Najnovšie - Dejiny, teória umenia strana 13 z 32

Kniha Na okrajích umění problematizuje a novým způsobem pojímá všeobecně sdílenou představu, podle níž svět umění tvoří oblast nejen odlišnou, nýbrž protikladnou běžnému, každodennímu světu. Výchozím tématem knihy je popis soudního sporu z let 1927 a 1928 mezi francouzsko-rumunským modernistickým sochařem Constantinem Brâncusim a vládou Spojených států amerických. Celní úřad Spojených států tehdy odmítl přiznat některým Brâncusiho sochám pro jejich neobvyklý zjev status uměleckých děl a odepřel jim tímto bezcelní odbavení. Při této události se zdánlivě oddělené světy umění a běžného života zničehonic prolnuly a vyvolaly tak zajímavé otázky ohledně jejich vztahu. Jakou roli hraje při oceňování uměleckých děl definice umění, kterou více či méně vědomě předpokládáme? Jakou roli při hodnocení uměleckých děl hrají pocity, emoce či nálady? Jsou umělecká díla k něčemu užitečná, a pokud ano, k čemu? Jednotlivé kapitoly této knihy se pokoušejí na tyto otázky odpovědět prostřednictvím významných, procesuálně zaměřených hypotéz, tedy filozofií, které kladou ve svém pojetí světa důraz na proces, změnu a kreativitu. Vychází ve spolupráci s Jihočeskou univerzitou v Českých Budějovicích.

Gederéczi Gombocz Zoltán (Sopron, 1877. június 18. - Budapest, 1935. május 1.) magyar nyelvtudós, egyetemi tanár, a Magyar Tudományos Akadémia tagja. Az ELTE Bölcsészettudományi Kar egykori dékánja. Jelen tanulmánya a magyar őshaza, azaz a Magna Hungaria kérdéskörét igyekszik felderíteni a korai források felhasználása segítségével. Itt nem csak a történettudomány lehetőségeivel él a szerző, hanem a nyelvtudomány és a korai diplomácia iratainak, valamint a korszak utazóinak feljegyzéseit, beszámolóit is feldolgozza tanulmányában.

This landmark publication accompanies an international touring exhibition devoted to Black figuration in painting from the 1920s to now, featuring artists from Africa and the African diaspora. Published to accompany a major exhibition at Zeitz MOCAA, CapeTown, When We See Us presents a comprehensive exploration of Black representation through portraiture and figuration, celebrating Black subjectivity and Black consciousness from Pan-African and Pan-Diasporic perspectives. In the past decade, figurative painting by Black artists has risento a new prominence in the field of contemporary art. This timely and revelatory book highlights the many ways in which artists critically engage with notions of blackness, contributing to the critical discourse on topics such as Pan-Africanism, the Civil Rights Movement, African Liberation and Independence movements, the Anti-Apartheid and Black Consciousness mobilizations, Decoloniality, and Black Lives Matter. With a primary focus on figurative painting, When We See Us explores how Black artists have imagined, positioned, memorialized, and asserted African and African diasporic experiences from the early 20th century to the present day. Featuring more than 200 works of art?and contributions from well-known writers such as Ken Bugul, Maaza Mengiste, Robin Coste Lewis, and Bill Kouelany?When We See Us is a major contribution to our understanding of Black art that will appeal to anyone interested in modern and contemporary figurative art and Black cultural history. 230 color illustrations

Od chvíle, kdy se elektřina stala všudypřítomnou, jsou umělci fascinováni širokou škálou možností, jak ji využít ve své umělecké tvorbě. Katalog Kinetismus:100 let elektřiny v umění, který doprovází úvodní výstavu v Kunsthalle Praha, zkoumá, jak elektřina od roku 1920 do současnosti proměnila uměleckou praxi. Věnuje se kinematografii, zvuku, kinetickým mechanickým sochám, počítačovému umění i imerzivním instalacím. Historická perspektiva ještě podtrhuje skutečnost, že se elektřina se svými rozmanitými způsoby využití – od umělého osvětlení po výpočetní techniku – stala charakteristickým prvkem naší společnosti. Kinetismus: 100 let elektřiny v umění obsahuje esej Petera Weibela, autora koncepce výstavy, čtyři tematické kapitoly napsané spolu-kurátorkou Lívií Nolasco-Rózsás a také popisy a reprodukce klíčových uměleckých děl tvůrců, jako jsou Mary Ellen Bute, William Kentridge, Christina Kubish, Zdeněk Pešánek, Anna Ridler, Nicolas Schöffer, Jeffrey Shaw, Takis, Steina a Woody Vasulka. Koncepce / redakce: Peter Weibel a Christelle Havranek. Texty: Václav Hájek, Jiří Hájek, Judith Bihr, Anne-Laure Chamboissier, Dávid Fehér, George Fifield, Jeanpaul Goergen, Idis Hartmann, Christelle Havranek, Anett Holzheid, Daniel Irrgang, Toby Kamps, Paul Kenig, Clara Kim, Pelin Kivrak, Anna Kodl, Rosemary Lee, Sandra Naumann, Lívia Nolasco-Rózsás, Márton Orosz, Andres Pardey, Sylva Poláková, Adriana Prodeus, Guillaume Richard, Barbora Ropková, Clara Runge, Leila Topić, Miloš Vojtěchovský, Peter Weibel, Siegfried Zielinski

