Najnovšie - Umenie strana 128 z 500

Brett Charles Seiler lives and works in Cape Town, South Africa, where he also graduated from the Ruth Prowse School of Art in 2015. Seiler's work has elements of painting, installation, and object art, with a strong emphasis on the use of text and language. Sometimes poetic, nostalgic, or romantic, it is an integral part of his art or stands on its own as a piece as well. In his paintings, the space is indeterminate, the figures are not located and sketchily fleeting, the writing elements seem spontaneous like statements from street art. The colour scheme moves in a narrow spectrum between black, grey, white and brown tones, often using wood. His themes are sexual interaction, oppression, homosexuality, gender, men. Originally from Zimbabwe, a state where human rights violations are commonplace, his work also makes a mark in the struggle for equal sexual orientation in education, media, and institutions. "[My work] is a deep longing for understanding. It is from the point of view of something that I've missed, something that I cannot go back to. It's a process of research."Text in English and German.

How to Make It in the New Music Business, since its first publication in 2016,?has become the go-to resource for musicians eager to make a living in a turbulent industry. Widely adopted by ambitious individuals and music schools across the world and considered "the best how-to book of its kind" (Music Connection), this essential work has inspired tens of thousands of aspiring artists to stop waiting around for that "big break" and take matters into their own hands. In this highly anticipated new edition, Ari Herstand reveals how to build a profitable career with the many tools at our fingertips in the post-COVID era and beyond, from conquering social media and mastering the digital landscape to embracing authentic fan connection and simply learning how to persevere.This edition breaks down these phenomena and more, resulting in a timeless must-have for anyone hoping to navigate the increasingly complex yet advantageous landscape that is the modern music business.

Sborník Řeč materiálu představuje závěry z odborné konference Historický interiér a řeč materiálů konané v roce 2022. Ve sborníku jsou prezentovány specializované studie z jednotlivých odborných etap a tematických celků, včetně textů zahraničních i domácích specialistů. Studie se zaměřují na několik okruhů. Jedná se o vymezení některých pojmů, k nimž patří historický interiér, původní technologie, kvalita materiálů anebo autenticita. Příspěvky dále sledují stavební prvky jako nedílnou součást historického interiéru a rekonstrukce historických interiérů či jejich částí s využitím znalostí původních technologií a materiálů. Studie vystihují autentické tradiční technologie a materiály, jejich kvalitativní výzkum s cílem identifikovat příčiny a faktory, které jsou zdrojem transmise, modifikace nebo zániku tradičních řemeslných technologií. Neopomíjí ani dopad detailních znalostí tradičních materiálů a technologií na rehabilitaci historických objektů. Jednotlivé texty ve sborníku mohou proto přispět k ochraně, restaurování, prezentaci a edukaci v oblasti tradičních řemesel spojených se stavební činností a interiérovou tvorbou v měšťanském a aristokratickém prostředí.

