Najnovšie - Dejiny, teória umenia strana 29 z 32

Výstava spolu s publikací zkoumá vývoj angažovaného a protestního umění v českých zemích s důrazem na období od globální finanční krize roku 2008. Domácí vývoj klade do širšího kontextu mezinárodních hnutí, jako jsou Occupy Wall Street, Black Lives Matter, Me Too, Fridays for Future, Extinction Rebellion a další. Vedle českých kolektivních iniciativ se projekt zaměřuje i na zahraniční umělecké skupiny, jejichž aktivity ovlivnily politické události a staly se inspirací pro domácí umělce. Pozornost je věnována i umění ve veřejném prostoru, sociálním intervencím a participativním strategiím, které podporují občanské iniciativy a posilují společenskou odolnost. Projekt zkoumá vztahy mezi jednotlivcem a globální i lokální komunitou, analyzuje solidaritu, odpovědnost a umělecké prostředky jako formu aktivního angažmá. Skupina reflektuje propojení umění a sociální spravedlnosti, lidských práv a ekologických otázek – upozorňuje na neoddělitelný charakter těchto témat v době antropocénu. Publikace pracuje s dokumentačními i uměleckými formami a sleduje pojem „performativní demokracie“, jak ho popisuje teoretik Peter Weibel. Zároveň se celý projekt ptá na roli protestního umění v politickém rámci: kde leží hranice jeho společenské přijatelnosti, odmítání a případného postihu? Texty: CZ, SK, ENG: Mgr. Zuzana Štefková, Adéla Průchová Hrůzová, Lenka Kukurová, Alice Koubová, Oliver Elser, Jakub Adamec, Tamara Moyzes, Megan Hoetger, Barbara Holub, Nicola Baird, Darina Alster Anotace AJ: The exhibition and the accompanying publication explore the development of engaged and protest art in the Czech Lands, with an emphasis on the period since the 2008 global financial crisis. Domestic developments are placed in the broader context of international movements such as Occupy Wall Street, Black Lives Matter, Me Too, Fridays for Future, Extinction Rebellion and others. In addition to Czech collective initiatives, the project also focuses on international art groups whose activities have influenced political events and inspired domestic artists. Attention is also paid to art in public spaces, social interventions and participatory strategies that support civic initiatives and strengthen social resilience. The project explores the relationships between individuals and both global and local communities, analysing solidarity, responsibility and artistic means as forms of active engagement. The group reflects on the interconnectedness of art, social justice, human rights and environmental issues, highlighting the inseparable nature of these topics in the Anthropocene era. The publication utilises documentary and artistic forms and explores the concept of ""performative democracy,"" as described by theorist Peter Weibel. At the same time, the entire project raises questions about the role of protest art in the political sphere: what are the boundaries of its social acceptability, rejection and possible punishment?

For over forty-five years, Rumiko Takahashi has thrilled readers with her versatile storytelling in such works as Urusei Yatsura, Maison Ikkoku, Ranma 1/2, Inuyasha, RIN-NE, and Mao. This deluxe art book is presented in its original right-to-left format and shows off Takahashi's original drawings in gorgeous detail, highlighting the original colors and typesetting. This book features commentary, anecdotes, and a long-form interview with Takahashi in which she provides readers with insight into her process. Also included are a ribbon bookmark, an exclusive drawing of Lum from Urusei Yatsura showing each phase from sketch to final art, and special sections in which Takahashi picks her favorite panels from her series. This unique look into the mind of a creative master is sure to inspire readers, artists, and fans all over the world.