Kritik a teoretik umění Jindřich Chalupecký (1910–1990) významným způsobem ovlivnil kulturní život bývalého Československa. Jeho tvorbou prostupuje téma vztahu umění a společnosti a otázka, jak učinit moderní umění smysluplným. Klíčem, jak k dílu kritika přistoupit, se pro autory kolektivní monografie staly Chalupeckého texty. Jejich výběr poskytl chronologické a tematické uzly, které umožnily nahlédnout do historických okolností vzniku textů, přiblížit vztahy k vybraným osobnostem nebo ideové a praktické okolnosti jejich publikování. Součástí publikace je aktualizovaná bibliografie Chalupeckého díla. Anežka Bartlová, Tomáš Glanc, Johana Lomová, Tomáš Pospiszyl (ed.), Jan Wollner

Raphael (1483–1520) is considered the most important artist of the Italian High Renaissance alongside Michelangelo and Leonardo. In his short lifetime he created around one hundred paintings and numerous frescoes, including nine fresco cycles, on an unsurpassed variety of themes – from sensual female beauties, antique myths and portraits of wealthy Romans and church dignitaries to history cycles and biblical scenes. He produced altarpieces, as well as designing tapestries for the Sistine Chapel and directing the construction of St Peter’s Basilica. His Sistine Madonna is one of the most frequently reproduced religious paintings of all time. Raphael was a tireless learner, for whom there could be no standing still, no repetition of tried and tested solutions, but only the constant forward thrust of an inexhaustible imagination. He transformed his central theme, the visionary experience of divine grace, into visible pictorial reality. It was his mature work in Rome, and above all the frescoes in the Vatican Palace, that secured him his place in art history. Admired even during his own lifetime as the most modern artist of his day, Raphael’s mastery would pave the way for Mannerism and the Baroque era. This XXL edition is the most comprehensive work published on Raphael. The volume encompasses in total 112 paintings and all the frescoes, architectural projects and tapestries in many new photographs and numerous details, as well as the most extensive catalogue raisonné of the artist’s oeuvre. A team of Raphael experts introduces the reader also to the fascinating interplay of art and power in the High Renaissance.

Morava, země uprostřed Evropy, byla po staletí křižovatkou kultur, které se nejviditelněji projevovaly v umění. Do země už od středověku mířili umělci a umělečtí řemeslníci z celé Evropy, aby zde ve shodě s poučenými objednavateli pracovali na dílech, která dodnes berou dech. Spolu s nimi zanechali na Moravě nepřehlédnutelnou stopu i domácí umělci, kteří přicházející podněty rozvíjeli. Kniha s rozsáhlou obrazovou přílohou vypráví dlouhý příběh umění na Moravě a vedle malířství, architektury a sochařství věnuje pozornost i lidem, kteří jsou s uměním neodlučně spjati.

Some 500 years ago, Sandro Botticelli, a painter of humble origin, created work of unearthly beauty. An intimate associate of Florence's unofficial rulers, the Medici, he was commissioned by a member of their family to execute a near-impossible project: to illustrate all 100 cantos of The Divine Comedy by the city's greatest poet, Dante Alighieri. A powerful encounter between poet and artist, sacred and secular, earthly and evanescent, these drawings produced a wealth of stunning images but were never finished. Botticelli declined into poverty and obscurity, and his illustrations went missing for 400 years. The nineteenth-century rediscovery of Botticelli's Dante drawings brought scholars to their knees: this work embodied everything the Renaissance had come to mean. Today, Botticelli's Primavera adorns household objects of every kind. This book is essential to explain not only how and why this artist became iconic, but why we need still need his work-and the spirit of the Renaissance-today.