Rozsáhlá monografie Mezičas v česko – anglické mutaci představuje laické i odborné veřejností systematicky a zevrubně zpracovaný umělecký odkaz Adély Matasové, jež v roce 2021 získala Cenu Ministerstva kultury za přínos v oblasti výtvarného umění, především za celoživotní uměleckou a pedagogickou činnost. Publikace je strukturována do několika textových i obrazových částí. Kniha je členěna do čtyř zásadních kapitol, kterým předchází vizuální úvod prezentující dosud nepublikované, ve své době naprosto progresivní a inovátorské dílo. Jedná se o kreslený scénář a dokumentární fotografie k scénickému představení – Pohybová akce k hudbě E. Varése, které se uskutečnilo v divadle v Českých Budějovicích v roce 1974. Na toto překvapivé obrazové antré navazuje rozhovor hlavní editorky Pavlíny Morganové s Adélou Matasovou o žití ve složité době, o mezilidských vztazích, práci a umění. Rozhovor je graficky „podbarven“ dobovými osobními fotografickými záběry. Pak už následují stěžejní kunsthistorické a badatelské texty ve čtyřem oddělených kapitolách, které jsou prokládány reprodukcemi děl Matasové, pohledy do jejích výstav, realizací a projektů. První kapitola, jejíž autorkou je výše zmiňována editorka a kunsthistorička Pavlína Morganová, nese název „Osobní výzkum světa. Tvorba před rokem 1989.“ P. Morganová zde sleduje tvorbu Matasové od prvotního formování umělkyně na studiích až po další umělecký vývoj v průběhu následujících 70. a 80. let. Na tuto kapitolu úzce navazuje další textový vstup významné kurátorky a kunsthistoričky Martiny Pachmanové. Její badatelský příspěvek “Překonávat hranice těla a prostoru. Tvorba po roce 1990“ mapuje a analyzuje posun tvorby Matasové od Sametové revoluce až po její nejsoučasnější práce. Následný text kurátorky GASK, Veroniky Marešové, „Cesta vody. Dešťové stěny a Site – Specific východiska“ cílí na exteriérové projekty, instalace a intervence ve veřejném prostoru či v krajině se zvláštním důrazem na nejaktuálnější instalaci Dešťovou stěnu IV v jezuitských zahradách Galerie Středočeského kraje – GASK v Kutné Hoře. Poslední kapitola „Metasystémy“ kurátora Michala Kolečka je věnována retrospektivní výstavě se stejnojmenným názvem, jež barvitě a mnohovrstevnatě demonstrovala širokospektrální záběr autorky napříč jejím celoživotním dílem. Výstava Metasystémy (uskutečněná 20.3.-5.6. 2022 v GASK, KH) také aktivizovala myšlenku zrealizovat dosud nezpracovanou a nevydanou monografii Adély Matasové zabývající se hlouběji jejím uměním. Závěr knihy krom životopisné chronologie a záznamu účasti na samostatných skupinových výstavách, sympoziích či stážích A. Matasové, obsahuje především sumární soupis děl s obrazovým doprovodem, jenž je velmi cenným encyklopedickým materiálem pro další badatelský výzkum na poli výtvarného umění.

Zdeňka Šestáka, narozeného v Citolibech roku 1925, zná hudební svět zejména jako objevitele tzv. citolibské skladatelské školy. Šesták je však také autorem četných komorních, sborových, koncertantních a symfonických děl. Jako skladatel bezprostředně navazuje na hudební avantgardu první poloviny minulého století a je typem neoklasika, vědomě čerpajícího z tradic evropské hudby posledních pěti set let. Monografie líčí příběh Šestákova života i jeho úsilí o rozeznění citolibských objevů, její páteří je ovšem sama Šestákova hudba. Autor ve svých interpretacích nesleduje jen vývoj kompozičních postupů. Na základě svého nejhlubšího přesvědčení, že hudba je především jazyk, se snaží rozkrýt jak její sdělení a poselství, tak motivace a impulzy, z nichž se hudební dílo zrodilo. Proto se v knize odvíjí příběh života a příběh hudby jako dvě paralely, které se vzájemně zrcadlí: symfonikem se Šesták stává, po dlouhých letech zrání, v rozhořčení nad invazí roku 1968; velké sborové cykly skladatel komponuje po zkušenosti s pěveckým sborem, který založil v Citolibech ze vzdoru vůči normalizační letargii; téma času a konečnosti se v jeho tvorbě objevuje s bilancováním středních let; antickou inspiraci v jeho díle probudil už Jan Patočka za univerzitních studií.