Kniha E=ART? aneb Evoluce umění je unikátním dílem, které spojuje bohatství vizuálního umění s hlubokými teoretickými poznatky o jeho vývoji. Album reprodukcí, schemat a kreseb nabízí čtenářům nejen estetický zážitek, ale i detailní vysvětlení základních principů a zákonitostí, které stojí za evolucí umění. Autor v této knize představuje novou teorii, podle níž vývoj umění není výsledkem náhody, ale je řízen přísnými zákony, které jsou podobné těm, které platí v ostatních vědeckých oblastech. Pomocí srovnání nejslavnějších uměleckých děl a objektů napříč historií nás autor provádí od prvních jeskynních maleb až po současné instalace v moderních galeriích a výstavních síních. Vysvětluje, jak se měnily základní principy uměleckého vyjádření a jak se jednotlivé epochy a umělecké směry vzájemně ovlivňovaly. Tato metoda ukazuje, že umění není izolované, ale je součástí širšího kulturního a společenského kontextu. Kniha se nezaměřuje pouze na minulost, ale také na novinky a trendy, které dnes formují současný umělecký svět. Seznamuje čtenáře s pojmy jako jsou „eliptické obrazy“ a „artsféra“, což jsou koncepty, které odrážejí aktuální směry v moderním umění a jeho propojení s novými technologiemi a interaktivními médii. Text je napsán jasně, jednoduše a srozumitelně, což činí knihu přístupnou širokému okruhu čtenářů – od milovníků a obdivovatelů umění až po studenty uměleckých škol, pro které může být tato publikace cenným zdrojem inspirace a poznání. E=ART? nejen že obohacuje naše porozumění umění, ale také nás vede k tomu, abychom v něm viděli strukturu, souvislosti a zákonitosti, které nás mohou vést k novým způsobům jeho vnímání.

The culture war is over. If you want it to be. It wasn’t even a culture war; it was a war on culture. A sustained attack, Dan Hicks argues, in the form of the weaponisation of civic museums, public art, and even universities ? and one that has a deeper history than you might think. Tracing the origins of contemporary conflicts over art, heritage, memory, and colonialism, Every Monument Will Fall joins the dots between the building of statues, the founding of academic disciplines like archaeology and anthropology, and the warehousing of stolen art and human skulls in museums ? including the one in which he is a curator. Part history, part biography, part excavation, the story runs from the Yorkshire wolds to the Crimean War, from southern Ireland to the frontline of the American Civil War, from the City of London to the University of Oxford ? revealing enduring legacies of militarism, slavery, racism and white supremacy hardwired into the heart of our cultural institutions. Every Monument Will Fall offers an urgent reappraisal of how we think about culture, and how to find hope, remembrance and reconciliation in the fragments of an unfinished violent past. Refusing to choose between pulling down every statue, or living in a past that we can never change, the book makes the case for allowing monuments to fall once in a while, even those that are hard to see as monuments, rebuilding a memory culture that is in step with our times.

Svět výtvarného umění byl po staletí uzavřeným pánským klubem. Ženy do něj směly vstupovat jen dvěma zadními vchody. První byl určen pro inspirativní múzy a modelky, druhý pro pečující manželky a milenky, případně nepřiznané živitelky a mecenášky dotyčných umělců. Kniha je připomenutím známých, slavných i neprávem zapomínaných osobností, a zároveň průvodcem dějinami umění od renesance po současnost. A to nejen v Evropě, ale po celém světě, včetně umělkyň z řad původních obyvatelů kolonizovaných zemí.

Toužíme po umění a sexu, protože toužíme po lidské autenticitě, čistých emocích a kráse. A přesto se obojí v kapitalistické společnosti stává komoditou a kapitálem. Vedena osobní zkušeností nás Sophia Giovannitti provádí reáliemi umělecké a sexuální práce, aby prozkoumala jejich blízkost a vzájemné podmiňování. S přesností a pečlivostí odhaluje materiální podmínky sexu a umění a ptá se: Můžeme tuto nevyvratitelnou realitu využít ve svůj prospěch a svou svobodu? Jak si vzít vše, aniž bychom museli dávat sebe samotné? Díky poutavé kombinaci osobních příběhů, kritické (auto)teorie a exkurzů do dějin umění a sex práce lze považovat Pracující dívku za zásadní dílo současné feministické teorie umění. Sophia Giovannitti nám ukazuje, jak pro sebe ukořistit to, čeho si ceníme nejvíc, aniž bychom byli někomu dlužni. Řečeno autorčinými slovy: „Nechci, aby mi kdokoli cokoli bral. Chci svobodně dávat nebo prodávat.“

Mezinárodní tým historiček a historiků literatury, výtvarného umění, divadla, filmu a hudby v kolektivní monografii sleduje, jakými způsoby umění v meziválečném Československu utvářelo veřejný diskurz. Ve čtyřiceti případových studiích autorky a autoři odhalují nové souvislosti a rozkrývají vztahy mezi uměním a politikou. První svazek se zaměřuje na ideu československé státnosti, problematiku národnostních identit a zkoumá napětí mezi politikou a každodenností v novém státě zobrazené v soudobém umění. Druhý svazek se soustřeďuje na umělecká gesta avantgardy reagující na proměnu světa po první světové válce, sociální situaci v novém státě a vize jejich řešení. Sleduje i umělecké reakce na důsledky celosvětové ekonomické krize a ohrožení evropské demokracie.