Konečně kompletní kniha o Leonardovi! Leonardo da Vinci byl nejen mistrem renesance, ale také géniem, který předběhl svou dobu. Mezi jeho nejznámější díla patří obrazy Mona Lisa a Poslední večeře, ale Leonardo byl mnohem víc než jen mimořádně nadaný a schopný malíř. Sám o sobě ve skutečnosti přemýšlel především jako o architektovi a válečném inženýrovi. Tato výjimečná kniha o Leonardu da Vincim představuje kompletní příběh umělcova či inženýrova života a doby, v níž tvořil. Odhaluje hlavní témata, jež se skrývají v jeho zásadních pracích. Zdobí ji nádherné dobové renesanční reprodukce a Leonardova umělecká díla a návrhy. Zároveň zde najdete jeho nápady, plány a myšlenky, které on sám považoval za nejvýznačnější. Byly objeveny v rukopisech z univerzitních a muzejních sbírek či soukromých archivů, jež dohromady čítají přes šest tisíc stran jeho zachovaných poznámek, skic a nákresů. Výsledkem je jedinečné zobrazení tohoto mimořádně talentovaného člověka. Matthew Landrus, autor této mimořádné knihy o Leonardovi, se specializuje na dějiny věd a umění raného novověku se zaměřením na Itálii. Je členem fakulty historie na Oxfordské univerzitě ve Velké Británii, vede vysokoškolské kurzy na Newyorské univerzitě a na Vysoké škole designu na Rhode Islandu v USA. Vyučuje dějiny renesance a raného novověku a vede semináře zaměřené na osobu a tvorbu Leonarda da Vinciho. Publikoval nespočet esejů a tři monografie věnované přímo Leonardovi. Italská renesance Leonardo a jeho souputníci. Seznamte se s událostmi, které stály za znovuzrozením umění a architektury v Evropě! Z učedníka mistrem Jak prožil Leonardo svoje dětsví a učednická léta mezi těmi nejlepšími? Jak se stal nezávislým malířem a mistrem vyhledávaným mecenáši? Tajemný génius Od lidské anatomie až po architekturu a konstruování: Jak měly fungovat úžasné vynálezy, které vzešly z Leonardovy dílny? Nejslavnější díla Pod povrch všech významných děl a milníků Leonardova života. Co si myslel, kde bral inspiraci, co formovalo jeho myšlenky?

Kniha obsahuje vybrané texty o dějinách architektury a historiografii dějin umění, z nichž jen část byla zveřejněna v českém jazyce. Jejich společným jmenovatelem je ambice překonat nacionalistický model historického vyprávění a v kontrastu vůči němu pěstovat transnacionální dějiny. Jak naznačuje ironicky míněný titul knihy, tento přístup může být obzvláště produktivní ve střední Evropě, která vždy byla doménou multikulturní reality a uměleckých cirkulací. Ústředním tématem je migrace umělců či historiků umění a cirkulace idejí nebo vizuálních forem. Autor se v několika studiích pokouší o komparativní uměleckohistorický přístup, v dalších překračuje tradiční regionální hranice a nastoluje středoevropská témata.

Jean-Michel Basquiat's symbolic, complex, and often emotionally charged work made a huge impact on the 1980s downtown New York City art scene. And though his all-too-brief career ended when he died at age 27, Basquiat left behind an enormous legacy-not only in the number of works he produced, but also in the messages he encoded around political, social, racial, and cultural issues. This exciting book shows how Basquiat used an intricate network of signs and symbols to challenge the very system that made him a darling of the art world. It traces his inspiration from cartoons, children's drawings, and advertising as well as his own Haitian and Puerto Rican heritage; discusses the influence of African-American, African, and Aztec cultural histories; and shows how Basquiat incorporated into his work classical themes and contemporary icons-from athletes to musicians. What becomes clear is how, even as a young man, Basquiat had a profound understanding of the artist's role in art history, and of his position as a young Black artist in a world of racism, suppression and social injustice. This book helps readers decode Basquiat's unique lingua franca, an intoxicating body of work brimming with social commentary that was in turns incisive, angry, comic, hip, and heartbreaking, and that remains powerful and meaningful today.

Written by a team of expert authors, this landmark textbook shows that art is more than European and extends far beyond the traditional canon. The History of Art: A Global View answers the urgent need for a more global, inclusive way to teach the history of the world’s art. Led by Jean Robertson and Deborah Hutton, eleven specialists have cohered around the shared goal of bringing multiple perspectives to a worldwide narrative. The resulting survey represents every global region as an important part of an integrated, chronological history that emphasizes cross-cultural connections, contrasts and comparisons. The first major art history textbook of the 21st century, The History of Art: A Global View equips students to understand the history of art in new and revealing ways.

