls of Bordeaux, and including albums of drawings that reveal the artist's nightmares, dreams, and visions.

The latest instalment of this indispensable survey of contemporary drawing, chosen by the world's leading art expertsOver the past 50 years, drawing has been elevated from a supporting role to a primary medium, ranking alongside painting as a central art form. Since the publication of Vitamin D (2005) and D2 (2013), contemporary artists have continued to explore drawing's possibilities - from intimate to large-scale works, in a diversity of mark-making processes and materials. Vitamin D3 showcases more than 100 such artists, nominated by more than 70 international art experts. The more than 70 nominators include: Iwona Blazwick, Louisa Buck, Mark Coetzee, Thelma Golden, Laura Hoptman, Geeta Kapur, Pablo Leon de la Barra, Christine Macel, Kate Macfarlane, Hans Ulrich Obrist, and Zoe Whitley. The more than 100 artists include: Miriam Cahn, Robert Crumb, Tom Friedman, Tania Kovats, Claudette Johnson, Rashid Johnson, Otobong Nkanga, Toyin Ojih Odutola, Deanna Petherbridge, Christina Quarles, Qiu Zhijie, Nathaniel Mary Quinn, Wael Shawky, Emma Talbot, and Johanna Unzueta.

Ralph Steadman: A Life in Ink is the definitive career retrospective of this revered and provocative UK artist. Renowned for his collaborations with iconic American writer Hunter S. Thompson, he formed an unlikely duo that created "Gonzo" journalism. This lifelong collaboration included the now-legendary Fear and Loathing in Las Vegas, originally published in Rolling Stone magazine, which has since become a cult classic. * Explores Steadman's signature ink-splattered style * Features a diverse body of work that includes satirical political illustrations * Includes art from award-winning children's books such as Alice in WonderlandRalph Steadman: A Life in Ink is a must-have celebration of the artist's important and influential career. This comprehensive monograph on the life and work of Ralph Steadman collects work from his dozens of books from his 50-plus year career. * Satirist, artist, cartoonist, illustrator, writer-Steadman's prolific and influential career continues to resonate and inspire. * His work is synonymous with the counterculture of the 1970s. * The ultimate gift and coffee table book for fans of Gonzo journalism, Hunter S. Thompson, and political satire * Add it to the shelf with books like .Ralph Steadman: Proud Too Be Weirrd by Ralph Steadman, The Curse of Lono by Hunter S. Thompson, and Gonzo: The Art by Ralph Steadman.

Různé umělecké styly napříč časem se spojily, aby vytvořily nádherný soubor obrazů a daly vašemu osobnímu prostoru jedinečnou tvář. Stačí si jen vybrat z 21 výtvarných ztvárnění rostlin, vyjmout stránku a zarámovat.