In this bold, surreal photographic celebration of the fantastical beauty of cosplay, 70 cosplayers leave behind their everyday existence and become heroes for a day. Whether it is becoming a fictional character or presenting the 'you' the world sees, the craft of cosplay is everywhere. A powerful expression of individuality and diversity, cosplay is a global phenomenon that allows a large number of diverse individuals to join together in one single chaotic but inclusive community. Cosplay allows anyone to become a hero for a day. After attending a cosplay convention in 2018, photographer Thurstan Redding became captivated by cosplay as a subject matter and embarked on a three-year photographic project to portray cosplay in a way it had never been seen before. In this bold and surprising volume, he captures the transfixing world of cosplay. Brought to life through the presentation of 70 cosplayers in the most unassuming of locations, this exceptional book highlights how creativity can thrive in the most mundane realities: Spider-Man is illuminated by the open fridge in the kitchen, three Alices wait at a bus stop in a desolate Wonderland, Resistance Pilot plays dead on the gravel driveway of a suburban housing estate. Supplemented by commentary from the cosplayers themselves, together with behind-the-scenes pages from Thurstan's personal diary, Kids of Cosplay is 'a celebration of ... fandom and allows a glimpse into the world where people are united by their celebration of an art which transforms the ordinary into the extraordinary' (The Independent). A foreword by fashion powerhouse Katie Grand, an essay by writer and performer Tom Rasmussen, who discusses the social and cultural context of cosplay, and an illuminating interview with Redding by noted fashion writer Sara McAlpine complete this compelling volume. Sometimes, all it takes is to scratch the surface of our realities to reveal the fantasy that lies beneath.

A lavishly illustrated collection of essays on drawing as a vital intellectual, artistic and life practice, by the artists of the Royal Drawing School. Drawing is among the most profound ways of engaging with the world. It is absorbing, instinctive – a way not just of seeing, but of understanding what we see. Ways of Drawing brings together a range of reflections and creative propositions by contemporary artists and teachers associated with the Royal Drawing School, generously illustrated with images by alumni of the School and the work of significant artists past and present. From explorations of artistic development to short, imaginative strategies for seeing the world afresh, it repositions this art form as a vital force in the contemporary world. Advocating passionately for drawing as both deeply personal and utterly essential, this book is an invaluable companion for artists with all levels of experience looking for new inspirations for their practice.

Who inspired Marilyn Monroe’s signature bombshell look? What did Jane Fonda wear in protest of the Vietnam War? What was the symbolism behind Halle Berry’s dress for her 2002 Oscar win? The red carpet is so much more than fabulous gowns on famous people; it reflects the styles and values of each era and has become a platform to make social statements. Red Carpet Oscars presents over ninety years of fashion worn at the event since its inception in 1929, charting what the stars wore and why. From homemade and pre-loved dresses to ready-to-wear and haute couture, it tracks the style evolution of Hollywood’s leading stars, the commercialisation of the red carpet and the radical shifts that reshaped formal dressing. This comprehensive chronological survey showcases a thousand looks across almost a century. In addition to carefully curated images of the most iconic and inspiring outfits, each entry reveals the stories behind the looks along with the social and political influences of the time. Fashion writer Dijanna Mulhearn has compiled the ultimate resource that celebrates both the glamour and the impact of Hollywood’s most famous red carpets.

This seminal volume—produced in close collaboration with his estate—is the official, most comprehensive reference of Robert Doisneau’s photographs of Paris. Robert Doisneau infused images of daily life with poetic nuance. This unique portrait of Paris in 560 photographs is reissued in hardcover with red-tipped pages. This entrancing tour through the gardens of Paris, along the Seine, and among crowds of Parisians includes children scrambling to cross rue de Rivoli, fresh-faced accordionists, elegant dog walkers, brave resistance fighters, exuberant roller skaters, the indelible kiss in front of the Hôtel de Ville, and cyclists beneath the Eiffel Tower. The magic of Paris in black and white is timeless. Photographs curated by Doisneau’s daughters and complemented by Doisneau’s own commentary reveal his profound fascination with the city where he lived and worked.