A concise, reader-friendly illustrated survey of Western art and architecture from prehistory to the present day. Acknowledging how architecture, painting, sculpture and the decorative arts reflect the culture and society of their time, this latest addition to the Art Essentials series invites the reader to experience and appreciate the entirety of Western art from prehistory to today. Focusing on the 'history' in art history, each of the twelve chapters opens with a question to ponder, followed by a summary of the major historical developments of the period, touching on social structure, political organization, migration, race, religious beliefs, scientific advances and customs. An exploration of these themes in the visual arts reveals how architecture, sculpture and painting simultaneously shape, reflect, and document the culture of the time and place they were created. A secondary focus explores the constantly evolving aesthetic preferences that swing between naturalism and abstraction, with each era and style either rebelling against the previous or seeking to improve it. Antecedents and outside influences are also discussed.

Get Your Shit Together is the first book that exclusively features recent artwork in color by beloved British artist David Shrigley. This volume celebrates Shrigley's absurd, deadpan sensibility through both his signature drawing style and accompanying text. Organized by chapters with titles such as Stupid, Nonsense, Dirt, Fear, Paranoia, Love, and Self Delusion, this collection is sure to delight die-hard Shrigley fans and new ones alike.This is the largest-format book to date on Shrigley's prolific work, and features design details such as a ribbon marker with one of his mordant sayings printed on it, as well as hand-written, humorous essays throughout.

Jerry Saltz is one of our most-watched writers about art and artists, and a passionate champion of the importance of art in our shared cultural life. Since the 1990s he has been an indispensable cultural voice: witty and provocative, he has attracted contemporary readers to fine art as few critics have. An early champion of forgotten and overlooked women artists, he has also celebrated the pioneering work of African American, LGBTQ+, and other long-marginalized creators. Sotheby's Institute of Art has called him, simply, “the art critic.” Now, in Art Is Life, Jerry Saltz draws on two decades of work to offer a real-time survey of contemporary art as a barometer of our times. Chronicling a period punctuated by dramatic turning points—from the cultural reset of 9/11 to the rolling social crises of today—Saltz traces how visionary artists have both documented and challenged the culture. Art Is Life offers Saltz’s eye-opening appraisals of trailblazers like Kara Walker, David Wojnarowicz, Hilma af Klint, and Jasper Johns; provocateurs like Jeff Koons, Richard Prince, and Marina Abramović; and visionaries like Jackson Pollock, Bill Traylor, and Willem de Kooning. Saltz celebrates landmarks like the Obama portraits by Kehinde Wiley and Amy Sherald, writes searchingly about disturbing moments such as the Ankara gallery assassination, and offers surprising takes on figures from Thomas Kinkade to Kim Kardashian. And he shares stories of his own haunted childhood, his time as a “failed artist,” and his epiphanies upon beholding work by Botticelli, Delacroix, and the cave painters of Niaux. With his signature blend of candor and conviction, Jerry Saltz argues in Art Is Life for the importance of the fearless artist—reminding us that art is a kind of channeled voice of human experience, a necessary window onto our times. The result is an openhearted and irresistibly readable appraisal by one of our most important cultural observers.

"Csak az a szamuráj tudja ellátni csatlósi teendőit, aki az egyik vállán a hűség és a gyermeki kötelesség, a másikon a bátorság és az irgalom nehéz terhét cipeli éjjel-nappal."