Károly Divald a jeho synovia. Z Prešova do Budapešti predstavuje prvú súhrnnú umelecko-historickú monografiu k životu a dielu Károlya Divalda v slovenskom prostredí. Monografia nadväzuje na a rozširuje staršie maďarské i slovenské výskumy, zároveň je rozsiahlo ilustrovaná pôvodným fotografickým materiálom zo slovenských i zahraničných zbierok. Keďže v závere Divaldovho života bola jeho tvorba úzko spojená s tvorbou jeho synov, monografia sa stručne venuje aj ich prínosu k vizuálnej kultúre v uhorskom prostredí na konci 19. a začiatkom 20. storočia. Kniha vyšla ako katalóg k rovnomennej výstave v Slovenskej národnej galérii a existuje aj v anglickom vydaní.

In Acts of Resistance, Amber Massie-Blomfield writes about the artists who have treated the protest site as their canvas and contributed to movements that have transformed history - from the musicians in Auschwitz to the four-year Siege of Sarajevo, from the to ACT UP's 1989 invasion of the New York Stock Exchange, to the Niger Delta and indigenous communities in Bolivia. Including stories and artists from across the globe, including Susan Sontag, Ken Saro-Wiwa, and Claude Cahun - alongside collectives, communities, amateurs and anonymous creators who have used their art as an expression of resistance - this fascinating book asks what is the purpose of art in a world on fire? Why are artists compelled to paint, write, dance and make music, even when the odds are stacked against them? And how can artistic creation be a genuine form of political resistance? Combining cultural criticism, history and memoir, Acts of Resistance is an urgent reminder that art can make a human life more bearable, and can be a means of building the things that a person needs to survive the bleakest circumstances. It is a testament to that idea, and to the people who have risked their lives to prove it is so. While their stories are remarkable, they are also a reminder that each of us can use creativity in defense of our humanity.

Rozsáhlá třídílná publikace poskytuje komplexní pohled na vývoj výtvarné kultury středověku a rané renesance v regionu východních Čech v letech 1200 až 1550. Umění tohoto regionu je v takovém rozsahu zkoumáno vůbec poprvé a na vzniku publikace se podílelo téměř šest desítek autorů, odborníků na danou problematiku. První díl obsahuje syntetické studie zaměřené na klíčová témata nejen z oblasti výtvarného umění zahrnujícího malířství, sochařství či umělecké řemeslo, ale také podnětné příspěvky z oborů historie, geografie, archeologie, architektury a urbanismu. Následující dva svazky katalogové části podrobně představují jednotlivá umělecká díla v rámci jejich historických a umělecko-historických souvislostí. Publikace neopomíjí ani středoevropský kontext, který je v tomto případě zaměřen zejména na Kladsko, ve sledovaném období součást českého království. Tří svazková publikace je doplněna bohatou obrazovou dokumentací.

A powerful, timely and thought-provoking exploration of the transformative role of the museum – and of art – in society today. As the world continues to adapt to the consequences of a global pandemic that has disrupted social life as we have known it, museums continue to experience unprecedented disruption and change. The sector has endured a nearly two-year period where they were closed to the public. Many also discovered new audiences and new purpose, through global digital connection, through renewed community purpose and through the revitalised interest from a public hungry for social connection and cultural inspiration. At the same time, there has been growing debate and dissent over what museums are for, who they speak to and the histories, objects and ideas they are tasked with holding – all taking place within a public sphere that is more dynamic and volatile than ever before. Taking a wide-ranging look at museums themselves, but also the dialogue around the responsibilities of our public institutions, Maria Balshaw explores some of the critical challenges and opportunities for art and culture at this point in the twenty-first century. Moving from the historical origins of the gallery to the way in which art and artists can imagine and shape our collective future, the publication will also connect with important debates taking place around art and the climate emergency, race equality and decolonisation, and the value of the arts in education. It is also a love letter to the museum, from a cultural leader who is at the forefront of the conversation today.