Brutalist Paris is the first thoroughly researched, English language study of Parisian brutalist architecture. It constructs a unique photographic record of over 50 buildings across Paris and brings a new interpretation of brutalism in the French context. The book is the result of many journeys, from the Parisian centre to its outer peripheries, and situates brutalism within the broader social, political and cultural context of Paris. It describes brutalism's successes and failures in Paris, from an architecture of monumental urban form to intricately crafted living spaces; from valued, historic monuments to abandoned ruins

- This book sheds light on the often mysterious iconography in Japanese prints - Lavishly illustrated with over 130 prints of women and men, from the heyday of Japanese printmaking - A passionate introduction to the intriguing art of Ukiyo-e Women and men – strong, proud, tragic or beautiful – from the heyday (1765–1865) of Japanese printmaking are this book's subject. It seeks to dig below the surface of the prints to describe the often subtle iconography employed in these masterful creations by the most famous artists of their time. It begins with Suzuki Harunobu's subdued and introverted scenes of women seated on verandas. The book then moves on to the spectacular ‘big face' (okubi-e) portraits of prostitutes and Kabuki actors by artists like Kitagawa Utamaro, Toshusai Sharaku and Utagawa Kunimasa. Frail ‘streetwalkers', forced by circumstance into the lowest ranks of prostitution, are transformed into elegant beauties, obscuring their tragic existence. The spectacle of heroes from Japan's rich mythological and pseudo-historical past crowd the printed sheet. Stern-faced actors drawn by the confident hands of Utagawa Toyokuni and his pupil Kunisada demonstrate the economy of line and powerful expression of the woodblock medium. Each print is explored in the finest detail in order to explain the riddles of Ukiyo-e: the intriguing and captivating mode of visual expression that would have such a profound influence on Western art.

Lucia Dovičáková (1981) patrí k neprehliadnuteľným umelkyniam na slovenskej výtvarnej scéne. V centre Dovičákovej záujmu je žena a jej obraz. Výstava Cítim sa ako… predstavuje diela Lucie Dovičákovej zo zbierky Galérie Nedbalka, ktoré odrážajú nosné témy objavujúce v autorkinej tvorbe od jej študentských čias po súčasnosť, rozdelené do tematických okruhov: Rozprávky o kráse, Žena a iné spotrebiče v domácnosti, Zvery v nás, Moja krv a mlieko a Cítim sa ako... Dovičákovej obrazy dokážu preklenúť priepasť medzi teóriou a každodennou realitou, medzi presvedčenými feministami*tkami a tými, ktorí*é pri pohľade na jej diela zažijú aha-moment napr. v podobe smiechu nad situáciou, ktorá je síce zveličením, ale zasahuje podstatu problému s milimetrovou presnosťou. Práve (seba)irónia a zveličenie sú zbraňou, ktorá sa v správnych rukách dokáže premeniť na emancipačný nástroj.

Publikace seznamuje čtenáře s pestrým souborem textilií z indického subkontinentu ze sbírek Náprstkova muzea v Praze. Rozmanité přírodní podmínky dnešní Indie, Pákistánu a Bangladéše stejně jako národnostní, sociální a náboženská specifika se odrážejí v široké škále materiálů, výrobních technik i repertoáru vzorů použitých při výrobě oděvů. Práce poskytuje řadu informací všem zájemcům o indickou kulturu stejně jako obecných znalostí o textilnictví, tradičních řemeslech i muzejním odborníkům. Indické oděvy jsou vedle erudovaného výkladu představeny i velkým množstvím barevných fotografií.

Muzikoložka a psychoterapeutka Zuzana Vlčinská, která se už řadu let věnuje „prožitkovému zpívání“, představuje originální a obohacující pohled na lidský zpěv. Pro zpěvník, poeticky nazvaný Písně na cesty krajinami duše, vybrala autorka více než sto známých i méně známých lidových písní z Čech, Moravy a Slezska a roztřídila je podle emocí nebo archetypů, které zpracovávají či pomáhají navodit. Součástí knihy je unikátní kód umožňující stažení nahrávky písní ve formátu MP3.

Od odborného terminologického slovníku se očekává jednoznačnost. Iva Oplištilová ve své publikaci však dokazuje, že je nedosažitelná. Vedle česko-anglického slovníku hudební teorie předkládá také text, ve kterém vysvětluje proces hledání vhodných českých ekvivalentů. Zdůrazňuje nutnost znalosti co nejširšího kontextu při vzniku každého termínu. V publikaci představuje také tři výrazné hudební teorie – schenkerovskou analýzu, teorii tónových skupin a neoriemannovskou teorii.