Syn zámožného advokát Filipa Messera a Berty, rozené Heim; oba byli židovského původu a německého jazyka. V roce 1900 se M. přestěhoval do Budapešti a nechal si úředně změnit příjmení na „Meszlény“, od r. 1902 studoval na zdejší univerzitě filologii, v r. 1908 tu obhájil práci věnovanou dílu H. W. von Gerstenberg. V letech 1909–14 žil ve Švýcarsku – nejprve v Bernu, poté v Ženevě (z této doby pochází několik jeho knižních monografií a především série statí publikovaných zejména v berlínském časopise Die Grenzboten), v r. 1912 se habilitoval na ženevské filozofické fakultě. Po vypuknutí války načas zakotvil v Poznani a redigoval tu časopis Aus dem Posener Lande, během r. 1915 musel narukovat. V r. 1917 byl vojenské povinnosti zproštěn a začal vyučovat na obchodní akademii v Pozsony/Pressburgu. V r. 1918 vyšla konečně knižně první část jeho monografie o Carlu Spittelerovi (Karl Spitteler und das neudeutsche Epos). V poválečné Bratislavě zůstal zakotven až do r. 1922; podílel se na provozu místního Uměleckého spolku, v r. 1920 vydával měsíčník Das Riff. V r. 1922 se stal lektorem němčiny na pražské české filozofické fakultě, rok nato se tu neúspěšně pokusil o habilitaci, pokračoval nicméně v práci lektora. Zásadní platformu našel už v té době v deníku Prager Presse, kam přispíval texty o literatuře, avšak postupně především o aktuální kunsthistorické či výtvarněkritické produkci. Do roku 1940 M. spojil síly také s redakcemi několika dalších periodik – nejvýrazněji s časopisy Kunst für Alle, Svobodný zednář, Forum, Dílo a Filosofická revue, v roce 1938 vyšel knižně jeho diptych Jak se dívat na obrazy a Jak se dívat na sochy. Válku přežil, k transportu do Terezína nastoupil až v únoru 1945. I po válce vyučoval na pražské filozofické fakultě, v textech publikovaných do r. 1948 se zabýval zejména evropskou lyrikou, měl pravděpodobně v plánu vydat další větší rilkovskou práci, na což nedošlo. Poslední lektorské kurzy si odbyl v r. 1958. Kniha je v první řadě výborem z textů Richarda Messera (Meszlénye/Meßlenyho). Většinu jich publikoval německy, a protože texty jsou ponechány v původním znění (a na tom základě pouze edičně upraveny), výsledná antologie je dominantně německojazyčná. Vzniklý korpus, čítající větší stati i drobné recenzní glosy, má vybídnout k zevrubnějšímu – byť průřezovému – seznámení s okruhy témat, jimž M. věnoval pozornost, má být příležitostí k nahlédnutí jedné specifické intelektuální dráhy, v jejích konkrétních artikulacích a dis/kontinuitách. Jednu z dlouholetých linek M. záběru otevírá hned úvodní stať věnovaná dílu C. Spittelera. Jeho eposy se mu staly středem úvah o spektru epických žánrů a možnostech eposu v moderním literárním diskurzu, v těchto souvislostech se zabýval také dramatickou tvorbou J. W. Goetha a Ch. F. Hebbela, prozaickými novinkami „mladých Švýcarů“ a později také dílem R. M. Rilka; provázanost látky a určité (totiž švýcarské) státně-politické idey sledoval v knize Tell-Probleme. Švýcarské prostředí mocně stimulovalo také M. interes o výtvarné umění, který se přelil i do pokusů výtvarněkritických či kunsthistorických, soustředěných zejména k pracím F. Hodlera, G. Giacomettiho a C. Amieta. V těchto dvou vrstvách se M. psaní pohybovalo i po další desetiletí, s převahou druhé z nich v letech první republiky, resp. až do r. 1940, z něhož pochází poslední text našeho výboru. Po druhé světové válce de facto M. coby výtvarný kritik/historik umlká, vraceje se k fascinaci dílem Rilkovým – ovšem v obecnějším kontextu pojmu moderní lyriky. Zvláštní složku utváří několik textů programních, v nichž M. exponoval svou pozici kulturněpolitickou: z nich byla do výboru zařazena dvojice textů z období tajemnického působení v bratislavském Uměleckém spolku (1919), dále stati Die wirtschaftliche Verantwortung (1921), Wege zur Einheit (1924), Kaserne rechts, die Kirche links, die Maurer in der Mitte (1930) a Ziele und Wege (1936).

Lucie Králová přináší unikátní kritickou reflexi vnitřního života České televize v oblasti dramaturgie dokumentárního filmu. Ukazuje, jak aktéři v televizi chápou dramaturgii a žánr, jaké představy mají o divácích i autorech a jak „rozumějí televizi“. ČT zároveň odhaluje jako instituci definovanou konkrétními lidmi a jejich představami o tvorbě obsahu a pomocí často anonymních zpovědí ukazuje mocenské hierarchie. Přes svůj kritický pohled však autorka obhajuje pozici České televize jako nezastupitelné instituce veřejné služby.

An insightful look at the history of Tibet and Buddhism through historical narratives and striking art from the Alain Bordier collection. Fascinated by Buddhist art and Asian spirituality, Alain Bordier has spent more than forty years building a unique collection of religious objects from the Himalayas (Tibet, Nepal, and Bhutan). On display today at the Tibet Museum in the heart of the medieval city of Gruyéres, Switzerland, some six hundred works offer visitors the rare opportunity to discover an endangered world heritage. This volume presents a general historic and artistic framework of Tibetan art through narratives, anecdotes, and commentary from Bordier on the different subjects and the collection itself. Beyond the artistic aspect, this work demonstrates the symbolism and spirituality that emerge from each object and offers an interpretation of the themes from a Buddhist viewpoint. The highlight of the book is the presentation of an unpublished manuscript retracing the life of Milarepa, the great eleventh-century Tibetan yogi, whose analysis provides an excellent introduction to the great Buddhist principles.