How technology and the attention economy has impacted contemporary art. The ways we encounter contemporary art and performance is changing. Installations brim with archival documents. Dances stretch for weeks. Performances last a minute. Exhibitions are spread out over thirty venues. There are endless artworks about mid-century architecture and design. How are we expected to engage with today's diverse practise? Is the old model of close-looking still the ideal, or has it given way to browsing, skimming, and sampling? Across four essays, art historian and critic Claire Bishop identifies trends in contemporary practice - research-based installations, performance exhibitions, interventions, and invocations of modernist architecture - and their challenges to traditional modes of attention. Charting a critical path through the last three decades, Bishop pinpoints how spectatorship and visual literacy are evolving under the pressures of digital technology.

Learn to apply basic principles of composition and perspective to make your artwork more powerful! In this unique book, author and illustrator Rui Tomono provides detailed case studies showing you how to create more compelling illustrations using the time-honored principles of composition and perspective. Follow Rui's examples, notes and tips as you learn to create dynamic compositions that will thrill readers and keep them turning the page. When you use the right perspective, framing and focal points, you lead the viewer's eye and communicate your stories in a clear and engaging way. Rui also explains how to add color to your B&W sketches to create spectacular finished artworks. The in-depth case studies in this book show you how to: - Establish the point of view of an illustration correctly - Position elements in a balanced way using the rule of thirds, the golden ratio, and more - Express a sense of dynamic flow for moving subjects - Create clearly defined foregrounds and backgrounds - And much more!

Learn to draw mind-bending fantasy characters from an expert video game character designer! This captivating book presents a treasure trove of ideas for hundreds of different fantasy characters and creatures. Experienced video game character designer Satoshi Matsuura explains his method for designing characters to play specific roles in fantasy world video games, graphic novels, anime films and fine art illustrations. This extraordinary sourcebook contains over 600 different character designs as well as an exclusive tutorial showing you how to conceptualize and draw new, believable characters with clearly defined features matching their individual motivations and actions. The hundreds of characters in this book include: - Majestic dragons, dinosaurs, monsters and anthropomorphic creatures - Fairytale ogres, orcs, trolls, giants, elves, fairies, hobbits and dwarves - Kawaii critters like the Owl Bear, Werechipmunk, Cat Fairy and Mouse Knight - Zombies, Yokai, demons and oddballs like the Death Mole and Sushi Monster - Kings, generals, monks, shamans, knights, rogues, assassins, mercenaries and more! Indispensable for fantasy world artists, this book is an endlessly fascinating storehouse of creative ideas!

„Kultura“, „styl“, „forma“, „obraz“, „médium“, „kontext“ nebo „materiál“ jsou pojmy, s kterými běžně operujeme, když přemýšlíme o minulých i současných uměleckých dílech. Tato kniha je určená všem těm, jež zajímá myšlenkové podloží těchto pojmů a to, jakou roli hrály a hrají v akademických i neakademických reflexích umění a jeho dějin. Jakub Stejskal pracuje jako vedoucí výzkumného týmu na semináři dějin umění Masarykovy univerzity. Před tím působil na univerzitách v Basileji a Berlíně. V roce 2014 získal doktorát z estetiky na Univerzitě Karlově. Je autorem řady studií a jedné knihy na pomezí filozofické estetiky, dějin umění, archeologie a antropologie. Metakunsthistorie je jeho první knihou v českém jazyce. “Culture,” “style,” “form,” “image,” “medium,” “context” or “material” are terms we standardly use when discussing past and contemporary art works. This book is intended for those interested in the ideational grounding of these terms and the role they have been playing in both academic and non-academic reflections on art and art history. Jakub Stejskal works as head of a research team of the Department of Art History at Masaryk University. He previously worked at universities in Basil and Berlin. In 2014, he received a doctorate from aesthetics at Charles University. He is the author of a number of studies and one book which addresses the philosophy of aesthetics, art history, archeology and anthropology. Metakunsthistorie is his first book published in Czech.