TEXTile Manifestoes je mezioborová antologie, která spřádá nejrůznější otázky spojené s textilním uměním, módou, textualitou a vetkává je do širších politických, sociologických, filosofických a umělecko-historických souvislostí, čímž překračuje rámec jejich vlastní textury. Propojením triadického celku TEXTu – TEXTilu – TEXTury se TEXTile Manifestoes snaží reflektovat, kreativně přetvářet, kriticky promýšlet, dekonstruovat a dekolonializovat žánrovou ambivalenci manifestu jakožto převážně mužské formy modernity, která autoritářsky usiluje o zcela odlišnou budoucnost. Antologie vychází ze strukturálního a metaforického sepjetí textu a textilu, aby se pokusila jiným způsobem promyslet politické a etické otázky současného světa, který se tak zoufale snaží hledat jistoty a zřetelný program moderního manifestu, a to aniž by se uchýlil k těm nejhorším formám totality. Původní projekt „TEXTile Manifestoes“ vznikl z mezioborové spolupráce několika ateliérů na Vysoké škole uměleckoprůmyslové v Praze. Studentky a studenti ateliérů designu oděvu a obuvi, grafického designu a vizuální komunikace, tvorby písma a typografie a fotografie II byli osloveni, aby společně propletli textil a diskurz jakožto vlastní manifesty kombinující módní kolekce a palčivé otázky současného světa, jako je všudypřítomný dohled a kontrola, umělá inteligence, nebo virtuální realita, případně otázky osobnější týkající se identity, paměti a (duševního) zdraví. Studentské práce následně doplnily a (re)kontextualizovaly zahraniční a tuzemské příspěvky, jejichž rozsah sahá od Andských textilních studií, neuropsychoanalýzy, literární a umělecké kritiky, až po estetiku a muzikologii. Do antologie svými texty přispěli: Kyle Allan, Jayson Althofer, Erik Annerborn, Luciana Benetti Marques Valio, Shelley Burian, Subhradeep Chatterjee, Ingrid Cogne, Arthur Crucq, Evelyn Echle, Pasquale Fameli, Tereza Jiroutová Kynčlová, Paris Lavidis, Elisabeth Längle, Pavel Liška, Veronica Montanino, Robin R. Mudry, Pierluca Nardoni, Anna Maria Panzera, Anika Reineke, I. A. Roland-Rodríguez a Anne Röhl. Publikace vychází pouze v anglické jazykové verzi. Annotation in English: The TEXTile Manifestoes is an interdisciplinary anthology that assembles and interweaves questions related to textile art, fashion and textuality into broader political, sociological, philosophical, art history and historical frameworks thereby expanding their range of textural interconnections. This anthology departs from the genre-related ambivalence of the manifesto as a modern male form of authoritatively demanding radically different futures by using the manifesto to connect with the triadic complex of TEXT – TEXTile – TEXTure in order to reflect, refashion and redefine it in creative, critical, deconstructive and decolonial ways. Departing from the structural and metaphorical contiguity of texts and textiles, TEXTile Manifestoes aims to rethink the political and ethical in a world desperately seeking the certainties and clear programmes of modern manifestoes without returning to the worst forms of historical totality. The original project “TEXTile Manifestoes” emerged out of a cross-disciplinary collaboration between several studios at the Academy of Arts, Architecture and Design in Prague. Students from the Studios of Fashion and Footwear Design, Graphic Design, Visual Communication and Type Design as well as Photography II worked together to weave textiles and discourses alike to design their manifestoes by combining fashion collections with burning contemporary issues such as mass surveillance, artifical intelligence or virtual reality but also to more private struggles of identity, memory and (mental) health. The students’ works were later complemented by and (re)contextualised with international contributions ranging from ancient Andean textile studies to neuropsychoanalysis or from literary and art criticism to aesthetics and musicology. With texts by Kyle Allan, Jayson Althofer, Erik Annerbo