Druhý svazek Gombrichových studií o renesanční době a umění spojuje antologie Apellův odkaz a Staří mistři v novém nasvícení. Název prvního souboru, Apellův odkaz (The Heritage of Apelles, 1976), připomíná nejslavnějšího malíře starověkého Řecka, který prý ve svých dílech spojoval dokonalou krásu s nedostižnou dovedností, s níž zachycoval vzezření přírody. Tento dvojí ideál dokonalé krásy a dokonalého napodobení přírody, zděděný z antiky, přetrvával až do dvacátého století a je východiskem poučených a inspirativních studií v tomto souboru, věnovaných otázkám tradice, hodnot a standardů, i konkrétněji pracovním metodám Leonarda da Vinci či malířským technikám zachycování lesku a světla. Druhá část knihy, antologie Staří mistři v novém nasvícení (New Light on Old Masters, 1986), se pak zaměřuje na jednotlivé tvůrce, nově zkoumá dobové texty a dokumenty a objevně interpretuje díla mistrů, jak byli Giotto, Leonardo da Vinci, Raffael, Giulio Romano či Michelangelo. Gombrichovy eseje zůstávají dodnes vzorem kvalitního psaní o historii výtvarného umění. Soubor O renesanci 2 vychází opět v překladu Martina Pokorného. Vydání knihy podpořilo Ministerstvo kultury České republiky.

The Updated and Expanded edition of The Art of Feminism charts the birth of the feminist aesthetic and its development over two centuries that have seen profound and fast-paced change in women's lives across the globe. Including over 350 remarkable artworks, ranging from political posters and graphics to stunning and provocative pieces of painting, sculpture, textiles, craft, performance, digital and installation art, the book begins with poster images produced by the Suffrage Atelier in the nineteenth century, moving on to developments of both World Wars before arriving at the `birth' of feminist art in the 1960s. More recent artworks describe the development of feminism from the fall of the Berlin Wall to the present day, including examples by Zanele Muholi, Paula Rego, Lenka Clayton, Sethembile Msezane, Andrea Bowers, Tanja Ostojic, Aliaa Magda Elmahdy and Zoe Leonard. Other featured artists include Valie Export, Ketty La Rocca, Ewa Partum, Carolee Schneemann, Sanja Ivekovic, Senga Nengudi, Eva Hesse, Lynda Benglis, Suzy Lake, Barbara Kruger, Sophie Calle, Nancy Spero, Marina Abramovic, Mary Kelly, Judy Chicago, Faith Ringgold and Sonia Boyce. UPDATED AND INCLUSIVE: This edition of the book features an even more diverse array of artists and artworks than the original, from the beautiful figurative paintings of Hungarian-Indian artist Amrita Sher-Gil to the thoroughly researched and extravagantly costumed self-portraits of American photographer Ayana Jackson. Edited by Helena Reckitt, with texts by Lucinda Gosling, Hilary Robinson and Amy Tobin, The Art of Feminism also includes a preface by Maria Balshaw, Director, Tate, and a foreword by Xabier Arakistain, former director of del Centro Cultural Montehermoso Kulturunea, Spain.

Michael Třeštík svým „guerilla“ přístupem přináší svěží pohled na svět umění. S partyzánskou odvahou a lehkostí proplouvá teorií a historií. Originálním způsobem nahlíží na výtvarná díla, klade si neotřelé otázky a nabízí na ně ještě neotřelejší, a především srozumitelné odpovědi. To vše v knize, která se vejde na noční stolek a vydá za celou knihovnu. Pokud si umění nechcete jen prohlížet, ale máte zájem jej opravdu vnímat, autor vám otevře oči.

„Képek vesznek körül minket: laptopon, telefonon, magazinokban, újságokban, olyan könyvekben, mint ez, és – még mindig – ott lógnak a falakon is. Legalább annyit gondolkodunk képekben, mint szavakkal, képekkel álmodunk, és rajtuk keresztül próbáljuk megérteni az embereket és a környezetünket. Ám a képeket eddig ritkán tekintették önálló kategóriának. A képek különböző fajtáinak, mint a festészet, a fotográfia vagy a film, sokszor megírták már a történetét. A képek történetét viszont nem.” David Hockney, a ma élő egyik legkeresettebb festő, akinek képei milliárdokért kelnek el, és Martin Gayford műkritikus, életrajzíró izgalmas beszélgetést folytatnak: feltérképezik, hogyan és miért készítenek több ezer éve képeket az emberek. A két szerző a magasművészetből és a popkultúrából egyaránt hoz példákat, és a különböző korok és médiumok meghökkentő egymásra hatásaira, kapcsolataira mutat rá. Unásig ismert képekre olyan friss szemmel nézhetünk most, mintha először látnánk őket.