Antonín Heythum (1901-1954) byl výjimečnou a výraznou osobností výtvarné kultury v meziválečném Československu a později v USA. Významně zasáhl do několika oborů (scénografie, architektura, nábytek, průmyslový design, pracoval jako vysokoškolský pedagog), avšak jeho tvorba byla dosud zpracována zlomkovitě, bez širšího kontextu, izolovaně a s omezením pouze na některé obory. Přípravě knihy předcházelo pečlivé zmapování jeho rozsáhlého mezioborového díla v archívech na českém i americkém území s cílem popsat a zhodnotit jeho přínos pro všechny zmíněné oblasti. Pečlivě je popsána rovněž jeho spolupráce s významnými umělci (Man Ray, Erwin Piscator, Max Ernst, Marcel Duchamp, Frederic Kann atd.) a jeho výstavní aktivity probíhající ve více než šedesáti místech Evropy a USA. Knižní monografie vychází v česko-anglické jazykové mutaci. Publikace obsahuje úplný soupis inscenací Antonína Heythuma, rejstřík a resumé. Text doprovází bohatý obrazový materiál z rodinné pozůstalosti, českých a amerických sbírek (plány, kresby, scénické a kostýmní návrhy, fotografie, rukopisy) a poznámkový aparát.

V roce 1902 navštívil Prahu a Moravu francouzský sochař Auguste Rodin. Tato cesta, spojená s jeho tehdy největší zahraniční výstavou, byla důležitá nejen pro sochaře samotného, ale zanechala nesmazatelné stopy i v místě návštěvy. Byla zásadní pro tehdejší generaci malířů a zejména sochařů, kterým pomohla ujasnit si cestu k modernímu výtvarnému směřování, a předznamenala také budoucí orientaci naší výtvarné scény na francouzské umění. Z toho, co tehdejší umělecká a společenská elita považovala za důležité této významné návštěvě ukázat, lze navíc usuzovat mnohé o prioritách a charakteru české společnosti na počátku 20. století. Publikace se poprvé systematicky věnuje doprovodnému programu, který byl pro Rodina připraven. Na základě nového studia archivních pramenů (časopisů, korespondence, osobních archivů aj.) se snaží rovněž zmapovat důvody, proč přijel Auguste Rodin na Moravské Slovácko, kde navštívil Výstavu slovenských a moravských výtvarných umělců v Hodoníně a kde u příležitosti jeho návštěvy proběhla téměř „celoslovácká“ slavnost.

In the late 1970s, aggressive, young bands are forming across Britain. Independent labels are springing up to release their music. But this isn't the story of punk. Forget punk. Punk was a flash in the pan compared to this. This is the story of the New Wave of British Heavy Metal, a musical movement that changed the world. From this movement - given the unwieldy acronym NWOBHM - sprang streams that would flow through metal's subsequent development. Without NWOBHM there is no thrash metal, no death metal, no black metal. Without the rise of Iron Maiden, NWOBHM's standard bearers, leading the charge to South America and to South Asia, metal's global spread is slower. Without the NWOBHM bands - who included Def Leppard, Motorhead, Judas Priest, Diamond Head and many others - the international uniform of heavy metal - the 'battle jacket' of a denim jacket with sleeves ripped off, and covered with patches (usually sewn on by the wearer's mum), worn over a leather biker jacket - does not exist: 'Denim and leather brought us all together,' as Saxon put it. No book has ever gathered together all the principals of British heavy rock's most fertile period: Jimmy Page, Rick Allen, Michael Schenker, Robert John 'Mutt' Lange, Ritchie Blackmore, Rick Savage, Phil Collen, David Coverdale, Cronos, Biff Byford, Joe Elliott, Rob Halford, Ian Gillan, Phil Mogg, Robert Plant, Tony Wilson, Lars Ulrich, Pete Waterman to name a few. In Denim and Leather, these stars tell their own stories - their brilliant, funny tales of hubris and disaster, of ambition and success - and chart how, over a handful of years from the late 1970s to the early 1980s, a group of unlikely looking blokes from the provinces wearing spandex trousers changed heavy music forever. This is the definitive story about the greatest days of British heavy rock.